5 œuvres emblématiques de David Hockney qui définissent sa longue carrière

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Mieux connu pour ses peintures vibrantes des piscines de Los Angeles, David Hockney est considéré comme l'un des artistes les plus influents du XXe siècle. Le peintre, dessinateur, graveur, scénographe et photographe anglais de 83 ans a apporté une énorme contribution au mouvement Pop Art des années 1960, et il continue de peindre et d'exposer encore aujourd'hui. De ses premières peintures de figures abstraites à ses collages photographiques ultérieurs, le style de Hockney est en constante évolution.

Poursuivez votre lecture pour découvrir cinq œuvres d'art de Hockney qui présentent les différents thèmes et techniques qu'il a explorés tout au long de sa carrière.

Voici cinq œuvres de David Hockney qui montrent comment son style artistique a évolué au fil des ans.

Nous deux garçons ensemble accrochés, 1961

Ce premier travail, intitulé Nous deux garçons ensemble accrochés, a été l’un des premiers clin d'œil à l’homosexualité de Hockney dans son art. Peinte à une époque où l'homosexualité était illégale aux États-Unis et en Grande-Bretagne, la représentation de deux hommes s'embrassant était un choix risqué pour le courageux artiste. Le style gestuel et la palette de couleurs atténuées de la pièce sont loin des compositions polies et colorées de Hockney pour lesquelles il est maintenant connu. Cependant, cette approche abstraite lui a donné un moyen d'aborder les relations homosexuelles d'une manière qui ne révèle pas l'identité de ses sujets.

Hockney peint Nous deux garçons ensemble accrochés vers la fin de sa deuxième année au Royal College of Art. La peinture dérive d'un poème du même titre de l'écrivain américain du XIXe siècle, Walt Whitman. Deux vers du poème ont été griffonnés sur le côté droit, offrant un récit de la scène. La peinture fait également référence à une coupure de journal détaillant un accident d'escalade à l'époque («Deux garçons s'accrochent à la falaise toute la nuit»). Ce double sens a ravi Hockney, qui idolâtre le chanteur pop britannique, Cliff Richard.

Une plus grosse éclaboussure, 1967

Hockney peint Une plus grosse éclaboussure pendant son séjour à l'Université de Californie à Berkeley. Les piscines de L.A. étaient l'un de ses sujets de prédilection et il s'est fait connaître pour ses grandes œuvres emblématiques qui les représentaient dans un style réaliste et vibrant. Cette pièce particulière de 94 × 94 pouces est le résultat de deux peintures plus petites dans lesquelles il a développé l'idée: Un peu d'éclaboussure (1966) et Le Splash (1966). Une plus grosse éclaboussure a été peint avec de la peinture acrylique, qui était un médium artistique relativement nouveau à l'époque. Conceptuellement, son utilisation avait du sens; Hockney avait l'impression que le pigment à séchage rapide était plus adapté pour représenter les paysages chauds et ensoleillés de la Californie que les peintures à l'huile traditionnelles.

Hockney a basé l'éclaboussure de la peinture sur une photographie qu'il a trouvée dans un manuel de piscine. Son objectif était de capturer l'événement d'une fraction de seconde dans une image fixe. La fluidité de l'éclaboussure contraste avec la géométrie rigide de la maison californienne en arrière-plan, ainsi que les bords droits de la piscine et le plongeoir jaune. «J'adore l'idée avant tout de peindre comme Léonard, toutes ses études sur l'eau, les choses tourbillonnantes», écrit Hockney dans son autobiographie. «Et j'ai adoré l'idée de peindre ce truc qui dure deux secondes: il me faut deux semaines pour peindre cet événement qui dure deux secondes.

Collectionneurs américains (Fred et Marcia Weisman), 1968

Les portraits de Hockney de la fin des années 60 offrent un aperçu de l’humeur et de la culture de l’Amérique à l’époque. Dans Collectionneurs américains, Hockney représente ses amis Fred et Marcia Weisman devant leur domicile à Los Angeles. Ils sont entourés de leurs objets d'art précieux, comme une sculpture moderniste et un totem Henry Moore.

La palette de couleurs pastel de la peinture donne à la scène un aspect presque onirique, capturant magnifiquement la lumière du soleil du sud de la Californie. Le couple est aussi rigide que leurs statues de jardin environnantes, donnant une sensation surréaliste et presque comique à la pièce. La peinture défie également les rôles de genre traditionnels; Marcia, une matrone aux formes complètes en peignoir, montre les dents et prend une pose à la fois élégante et puissante. Fred, l'homme de la maison, se tient à l'extrême gauche du tableau, les poings serrés, reflétant la position du totem comme si les deux étaient d'égale importance.

Un Grand Canyon plus grand, 1998

Inspiré par l'échelle monumentale du Grand Canyon, Hockney a commencé à photographier la merveille naturelle en 1982. «Il ne fait aucun doute que le frisson de se tenir sur ce bord du Grand Canyon est spatial», a-t-il dit un jour. «C'est le plus grand espace sur lequel vous pouvez regarder et qui a un avantage.»

Le peintre du XIXe siècle Thomas Moran est l'un des rares artistes à avoir réussi à capturer l'échelle et les détails du Grand Canyon dans leur art. La version de Moran est considérée par beaucoup comme la plus célèbre, mais Hockney voulait contester cela avec sa propre itération. Il a créé Un Grand Canyon plus grand en réponse à la peinture de 111 × 170 pouces de Moran, celle de Hockney est encore plus grande à 106 × 275 pouces. Il comprend 60 petites toiles réunies pour créer une grande vue, ne représentant qu'une partie du canyon. L'œuvre d'art vibrante évoque ce que c'est que de visiter le paysage épique, de voir ses petits détails ainsi que ses vues spectaculaires, le tout en même temps.

Billy + Audrey Wilder, 1981-1982

Au début des années 80, dans le cadre d'une enquête sur le cubisme, Hockney a commencé à expérimenter des collages photographiques. Il a combiné des dizaines de photos Polaroid, prises sous différents angles, pour créer une image complète, ou ce qu'il a décrit comme des «menuisiers». Dans Billy + Audrey Wilder, Hockney a produit un effet vertigineux en représentant les sujets de plusieurs points de vue. Chaque Polaroid individuel est pris séparément mais expérimenté simultanément. «J'étais devant la caméra jour et nuit», explique Hockey, «les menuisiers étaient beaucoup plus proches de la façon dont nous regardons les choses, plus proches de la vérité de l'expérience.

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