10 des chefs-d'œuvre les plus horribles de l'histoire de l'art

0
32

Art effrayant

Enfin, la saison d'Halloween est arrivée! Bien que les astuces, friandises et autres friandises offrent une façon conventionnelle de célébrer la période la plus effrayante de l'année, nous aimons faire preuve de créativité pendant que nous entrons dans l'esprit des fêtes. Nous avons donc créé une sélection fascinante de chefs-d'œuvre les plus effrayants de l'histoire de l'art.

Avec des crânes symboliques, des araignées souriantes et un très célèbre Crier, cette collection d'art ne manquera pas d'éblouir les amateurs d'art et les effrayants en cette fête hantée, une œuvre d'art à la fois époustouflante.

Pour célébrer la saison effrayante d'Halloween avec une touche d'histoire de l'art, nous avons rassemblé une sélection d'art effrayant qui pique le dos.

Une nature morte effrayante

Crânes de Cézanne

Paul Cézanne, «Pyramid of Skulls», 1901 (Photo via Wikimedia Commons (domaine public))

Le maître d'art moderne Paul Cézanne peint Pyramide des crânes au tournant du siècle. Mettant en vedette uniquement une pile de crânes humains comme sujet, cette pièce offre une alternative inquiétante aux natures mortes plus traditionnelles de l'artiste représentant des fruits et des bouteilles.

Bien que cette iconographie étrange ne soit pas typique du post-impressionnisme, les artistes incorporaient des crânes et d'autres symboles de mortalité dans des arrangements d'objets depuis les temps anciens. Défini comme mémento mori, Un titre latin qui se traduit par «rappelez-vous que vous devez mourir», ce genre de peinture se concentre sur la nature éphémère de la vie.

À l'approche de la vieillesse, Cézanne est de plus en plus fasciné par la mort. De 1898 jusqu'à la fin de sa vie en 1905, Cézanne peint plusieurs natures mortes de crânes. Alors que la plupart de ces représentations ne se concentrent pas uniquement sur les objets squelettiques, Pyramide des crânes les place au premier plan, obligeant le spectateur à les affronter et, par conséquent, à réfléchir à la mort. «Ces visages osseux agressent presque le spectateur», a déclaré l'historienne de l'art Françoise Cachin, «affichant une affirmation tout à fait en contradiction avec la réserve habituelle des tableaux de natures mortes domestiques.

Un monstre mythologique

Saturne dévorant son fils par Goya

Francisco Goya, «Saturne dévorant son fils», v. 1819-1823 (Photo: Musée du Prado via Wikimedia Commons (domaine public))

Entre 1819 et 1823, l'artiste espagnol Francisco Goya crée son Peintures noires, une série de 14 pièces particulièrement obsédantes. Parmi les plus célèbres de ces œuvres d'art effrayantes se trouve Saturne dévorant son fils, une peinture horrible d'un père se régalant de son enfant.

Selon la mythologie romaine, Saturne (Cronos dans le folklore grec) était le chef des Titans. Saturne a renversé son père, Caelus, dans un effort pour devenir le souverain de l'univers. Craignant que sa propre progéniture fasse de même, il a tué et consommé chaque enfant peu de temps après la naissance – une atrocité que Goya a choisi de dépeindre dans cette Peinture noire.

Goya n'a pas créé cette série pour le public. En fait, ils étaient destinés à décorer sa propre maison, avec Saturne dévorant son fils accroché – où ailleurs? – dans la salle à manger.

Vengeance biblique

Judith tuant Holopherne

Artemisia Gentileschi, «Judith Slaying Holopherne», 1614-1620 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Les peintures de la peintre baroque Artemisia Gentileschi se caractérisent par une palette de couleurs profondes, une utilisation habile de la lumière et des ombres et, surtout, un accent iconographique sur les figures féminines souffrantes cherchant – et obtenant – la vengeance. Une peinture qui caractérise cette approche est Judith tuant Holopherne, Un chef-d'œuvre inspiré d'un conte de l'Ancien Testament qui voit une veuve vengeresse décapiter un homme menaçant.

Lorsqu'elle est contextualisée (dans le contexte de la Bible), la décision de Gentileschi de dépeindre la scène sanglante en détail graphique n'est pas particulièrement inhabituelle – en particulier pour les artistes baroques amateurs de théâtre. Quels ensembles Judith tuant Holopherne en dehors d'autres peintures allégoriques de la période, cependant, Gentileschi a probablement introduit un portrait sournois dans la pièce macabre, car Holopherne tué ressemble de façon frappante à Agostino Tassi, un autre artiste italien qui a violé Gentileschi quand elle avait 17 ans. .

Un événement électrisant

Chaise électrique Andy Warhol

Andy Warhol, «Big Electric Chair», 1967 (Photo: Wikimedia Commons (CC BY 2.0CC BY 2.0))

Au début des années 1960, le fondateur du Pop Art Andy Warhol a été le pionnier de la peinture sérigraphique. Fabriquées en utilisant une combinaison de peinture acrylique et de la méthode de la sérigraphie – un processus de gravure mécanique dans lequel l'artiste a transféré des peintures sur toile sur du papier – ces œuvres ont permis à l'artiste de traduire des photographies comme de multiples œuvres «produites en série».

Alors que les peintures sérigraphiées les plus célèbres de Warhol présentent des célébrités populaires et des objets du quotidien comme sujets, sa série a pris une tournure plus sombre en 1962, quand il a commencé son Décès et catastrophes séries. Avec tout, des accidents de voiture dévastateurs aux boîtes de thon toxiques en passant par un Grande chaise électrique (un tableau inspiré d'une photographie de presse de la prison où Julius et Ethel Rosenberg ont été exécutés), cette collection d'œuvres témoigne de l'intérêt morbide de Warhol pour – et de la désensibilisation à – l'actualité.

"Quand vous voyez une image horrible encore et encore", a déclaré l'artiste, "cela n'a pas vraiment d'effet."

Souvenirs mystérieux

Art effrayant Peintures effrayantes Frida Kahlo fille avec masque de mort

Frida Kahlo, «Fille au masque mortel (elle joue seule)» 1938 (Photo: Wiki Art Fair Use)

La peintre mexicaine Frida Kahlo est connue pour sa collection de 55 autoportraits. Si ses œuvres les plus connues présentent l'artiste à l'âge adulte, elle s'est également décrite comme une enfant dans Fille avec masque de mort (elle joue seule).

Cette pièce particulière représente une jeune fille debout devant un paysage aride. Dans sa main, elle tient une seule fleur jaune et, sur son visage, elle porte un masque de crâne. Ces deux accessoires sont caractéristiques de Día de los Muertos—ou Day of the Dead – incitant le spectateur à réfléchir sur des thèmes liés à la mort. Enfin, un masque bestial repose à ses pieds, ajoutant encore plus de mystère à la peinture effrayante.

Fille avec masque de mort (elle joue seule) a été peint en 1938 – l'année avant son divorce dramatique d'avec son collègue Diego Rivera. Comme beaucoup d'œuvres créées pendant cette période, cette pièce a probablement été inspirée par les sentiments d'isolement et de solitude de Kahlo. "Je peins des autoportraits parce que je suis si souvent seul", a déclaré l'artiste, "parce que je suis la personne que je connais le mieux."

Une créature effrayante

Art Effrayant Peintures Effrayantes Odilon Redon Araignée Souriante

Odilon Redon, «L'araignée souriante», 1887 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

En 1887, l'artiste symboliste français Odilon Redon crée L'araignée souriante, une lithographie d'un arachnide inhabituel à dix pattes. Pourtant, même avec cet ensemble supplémentaire de membres, la chose la plus particulière à propos de cette araignée est son sourire troublant, que l'artiste a délimité avec une rangée de petites dents.

L'araignée souriante est l'un des nombreux noirs, ou «noirs» créés par Redon entre 1870 et 1890. Rendus au fusain et sous forme de lithographies, ces pièces illustrent l'intérêt de l'artiste pour l'obscur et, surtout, se caractérisent par l'obscurité, tant dans la couleur que dans le sujet.

«Le noir est la couleur la plus essentielle», a déclaré Redon. «Il véhicule la vitalité même d'un être, son énergie, son esprit, quelque chose de son âme, le reflet de sa sensibilité. Il faut respecter le noir. Rien ne la prostitue. Il ne plaît pas à l'œil et n'éveille aucune sensualité. C'est bien plus l'agent de l'esprit que la plus belle couleur de la palette ou du prisme.

Un «Cri qui traverse la nature»

Art effrayant Peintures effrayantes Edvard Munch the Scream

Edvard Munch, «The Scream», 1891 (Photo: National Gallery of Norway via Wikimedia Commons (domaine public))

L'artiste expressionniste Edvard Munch est réputé pour ses peintures et gravures sombres et mornes. De 1893 à 1910, il réalise son chef-d'œuvre le plus célèbre, le Crier, en série de 4 œuvres.

Au cours de cette période de 17 ans, Munch a recréé Le cri au crayon, à la peinture tempera et au pastel à l'huile. Bien que les médiums varient d'une pièce à l'autre, chacun présente le même sujet: une figure mystérieuse debout sur un pont et tenant son visage en hurlant.

Bien que cette scène ressemble à un rêve, elle a en fait été inspirée par un lieu réel et un phénomène particulièrement effrayant. «Un soir, je marchais le long d'un chemin, la ville était d'un côté et le fjord en dessous», a écrit Munch dans son journal. «Je me sentais fatigué et malade. Je m'arrêtai et regardai par-dessus le fjord – le soleil se couchait et les nuages ​​devenaient rouge sang. J'ai senti un cri traverser la nature; il me semblait que j'entendais le cri. J'ai peint ce tableau, peint les nuages ​​comme du sang réel. La couleur hurla. Ceci est devenu Le cri."

Un mauvais rêve

Art effrayant Peintures effrayantes Le cauchemar par Henry Fuseli

Henry Fuseli, «Le cauchemar», 1781 (Photo: Wikimedia Commons Public Domain)

Henry Fuseli était une figure de proue du romantisme, un mouvement artistique du XIXe siècle défini par une iconographie onirique. Dans sa peinture la plus célèbre (et bien nommée), Le cauchemar, Fuseli plonge dans le côté effrayant du subconscient.

Cette œuvre d'art qui pique la colonne vertébrale montre une femme endormie avec un incubus – un démon mâle qui s'attaque aux femmes pendant qu'elles dorment – perché sur son corps. Un cheval fantomatique émerge de derrière un rideau de velours rouge, formant la seule partie perceptible du fond noirci.

La plupart des historiens de l'art croient que Le cauchemar a été inspiré par les contes populaires allemands. Selon la légende, les hommes qui dormaient seuls étaient visités par des spectres de chevaux, tandis que les femmes seules étaient possédées par des démons ou le diable. En incorporant ces deux personnages effrayants dans la composition, Fuseli représente visuellement la manifestation d'un cauchemar vivant.

Une beauté monstrueuse

Medusa par Carvaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio, «Medusa», 1597 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Le Caravage s'est inspiré du mythe grec antique de Méduse pour cette peinture effrayante. Il représente la tête coupée de Méduse, un monstre mythique décrit comme une femme aux mains en bronze et d'innombrables serpents venimeux pour les cheveux. La légende raconte que quiconque la regardait même autant serait transformé en pierre. Méduse a été maudite par la déesse grecque Athéna, qui l'a transformée en monstre venimeux qu'elle est devenue. Persée, fils du dieu grec Zeus et de la princesse Danae, a décapité Méduse à l'aide d'un bouclier donné par Athéna.

Caravaggio a fait deux versions de son Méduse peinture – l'une en 1596 et l'autre en 1597. Dans cette œuvre, le Caravage utilise un miroir et peint son propre visage à la place de Méduse. Il l'a fait pour indiquer son immunité à son expression terrifiée. Bien que la tête soit décapitée, elle semble toujours consciente, capturant les derniers moments horribles de Medusa. Le sang coule de son cou coupé, tandis que sa bouche est grande ouverte, découvrant les dents.

Une scène surréaliste

Art effrayant Peintures effrayantes Jardin des délices terrestres Bosch

Jérôme Bosch, «Le jardin des délices terrestres», v. 1500-1505 (Photo: Musée du Prado via Wikimedia Commons (domaine public))

Bien qu'il ait vécu il y a 500 ans, Jérôme Bosch reste le maître du macabre. L'artiste de la première Renaissance néerlandaise est connu pour ses peintures surréalistes de décors d'un autre monde, comme le fantastique et l'effrayant Jardin des délices terrestres.

Si l'on sait peu de choses sur les origines de ce triptyque à l'envers, il reste les œuvres d'art les plus résonnantes de Bosch. Mettant en vedette des animaux hybrides, des machines imaginaires et tout le reste, la peinture chaotique établit un équilibre parfait entre une particularité accrocheuse et des horreurs cauchemardesques, en particulier lorsqu'elle est observée en détail.

Art effrayant Peintures effrayantes Jardin des délices terrestres Bosch

Jérôme Bosch, «Le jardin des délices terrestres», v. 1500-1505 (Détail)

Une interprétation fantaisiste de l'histoire biblique de la création, le Jardin des délices terrestres prouve que n'importe quel sujet peut être effrayant si on lui donne une tournure surréaliste.

Cet article a été édité et mis à jour.

Articles Liés:

13 kits de bricolage et artisanat effrayants pour Halloween

30+ idées de maquillage artistique d'Halloween pour inspirer votre prochain look effrayant

20+ idées de sculpture de citrouille d'Halloween pour célébrer de manière créative la période la plus effrayante de l'année