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Super Zen Cat fait une sieste au milieu d'un jardin zen japonais

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Chat du jardin zen

Les jardins zen japonais sont conçus pour aider les gens à se détendre et à méditer sur le sens de la vie. Et apparemment, les espaces tranquilles traditionnels ne sont pas seulement bénéfiques pour les humains. Utilisateur Twitter kmt (@ syu9ji2) a récemment partagé des photos en ligne, révélant comment un chat a décidé de faire une sieste, en plein milieu des ondulations de gravier ratissées du jardin du temple bouddhiste Kuhonbutsu Jōshinji Jōdo à Tokyo.

Les chats n’ont généralement pas besoin de beaucoup de persuasion pour prendre une pause, mais l’atmosphère paisible du jardin zen a peut-être eu une certaine influence sur ce félin en particulier. Les photos de Kmt montrent à quel point le tom au gingembre est complètement «en harmonie» avec le jardin zen. Traditionnellement, seuls les gardiens du jardin sont autorisés à marcher sur le gravier pour créer les beaux motifs. Cependant, ce chat ne se soucie pas des règles et a pris sur lui de s'étirer sur le sol sacré.

Plus tard, Kmt a pris d'autres photos du minou endormi se prélassant dans le jardin, après qu'il se soit réveillé. Ce petit bonhomme poilu est clairement un maître zen!

L'utilisateur de Twitter kmt (@ syu9ji2) a récemment partagé des photos en ligne, révélant comment un chat a décidé de faire une sieste, en plein milieu d'un jardin zen à Tokyo.

Chat du jardin zen

Ce petit bonhomme poilu est clairement un maître zen!

Chat du jardin zenChat du jardin zenkmt / @ syu9ji2: Twitter

Toutes les images via kmt / @ syu9ji2.

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9 bricolages pour transformer de jolies tasses à thé vintage en art utile

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Artisanat de bricolage de tasse de thé vintage

Photo: Photos de MICHELLECOPPIENS / Shutterstock

Qu'ils aient été transmis de génération en génération ou trouvés accidentellement dans une friperie, ne laissez pas tasses à thé vintage recueillir la poussière quelque part dans une armoire sombre. Les tasses à thé sont parfaites pour l'artisanat, et même les tasses à thé ébréchées ou cassées peuvent facilement se transformer en œuvres d'art. Vous pouvez fabriquer une mangeoire à oiseaux pour égayer votre jardin ou fabriquer des bougies romantiques aux arômes délicieux.

Vous cherchez un moyen de montrer votre fine porcelaine de manière unique? Ne cherchez pas plus loin – cette liste de produits artisanaux pour tasses à thé vous donnera beaucoup d'idées sur la façon dont vous pouvez améliorer les tasses à thé vintage.

Essayez ces bricolages pour donner une nouvelle vie à votre décor.

Coussin Vintage Tasse à Thé

Transformer une tasse à thé vintage en coussin à épingles est un moyen charmant d'éviter de perdre des épingles et des aiguilles tout en travaillant sur la broderie ou d'autres objets d'artisanat en tissu. La broderie sur le coussin à épingles ajoute à l'ambiance vintage; cependant, tout gros morceau de tissu fonctionnera. Simple et rapide à réaliser, un pistolet à colle chaude est le seul outil nécessaire. Pour des étapes faciles à suivre, rendez-vous sur Creative Green Living.

Ornement d'arbre de Noël de tasse de thé

Ces ornements de tasse de thé feront de grands cadeaux pendant la saison des vacances. Glissez une petite scène hivernale dans la tasse à thé et nichez-la entre les branches pour une magie des Fêtes. Créés par Kathy Owen pour son blog Petticoat Junktion, ces charmants ornements utilisent de la peinture acrylique abordable, tandis que les matériaux de la scène de Noël peuvent être récupérés d'autres décorations de Noël si nécessaire. Une solution parfaite pour votre crèche cassée ou votre figurine Rudolph inutilisée. Vous pouvez trouver des instructions et une vidéo explicative sur le blog d'Owen.

Bougies élégantes de tasse de thé

Bougie Tasse à Thé

Photo: Photos de NINETTE BAHNE / Shutterstock

Il existe de nombreuses excellentes recettes de bougies de tasse de thé aux parfums variés. En fonction de votre confort et de votre expérience avec la fabrication de bougies, une recette de démarrage facile de Martha Stewart recycle la vieille cire de bougie à partir de bougies partiellement utilisées. Pour les artisans ayant un peu plus d'expérience dans la fabrication de bougies parfumées, cette recette de bougie de soja Earl Grey de Dans Le Lakehouse est le parfum léger parfait. Cette recette de The Craft Patch prend une tournure amusante en utilisant des crayons de couleur pour colorer la cire de votre bougie.

Un support à gâteau de tasse de thé Dainty

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=Amr1WOZgjBA (/ embarqué)

Présentez des friandises sucrées à l'heure du thé de manière innovante. Ce projet incroyablement facile à réaliser par Inaablue ne nécessite que de la superglue. Pour vous assurer que votre support est stable, veillez à ne pas choisir une tasse à thé avec un bord festonné. Avec plusieurs soucoupes ou assiettes, on peut également fabriquer un support à gâteaux à plusieurs niveaux. Ce projet est plus avancé, mais des instructions en anglais et en espagnol vous guideront à travers les étapes.

Recréez Chip de Disney La belle et la Bête

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=YJOJTKW2Ass (/ embarqué)

Si vous avez une tasse de thé ébréchée, honorez le classique Disney des années 90 La belle et la Bête créez votre propre Chip – la petite tasse de thé avec un grand cœur. Vous pouvez commencer avec n'importe quelle tasse de thé de couleur, à condition d'avoir une couche de base blanche (comme le montre la vidéo de Nutty Crafter). Cependant, trouver une tasse à thé blanche avec un bord en or peut aider à une création rapide sans peinture nécessaire. DIY Party Mom fournit des instructions ainsi que des fonctionnalités imprimables pour la petite tasse de thé.

Mangeoire à oiseaux chic

Mangeoire à oiseaux tasse à thé bricolage artisanat

Photo: Photos de SVITLYK / Shutterstock

Il existe de nombreuses façons de fabriquer des mangeoires pour oiseaux en utilisant des tasses à thé vintage. Les instructions pour suspendre les mangeoires, les mangeoires à oiseaux sur les poteaux et les mangeoires à oiseaux utilisant des appliques d'éclairage montrent la gamme de mangeoires créatives que l'on peut construire. Quelles que soient les limites de votre jardin, il existe une mangeoire à oiseaux en forme de tasse à thé qui fonctionnera pour vous.

Jardinières à thé

Pour ceux qui ont le pouce vert, les jardinières de tasse de thé sont charmantes sur n'importe quel rebord de fenêtre. Pour les planteurs succulents, suivez les instructions de Girl in the Jitterbug Dress. Pour les herbes, Intimate Weddings a des instructions pour la plantation. Si une plante nécessite un drainage, les tutoriels pour percer des trous en porcelaine (voir les tutoriels sur les présentoirs à gâteaux à plusieurs niveaux) offrent une solution idéale.

Mosaïque de jardin Stepping-Stone

La porcelaine brisée peut encore être belle lorsqu'elle est utilisée pour fabriquer ces tremplins de jardin en ciment. Des instructions et une vidéo utile sont disponibles sur Over the Big Moon. Le verre de mer, les petites pierres et autres objets durables peuvent également être utilisés pour la texture et la couleur. C'est un métier amusant pour les enfants à aider, et les petites empreintes de mains peuvent être immortalisées à jamais dans la pierre – bien que les adultes doivent veiller à faire attention avec la porcelaine cassée car les bords sont très nets.

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Sculpture surréaliste de masques faciaux s'embrassant explore des idées d'intimité au milieu d'une pandémie

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Toujours dans One Piece III de Johnson Tsang

L'artiste basé à Hong Kong, Johnson Tsang, est connu pour son incroyable capacité à manipuler l'argile pour en faire de magnifiques sculptures en porcelaine. Inspiré par le monde qui l'entoure, Tsang a intégré les conséquences du coronavirus dans son dernier ouvrage, intitulé Toujours dans One Piece III. Dans la sculpture délicate, deux visages – étroitement recouverts de leur masque facial – s'embrassent.

En se concentrant sur les détails du visage humain couvert par les masques faciaux, Tsang attire l'attention sur la transformation de la façon dont les gens interagissent pendant le COVID-19. Voir des personnages s'embrasser tout en portant un masque facial est choquant, car la société a été conditionnée au cours de l'année à garder une distance physique. Pourtant, en même temps, le geste est touchant. C'est un rappel que même avec le besoin de séparation, nous pouvons toujours profiter de moments de proximité.

L'impact émotionnel de la sculpture n'est pas inhabituel si l'on considère l'ensemble de l'œuvre de Tsang. Cette sculpture particulière, créée dans une fine couche de porcelaine, suscite de nombreux sentiments différents. Délicat mais dynamique, il envoie un message puissant sur l'état du monde aujourd'hui.

«Au début du mois de mai, cette idée est venue de nulle part dans mon esprit pendant ma méditation. Des idées me sont venues comme ça très souvent. Beaucoup de mes pièces ont été créées avec des idées surgies pendant la méditation », raconte Tsang à My Modern Met. «J'ai le fort sentiment que ces idées créatives ne viennent pas de moi. Mais je crois qu'il doit y avoir une bonne raison pour que cela m'est venu. Peut-être simplement parce que j'ai la capacité de réaliser ces merveilleuses idées et de les montrer aux bonnes personnes. Pour cette raison, je ne veux pas l'interpréter moi-même. Je pense que quiconque voit mes œuvres a le droit de les interpréter à sa manière, selon ses propres sentiments.

Regardez de plus près la sculpture en porcelaine incroyablement émouvante – et opportune – de Johnson Tsang.

Détail de la sculpture de masque facial en céramique par Johnson TsangJohnson Tsang: Site Web | Facebook | Instagram | Behance

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Johnson Tsang.

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Des autoportraits frappants utilisent des fleurs et des papillons pour explorer la croissance personnelle et la santé mentale

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Fares photographie 'Le pouvoir du devenir'

«Le pouvoir de devenir»

En observant le travail du photographe Fares Micue, il est facile de se laisser envoûter par les aspects organiques mais surnaturels infusés dans chaque pièce. Pour le photographe conceptuel autodidacte basé en Espagne, la photographie était un passe-temps modeste; mais il est rapidement devenu une exposition passionnée d'œuvres d'art vibrantes et douces qui plient la réalité. Micue utilise son corps – ainsi que différents objets botaniques – comme une toile externe pour représenter son pittoresque paysage intérieur d'émotions.

«Cela commence toujours par une idée dans ma tête et le sentiment que je veux représenter», explique Micue. «La plupart du temps, je crée un croquis de l'image que je veux créer avec autant de détails que je peux obtenir comme les couleurs, l'humeur, l'emplacement, les vêtements, les accessoires, etc. ainsi qu'une courte histoire sur l'image.»

Le travail de Micue est enraciné dans positivité, responsabilisation, et gentillesse, mais il n’échappe pas à l’importance des thèmes bruts et réels tels que isolement et insécurité. «Je suis fermement convaincu que la façon dont nous pensons et ressentons la vie est la façon dont nous percevrons la réalité», explique Micue. «Nous devons entraîner notre cerveau à toujours rechercher le bon côté et à trouver de l’espoir parmi la désolation.»

Fares photographie 'Souvenirs d'un jour de pluie'

"Souvenirs d'un jour de pluie"

Un autre thème répandu dans les œuvres de Micue est le concept de croissance—La croissance de soi et surmonter les obstacles. Son travail comprend des arrière-plans simplistes, des couleurs saturées et de nombreux objets pour rehausser son esthétique. Certains plans montrent Micue englouti dans des fleurs ou des plumes ou de l'origami. Les objets représentent une forme de prolifération, émergeant symboliquement de son esprit ou de son corps. Le visage de Micue reste caché dans la plupart de ses pièces, mais le positionnement de son corps communique une histoire et une humeur à la fois mythiques et viscéralement réelles. Et son utilisation des fleurs, de la lumière et des ombres de cette manière aérienne est une forme de poésie visuelle – elle associe également cela à de la poésie écrite dans la description de ses œuvres sur son Instagram.

D'autres autoportraits représentent le photographe enlacé ou entrant dans un fourré. Les images évoquent des émotions qui invitent les spectateurs à la suivre dans un voyage intérieur. C’est un effort pour mettre davantage en évidence la nécessité d’examiner et de prioriser sa santé mentale. Elle espère que son travail démontrera le pouvoir de la réflexion et de l'estime de soi en utilisant ces détails de narration.

L'œuvre de Micue reste imprégnée d'une sorte de fantaisie mature qui invite le spectateur à se confronter et à embrasser la croissance sous toutes ses formes métaphoriques. «Mon travail est plein de symbolisme», confirme le photographe, «chaque élément de mes compositions a un but, des couleurs aux accessoires en passant par le langage corporel, et la combinaison de tous ces éléments crée l'image conceptuelle finale. Je veux que mon travail soit considéré comme une histoire entière condensée dans un seul cadre. »

Le photographe Fares Micue crée des autoportraits fascinants aux couleurs vives et pleins de symbolisme.

Autoportrait par Fares Micue

Défensif II

Micue utilise des objets tels que des plumes, des ballons et de l'origami pour décrire ses états émotionnels.

Autoportrait par Fares Micue

«Envole-moi»

Fares Micue est un photographe autodidacte qui s'engage dans des œuvres qui encouragent la positivité et les soins personnels.

Autoportrait par Fares Micue

«Nostalgie positive»

Autoportrait puissant par Fares Micue

Alseide

Autoportrait par Fares Micue

«Belle coquille»

Fares photographie 'Prison imaginaire'

«Prison imaginaire»

Fares photographie 'Open to love'

"Ouvert à l'amour"

Fares photographie 'Inside you'

"À l'intérieur de toi"

Fares photographie 'Si vous m'apportez la lune'

«Si tu m'apportes la lune»

Autoportrait par Fares Micue

"Les rêves sont faits d'or"

Autoportrait par Fares Micue

"L'espoir est dans l'air"

Autoportrait par Fares Micue

«La beauté dans le noir»

Fares photographie une leçon sur l'amour de soi

"Une leçon sur l'amour de soi"

Autoportrait par Fares Micue

Défensif III

Autoportrait par Fares Micue

"Cache-cache"

Fares Micue: Instagram | Saatchi

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Fares Micue.

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Cette femme participe quotidiennement au «défi du Getty Museum» pour recréer des peintures historiques pendant un an

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Défi du musée Getty

«Alionushka» de Viktor Vasnetsov

Plus tôt cette année, le défi du Getty Museum a pris d'assaut le monde. Les gens ont fouillé leurs maisons à la recherche de matériaux pour recréer certaines des peintures les plus connues de l’histoire de l’art. Liza Yukhnyova est une personne qui a décidé de participer et elle est tombée amoureuse de cette façon unique d'honorer l'art tout en ayant la chance d'exprimer sa créativité. Elle est devenue tellement passionnée par le projet qu'elle a décidé de prolonger le défi pour une année entière. Chaque jour, Yukhnyova partage une peinture historique et son interprétation sur son compte Instagram qu’elle appelle «le musée de Liza de chez elle».

L’enthousiasme de Yukhnyova découle d’un diplôme en histoire de l’art, et cette passion est ce qui la fait avancer. «Au début, j'ai décidé de le faire quotidiennement pendant 30 jours (je voulais vérifier ma discipline et les possibilités)», raconte-t-elle à My Modern Met, «mais à la fin de cette période, je n'ai pas pu m'arrêter. Je continue toujours et maintenant j'en suis au 144e jour. » Yukhnyova fait tout seule (sans utiliser Photoshop), du maquillage aux costumes en passant par l'éclairage (en utilisant sa lampe de table) et la prise de photos finales avec son téléphone. «J'utilise des choses très simples qui m'entourent à la maison», explique-t-elle. «Je dois donc être créative.»

La tâche de reproduire une œuvre d'art chaque jour peut être intimidante, alors Yukhnyova reste organisée en recréant des peintures de différentes zones géographiques et de différents genres. «J'ai fait une galerie du Moyen-Orient, une ancienne galerie, des affiches de la Croix-Rouge et d'autres», explique-t-elle. «L'un de mes objectifs est d'éclairer les gens lorsqu'ils comparent mes photos avec des peintures. Je veux mettre en valeur de superbes peintures de différentes traditions culturelles et montrer aux gens qu'ils sont beaucoup plus proches d'eux qu'il n'y paraît. Mes répliques encouragent tout le monde à regarder les peintures en détail, je pense que c'est important.

Liza Yukhnyova participe au Getty Museum Challenge pendant une année entière.

Défi du musée Getty

"Son cadeau d'anniversaire" par John William Godward

Défi du musée Getty

«Portrait d'une jeune femme espagnole» d'Anton Ebert

Chaque jour, elle recrée une œuvre d'art en utilisant des objets autour de sa maison.

Défi du musée Getty

«The Fortune Teller» de Frédéric Bazille

Défi du musée Getty

«Cueillir des roses dès que possible» par John William Waterhouse

Défi du musée Getty

«La Belle Ferronnière» de Léonard de Vinci

Défi du musée Getty

«Repos» par Ilya Yefimovich Repin

Défi du musée Getty

«Portrait de NF Matveeva» par Vasily Ivanovich

Défi du musée Getty

«Pauvre Lisa» par Orest Kiprensky

Défi du musée Getty

«Portrait de dame à l'éventail» de Paul Cesar Helleu

Défi du musée Getty

«La chemise rose» par Tamara de Lempicka

Défi du musée Getty

«Cassandra» de Frederick Sandys

Défi du musée Getty

«La grande-duchesse Sofia au couvent de Novodievitchi» par Ilya Efimovich Repin

Défi du musée Getty

«Lady Agnew of Lochnaw» de John Singer Sargent

Liza Yukhnyova: Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Liza Yukhnyova.

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Célébrez le 40e anniversaire de «L’Empire contre-attaque» avec cet ensemble LEGO de 1267 pièces

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AT AT Star Wars Ensemble LEGO

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Cela fait 40 ans que l'emblématique de George Lucas L'empire contre-attaque d'abord atterri sur le grand écran. Cette suite de l'original Guerres des étoiles est le cinquième film (chronologiquement) de la série; et pour célébrer cet anniversaire, LEGO a sorti un ensemble commémoratif spécial. Tout fan du film reconnaîtra instantanément l'Imperial AT-AT Walker de la bataille de Hoth, et maintenant vous pouvez construire le vôtre avec des briques jouets.

L'ensemble LEGO de 1 267 pièces comprend six figurines: Luke Skywalker, le général Veers, deux pilotes AT-AT et deux Snowtroopers. Différentes parties du véhicule de transport blindé tout-terrain s'ouvrent et il y a même des fusils à ressort. Les fans du film apprécieront les détails comme le treuil pour remonter Luke Skywalker, qui est livré avec un détonateur thermique.

Le kit AT-AT LEGO est destiné aux enfants de 10 ans et plus et, bien sûr, aux adultes fans de L'empire contre-attaque. L'ensemble n'est que le dernier d'une longue gamme d'équipements LEGO destinés à Guerres des étoiles Ventilateurs. Cela comprend tout, du Millennium Falcon et Imperial Star Destroyer à une figurine en brique du sage Jedi Master vert sage préféré de tous, Yoda. L'ensemble AT-AT se vend 159,99 $ et est maintenant en vente via Amazon et le LEGO Store.

Pour célébrer le 40e anniversaire de L'empire contre-attaque, LEGO a sorti un kit Imperial AT-AT Walker.

Ensemble LEGO Star Wars Walker

L'ensemble comprend six minifigs Star Wars, dont Luke Skywalker.

Minifigs Star Wars

L'ensemble de 1267 pièces comprend des pièces qui s'ouvrent, ainsi qu'un treuil pour tirer Luke Skywalker.

L'Empire contre-attaque LEGO SetL'Empire contre-attaque LEGO SetAT AT Star Wars Ensemble LEGO

h / t: (soie dentaire)

Toutes les images via LEGO.

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Laissez votre dessin parler pour vous en apprenant à dessiner des lèvres étape par étape

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Comment dessiner des lèvres

Photo: Photos de Valentina Razumova / Shutterstock
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Si vous êtes en quête d'apprendre comment dessiner le visage humain, il est important que vous sachiez comment esquisser chaque entité séparément. Cela vous permettra de vous attaquer facilement à chaque partie du visage et de vous assurer que chaque caractéristique reçoit l'attention qu'elle mérite.

Quand il s'agit de dessiner un portrait, les lèvres peuvent être une réflexion après coup. Mais soyons réalistes: ils font bien plus que nous aider à parler et à chanter. Les lèvres sont aussi un moyen de s'exprimer sans avoir à dire de mots. Pensez à plisser vos lèvres ou à bouger votre bouche pour former une grimace. Ces expressions en disent long! Donc, si vous voulez transmettre de l'émotion dans votre art, il est important que vous appreniez comment dessiner les lèvres.

Les lèvres peuvent sembler faciles à dessiner – et en ce qui concerne les autres traits du visage, elles sont plus simples – mais comme elles sont plus faciles, vous voudrez vous concentrer sur la correction exacte de chaque élément et prendre suffisamment de temps pour observer lèvres supérieures et inférieures.

Ce didacticiel de dessin étape par étape vous montrera comment dessiner des lèvres au crayon à partir de plusieurs points de vue: droit, trois quarts et profil (côté).

Lèvres à trois quarts

Photo: Photos de marinafrost / Shutterstock

Points généraux à noter à propos de la bouche

  • le la lèvre supérieure sera toujours un peu plus mince que la lèvre inférieure.
  • le lèvre inférieure a souvent un point culminant car il est visuellement devant la lèvre supérieure. Cela signifie qu'il peut être légèrement plus sombre.
  • le ouverture de la bouche ne sera pas une ligne droite. Regardez comment il se courbe au centre, en particulier lorsque vous le regardez de trois quarts ou de côté.

Avant de commencer votre didacticiel, assurez-vous d'avoir vos fournitures artistiques essentielles à portée de main. Vous voudrez avoir au moins deux crayons de différents tons de graphite, une gomme en vinyle et un carnet de croquis.

Étape 1: Dessinez l'ouverture de la bouche et la forme générale des lèvres supérieures et inférieures.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

La première étape de tout dessin consiste à commencer par les formes les plus élémentaires, quel que soit le point de vue que vous essayez de capturer.

À ce stade, il est plus important de faire beaucoup de légères marques et pour placer les choses dans la bonne zone. Ne vous préoccupez pas (encore) des petits détails; regardez plutôt la forme générale des lèvres et de l'ouverture de la bouche. Pour ce faire, étudiez vraiment votre dessin source. Dans quelle direction est la ligne de la bouche? Est-ce droit ou courbe-t-il? Et si oui, combien? Une fois que vous avez cela, remarquez à quel point les lèvres supérieures et inférieures sont épaisses (ou minces), puis créez des formes ovales au niveau de la ligne.

Étape 2: Affinez vos dessins initiaux.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Une fois que vous avez déterminé la forme générale des lèvres, commencez à affiner ce que vous avez dessiné initialement. Considérez-vous comme un sculpteur qui cisèle une forme en bloc pour exprimer les nuances des lèvres.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Il y aura des parties plus rebondies que d'autres, tandis que d'autres zones seront plus minces. Avec votre œil, tracez la ligne des lèvres – en veillant à faire attention à l'ouverture de la bouche – et reproduisez ce que vous voyez sur du papier.

Étape 3: Bloquez les ombres.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Avec la forme de vos lèvres affinée, il est temps de commencer à penser aux ombres. Étant donné qu'il est plus difficile d'effacer les zones d'ombrage au crayon que de légères lignes de crayon, observez où tombent les ombres et leur forme générale. Marquez-le sur votre dessin. Vous pourriez voir un surlignage – probablement au centre de la lèvre inférieure – alors marquez-le également sur votre papier.

Étape 4: Ajoutez de l'ombrage.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Maintenant que l'ombrage est planifié, il est temps de commencer à l'ajouter à votre dessin. Lorsque vous appliquez des valeurs de niveaux de gris aux lèvres, utilisez la technique de dessin du méthode de va-et-vient pour superposer le graphite.

Comment dessiner des lèvres

Photo et art: Sara Barnes / My Modern Met

Comme pour tous les dessins, vous voudrez commencer par les tons plus clairs et construire vers les tons plus foncés. Une fois qu'une zone a atteint son ton correct, continuez à ombrer les lèvres en se déplaçant sur les zones qui sont dans l'ombre plus profonde.

Pour donner la rondeur de certaines lèvres, essayez de créer coups de crayon courbes pendant que vous ombragez. Cela donnera à l'esquisse une sensation supplémentaire de tridimensionnalité.

Maintenant que vous savez dessiner les lèvres, continuez vos cours de dessin de visage en consultant nos guides pour dessiner le nez et les yeux.

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Vans et le MoMA unissent leurs forces pour une collection artistique de chaussures et de vêtements

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Chaussures Vans MoMA Collaboration

Vans a eu un grand succès avec ses collaborations artistiques, que ce soit en s'associant au musée Van Gogh ou en créant une collection capsule de chaussures Frida Kahlo. Maintenant, ils poursuivent cette collaboration en s'associant au MoMA de New York pour la série en deux parties Vans X MoMA. À partir de la fin septembre, des chaussures et des vêtements en édition spéciale inspirés de grands artistes modernes seront mis à la disposition du public.

Les artistes présentés – parmi lesquels Salvador Dalí, Vasily Kandinsky, Claude Monet, Edvard Munch, Jackson Pollock, Lybov Popova et Faith Ringgold – reflètent la diversité de la collection du MoMA. En outre, la collection comprend également une interprétation colorée du damier classique de Vans afin de s'aligner sur l'identité de marque du MoMA. Et il existe une collection pour enfants axée sur l'interaction qui permettra aux enfants de personnaliser leurs chaussures.

Le premier lancement présente l'art de Dalí, Kandinsky et Monet éclaboussé sur des chaussures, des t-shirts, des chapeaux et des sacs à dos. Les amateurs d'art trouveront le travail de l'artiste parfaitement encadré sur les silhouettes ComfyCush Old Skool et Era de Vans.

Véhicules utilitaires MoMA

L'emblématique de Dalí La persistance de la mémoire 1931 ornera les côtés de la Vans Old Skool Twist. Conformément à la perception déformée de la réalité par l'artiste, les chaussures présentent une bande de rousseur déformée. Un t-shirt à manches longues et un sweat-shirt complètent l'expérience Dalí.

Résumé de Kandinsky Orange 1923 est présenté sur les chaussures Classic Slip-On de Vans. L'impression, réalisée alors qu'il enseignait à l'école du Bauhaus, fait une forte impression. Son utilisation de la forme et de la couleur fonctionne incroyablement bien sur les chaussures, ainsi que sur le t-shirt à manches courtes, le col rond et le chapeau snapback qui forment sa collection.

Enfin, Vans plonge dans l'impressionnisme avec une œuvre du magistral Monet. Une peinture de sa bien-aimée Nénuphars est la fin parfaite de cette première version. Les couleurs douces de la nature imprègnent les chaussures et les vêtements, qui incluent Vans Authentic avec un style chapeau, polaire et sac à dos.

Ces offres initiales seront disponibles le 30 septembre 2020 en ligne, dans les magasins Vans, les magasins MoMA Design Store, la boutique en ligne du MoMA et certains détaillants Vans. La deuxième vague d'articles est prévue pour une version de novembre et vous pouvez vous inscrire pour être informé du moment où la collection tombera.

Vans s'est associé au MoMA pour une collection spéciale de chaussures et de vêtements.

Véhicules utilitaires MoMA

La collection initiale tombe le 30 septembre et comprend l'art de Monet, Kandinsky et Dalí.

Chaussures de l'artiste célèbre VansChaussures et vêtements Monet VansChaussures et vêtements Kandinsky VansChaussures et vêtements Salvador Dali VansVans: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (Juxtapoz)

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Plus de 30 fois cette drôle de Shiba Inu a ruiné de façon hilarante ses photos de famille en groupe

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Photos drôles de Shiba Inu Ruins Group

Nous avons tous cet ami qui parvient toujours à ruiner les photos de groupe. Qu'ils fassent une drôle de tête ou clignotent au mauvais moment, capturer chaque individu sous un jour flatteur peut être un véritable défi. Mais la lutte ne s'arrête pas aux humains – les animaux peuvent aussi être imphotogènes. Prenons par exemple cette famille de Shiba Inus basée à Hong Kong. Lorsque Kikko, Sasha et Momo posent parfaitement pour leur propriétaire Yoko, Hina – le chiot blanc – ne peut s'empêcher d'agir de manière idiote.

Shiba Inus est connue pour sa volonté, mais Hina semble porter son individualité au niveau supérieur. Alors que ses frères et sœurs posent docilement selon les demandes de Yoko, Hina – qui est la plus jeune de la meute – fait son truc. De faire face à la mauvaise façon à tirer la langue, ce chiot effronté n'a clairement pas le temps de prendre des photos de groupe parfaites.

Avec plus de 87000 abonnés Instagram, Kikko, Sasha, Momo et Hina ont un public dévoué en ligne, ce qui n'est pas surprenant. Il suffit de faire défiler les archives de photos de Yoko pour vous apporter un immense sourire. Hina vous rappelle d'être vous-même et de vous amuser!

Découvrez cet adorable groupe de Shiba Inus ci-dessous et amusez-vous devant les poses idiotes de Hina. Si vous ne pouvez pas en avoir assez de ces adorables chiens, vous pouvez suivre Yoko sur Instagram pour plus de manigances de Hina.

Rencontrez Kikko, Sasha, Momo et Hina; une famille adorable de Shiba Inus.

Photos drôles de Shiba Inu Ruins Group

Alors que ses frères et sœurs posent parfaitement, Hina (le chiot blanc) ne peut s'empêcher d'agir de manière idiote.

Photos drôles de Shiba Inu Ruins Group

Elle ruine toujours leurs photos de famille de la manière la plus adorable.

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Et si vous pensiez que les choses ne pourraient pas être plus mignonnes, voici Hina en chiot!

Photos drôles de Shiba Inu Ruins GroupYoko: Instagram
h / t: (Panda ennuyé)

Toutes les images via Yoko.

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La séance photo de mariage obtient un photobomb de conte de fées par un beau papillon monarque

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Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda Marie

Les papillons n'interagissent pas souvent avec les gens, mais un insecte en particulier s'est récemment rapproché d'un couple nommé Brooke et Drew lors de leur séance photo de mariage. La photographe Laurenda Marie et les jeunes mariés se sont rendus au Grand Ravines Park à Jenison, Michigan pour les portraits des mariés, mais il ne fallut pas longtemps avant que l'invité improbable les rejoigne.

"Le monarque est arrivé à peu près au même moment que nous, prenant d'abord goût au marié, atterrissant sur sa jambe de pantalon, son bras, sa main et plongeant dans son visage à un moment donné lors de photos avec ses garçons d'honneur", raconte Marie à My Modern Met . «Pendant environ une heure, le papillon atterrissait, volait gracieusement en cercles autour du couple avant d'atterrir à nouveau, généralement sur un bras ou une main.»

Marie a préparé son appareil photo et a demandé à Brooke et Drew de poser. Elle a attendu patiemment que le monarque déploie ses ailes, désireux de capturer sa beauté en détail. Les photos résultantes montrent le joli insecte interagissant de manière ludique avec les mariés et se perchant joyeusement sur leurs mains. «Le papillon était loin d'être timide, ce qui m'a permis de m'approcher à plusieurs reprises», se souvient Marie. "Jamais effrayé, et apparemment profiter de son temps avec mon couple."

C'était la troisième fois que Marie travaillait avec Brooke et Drew, alors qu'elle photographiait auparavant leur proposition et leur séance d'engagement. Le couple avait initialement prévu une célébration élaborée pour leur mariage, mais – en raison du COVID-19 – ils ont dû couper leur liste d'invités en une petite affaire intime de la famille immédiate et de quelques amis. Qu'il ait reçu une invitation ou non, le papillon est quand même apparu et était assez catégorique pour obtenir les photos du couple. Cependant, le joli photobomber pourrait être plus qu'une simple rencontre aléatoire. «Brooke a mentionné que ce devait être sa défunte grand-mère, qui est décédée juste avant leurs fiançailles et avait un amour pour les monarques», dit Marie. «Que l'on y croit ou non, on ne peut nier que cette petite créature a pris un goût unique pour les jeunes mariés.

Regardez les photos fantaisistes ci-dessous et voyez plus du portfolio de Marie sur son site Web. Ce n'est pas la première fois qu'une créature interrompt l'une des prises de vue du photographe. Lors du moment romantique d'un autre couple, un cerf a fait son apparition!

Lorsque la photographe Laurenda Marie photographiait les jeunes mariés Brooke et Drew, ils ont été rejoints par un papillon monarque.

Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda Marie

L'insecte ailé est resté environ une heure et a interagi de manière ludique avec le couple.

Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda Marie

Marie a capturé tout le moment du conte de fées devant la caméra.

Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda Marie

Brooke pense que ce doit être sa défunte grand-mère, qui est décédée juste avant leurs fiançailles et avait un amour pour les monarques.

Photoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MariePhotoshoot de mariage papillon monarque par Laurenda MarieLaurenda Marie Photography: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Pinterest

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Laurenda Marie Photography.

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Maman tenant une pancarte avec des conseils

Les mamans sont pleines de bons conseils – certains dont nous nous souvenons, tandis que d'autres bribes que nous souhaiterions faire. Si vous pouviez utiliser plus de sagesse de maman dans votre vie, le compte Instagram @motherwithsign est un incontournable. Lancé par Pranav Sapra et sa mère Poonam Sapra, il présente les sages paroles de Poonam écrites sur des panneaux qu'elle tient pour la caméra. «Il est normal d’être confus parfois», lit-on. «Nous essayons tous de comprendre la vie.» Associés à son visage souriant, les messages offrent des encouragements pour tout ce que vous pourriez traverser.

Poonam avait aidé les gens dans sa vie bien avant les médias sociaux. «Maman dit généralement: 'faisons les choses une étape à la fois – nous traverserons le pont quand nous y arriverons' assez souvent, et cela a toujours beaucoup calmé les gens autour d'elle (surtout quand ils sont anxieux et pensent à tout ensemble ) », Raconte Pranav à My Modern Met. Inspiré par le compte @dudewithsign, il souhaitait partager un contenu plus significatif, "comme les conseils d'un parent que nous ignorons tout le temps, pour se rendre compte plus tard qu'ils avaient raison depuis le début." Pranav pensait à juste titre que les jeunes seraient plus disposés à écouter les parents si c'était sur une plateforme où ils passent beaucoup de temps en ligne. Le compte @motherwithsign est né et compte désormais plus de 125 000 abonnés.

Mais au-delà de la renommée d'Internet, ce projet a donné à Pranav la précieuse opportunité de passer plus de temps avec sa maman. «C'est une bénédiction déguisée et tout le monde m'en remercie», dit-il. «Au contraire, je devrais remercier tout le monde pour son soutien et son accueil. Les gens écoutent, j'aimerais juste qu'ils écoutent davantage leurs parents et qu'ils discutent pour régler les problèmes avec eux (bien sûr, cela exige que leurs parents écoutent aussi – cela doit être un dialogue). J'ai la chance d'avoir de tels parents.

Avez-vous besoin de la sagesse de maman? Pranav Sapra et sa mère Poonam Sapra ont créé le compte Instagram @motherwithsign qui partage des conseils utiles.

Maman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMère avec un signeMère avec un signeMère avec un signeMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMaman tenant une pancarte avec des conseilsMère avec un signePoonam Sapra: Instagram
Pranav Sapra: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Pranav Sapra.

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Lampes Cloud flottantes aux couleurs changeantes qui se synchronisent avec votre musique

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Lampe nuage interactive Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

Illuminez votre maison avec ce Cloud interactif lampe: un nuage cumulatif moelleux avec des lumières LED cachées qui se synchronisent avec votre musique. Conçu par Richard Clarkson Studio, Cloud interactif vient dans une gamme de tailles et de fonctions. Suspendez-le au plafond ou regroupez plusieurs nuages ​​pour recréer le ciel à l'intérieur. Partout où il est affiché, Cloud interactif unit la lumière et le son pour un effet époustouflant.

Le studio écrit: «Il y a quelque chose de magique dans les nuages, la façon dont ils flottent et glissent dans le ciel, leur transformation radicale de vaporeux et éthéré en dramatique et puissant.» Chaque Cloud interactif La lampe incarne cette philosophie éphémère dans sa lumière en constante évolution. Pour ceux qui préfèrent un look naturel, la lumière blanche du mode ambiant de la lampe illumine le nuage comme une pleine lune la nuit. Lorsque vous écoutez de la musique, les lumières LED se synchronisent avec chaque chanson pour un spectacle de lumière privé coloré.

Chaque lampe est disponible en quatre tailles: minuscule, petite, moyenne et grande. La taille moyenne du cloud est également disponible en tant que haut-parleur – tout ce dont vous avez besoin pour un concert à domicile est dans le cloud. La meilleure partie est que le Cloud interactif la lampe n'est qu'un élément de la Nuage collection par Richard Clarkson Studios. Les autres designs sont tout aussi spectaculaires. le Abat-jour Nuage vient dans une variété de tailles pour les luminaires suspendus et debout. le Nuage flottant est une lampe de table à LED qui flotte par lévitation magnétique. Inspiré des sculptures parfaitement calibrées d'Alexander Calder, le Cloud Mobile est décrit comme «objet d'art et lampe fonctionnelle à parts égales».

Bien que cette collection tombe à l'extrémité la plus chère de l'éclairage contemporain (les prix commencent à 480 $), chacun Nuage La lampe porte la décoration intérieure à de nouveaux sommets. Visitez le site Web de Richard Clarkson Studio pour découvrir l'intégralité du Nuage collection et pour en savoir plus sur chacun des modèles.

Richard Clarkson Studio conçoit un éclairage de nuage cumulatif moelleux qui se présente sous différentes formes, tailles et fonctions.

Lampe Nuage Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

le Cloud interactif lampe est une lampe LED qui se synchronise avec votre musique avec un affichage lumineux coloré.

Lampe Nuage RVB Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

le Nuage La collection de lumières, d'abat-jour et de mobiles est fantaisiste, enchanteur et éphémère, tout comme de vrais nuages.

Cloud Shade Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

Lampe Mobile Cloud par Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

Studio de petit nuage Richard Clarkson

Photo: Studio Richard Clarkson

Cloud Shade Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

le Nuage flottant lampe utilise la lévitation magnétique pour planer comme par magie au-dessus d'une plate-forme.

Lampe Nuage Flottant Richard Clarkson Studio

Photo: Studio Richard Clarkson

Parfait pour votre maison, le Nuage la collection peut également être vue dans les lieux publics. Ces pièces servent à la fois d'éclairage et d'art.

L'aéroport d'Oakland Clouds

Richard Clarkson Studio nuages ​​dans l'aéroport d'Oakland. (Photo: Studio Richard Clarkson)

Richard Clarkson Studio: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Richard Clarkson Studio.

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14 des ensembles Lego les plus cool pour enfants et adultes

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Ensemble LEGO Fiat 500

LEGO | 89,99 $
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La brique LEGO emblématique, brevetée en 1958, divertit et inspire les gens depuis des décennies. Des générations d'enfants ont perfectionné leur motricité fine et ont développé leur imagination avec ces blocs polyvalents. Pour les fans adultes, LEGO s'est développé dans des constructions difficiles et des modèles à collectionner. Les artistes contemporains utilisent même de minuscules briques en plastique pour créer d'immenses sculptures LEGO. Que vous choisissiez un ensemble ou que vous créiez du freestyle, la brique LEGO est un symbole de créativité et d'imagination.

Pour célébrer l'inspiration sans fin de LEGO, nous avons rassemblé une sélection des ensembles LEGO les plus attrayants pour tous les âges. Qu'il soit offert en cadeau ou acheté comme divertissement pendant la quarantaine, on peut parcourir le site Web de LEGO pour obtenir des informations sur tous les ensembles, y compris les âges recommandés et les avertissements concernant les petites pièces. À vos marques, prêts, créez!

Ensembles LEGO pour les plus jeunes constructeurs

Ensemble LEGO de grue à tour et de construction

LEGO | 129,99 $

le Grue à tour et construction L'ensemble pour les 2 ans et plus est inclus dans la collection LEGO DUPLO pour les jeunes constructeurs. Les plus gros blocs aident à développer la motricité fine, tandis que les personnages offrent de nombreuses opportunités pour raconter des histoires imaginatives. Les parents féministes seront ravis d'apprendre qu'il y a des ouvriers du bâtiment, hommes et femmes, représentés dans le décor, opérant et conduisant la grue fonctionnelle.

Ensembles LEGO pour enfants

Bricks Bricks Bricks Ensemble LEGO

LEGO | 59,99 $

le Briques Briques Briques L'ensemble est le booster de créativité ultime pour les enfants de «4 à 99 ans». Les 1500 pièces LEGO aux nuances brillantes sur tout le spectre de couleurs offrent des possibilités de construction presque infinies. Durables et réutilisables, ces LEGO sont un élément classique de tout coffre à jouets.

Ensemble LEGO de mission de service satellite

LEGO | 9,99 $

Vous cherchez un cadeau incroyablement abordable qui vous fait ressembler à la tante ou à l'oncle cool? Ce Mission de service satellite L'ensemble coûte moins de 10 $, mais il encourage également un intérêt pour la science et l'exploration spatiale. Pour les 5 ans et plus, les enfants peuvent utiliser Instructions PLUS avec cet ensemble de vaisseaux spatiaux. Instructions PLUS est un guide de construction 3D interactif numérique qui comprend un mode de vue fantôme (qui montre combien de modèle vous avez construit à un moment donné). Une fois construite, la figurine de l'astronaute peut vivre des aventures galactiques.

Ensemble LEGO de yacht de plongée

LEGO | 19,99 $

Alors que les vacances tropicales peuvent être suspendues pour le moment, le Yacht de plongée L'ensemble apporte l'aventure nautique à un prix raisonnable. Pour les enfants de cinq ans et plus, le yacht est complet avec un projecteur, une terrasse ensoleillée et un espace de couchage. Il y a aussi un coffre au trésor que les jeunes explorateurs peuvent trouver au fond de l'océan.

Ensemble LEGO du château mystérieux

LEGO | 99,99 $

Les préadolescents adoreront le Château mystérieux défini pour sa narration numérique effrayante. Après avoir construit avec les 1035 pièces, l'application LEGO Hidden Side AR les envoie dans une quête interactive de chasse aux fantômes. Le château s'agrandit pour inclure une cour où les figurines effrayantes peuvent jouer. Les adultes qui se souviennent des dessins animés classiques de Scooby Doo apprécieront également les vibrations surnaturelles mystiques de ce château hanté.

Ensembles LEGO pour adultes

Ensemble LEGO de fossiles de dinosaures

LEGO | 59,99 $

Les constructeurs plus matures peuvent canaliser leur paléontologue intérieur avec le Fossiles de dinosaures Ensemble LEGO. Ce ne sont pas vos pièces LEGO ordinaires, le livret d'instructions enseigne aux constructeurs la construction LEGO ainsi que les vrais fossiles. Le plus grand des trois fossiles, le Tyrannosaurus rex mesure 7 "x 15" – les trois pièces sont parfaites pour votre propre exposition digne d'un musée.

Ensemble LEGO Casque Stormtrooper

LEGO | 59,99 $

Guerres des étoiles les fans peuvent s'en réjouir Casque LEGO Star Wars Stormtrooper ensemble. Un casque Stormtrooper réaliste et méticuleusement construit est présenté avec toute l'élégance d'un buste romain. Les fans de l'Empire peuvent honorer leurs héros comme l'ont fait les Romains, en affichant leur ressemblance. Comparé à d'autres ensembles LEGO Star Wars, l'ensemble casque Stormtrooper est un point d'entrée abordable. Découvrez un ensemble Millennium Falcon abordable et sa version de luxe (l'ensemble LEGO le plus cher actuellement sur le site Web).

Ensemble LEGO Porsche 1974

LEGO | 14,99 $

le Porsche 911 Turbo 3.0 de 1974 L'ensemble est recommandé pour les 7 ans et plus, mais les adultes apprécieront peut-être le plus le réalisme du modèle. LEGO vante le «becquet arrière emblématique de la« queue de baleine ».» Un pack d'extension acheté séparément permet aux utilisateurs de «conduire» numériquement cette voiture de rêve.

Ensemble de la librairie LEGO

LEGO | 179,99 $

Les rat de bibliothèque et les hipsters se délecteront du Librairie LEGO Creator Expert ensemble. 2 504 pièces créent deux maisons de ville, dont l'une contient une charmante librairie. À l'intérieur des bâtiments, vous trouverez une cheminée, des chambres et même un caméléon. LEGO propose de nombreux ensembles de construction modulaires pour agrandir votre petite ville.

Ensemble LEGO de la grande salle de Poudlard

LEGO | 99,99 $

LEGO propose de nombreux ensembles pour les fans de Harry Potter. Si vous n'êtes pas tout à fait prêt à débourser 399,99 $ pour l'ensemble complet du château de Poudlard, le Grande salle de Poudlard est la réponse la plus abordable. De superbes poutres voûtées, un escalier mobile et le Miroir d'Érisé donnent aux constructeurs l'impression d'être entrés dans le monde des sorciers. Pour les 9 ans et plus, c'est un ensemble pour toutes les générations.

Ensemble LEGO Fiat 500

LEGO | 89,99 $

Si vous avez déjà rêvé de voyager en Italie dans une Fiat vintage, ce Fiat 500 set est la prochaine meilleure chose. Avec une trappe arrière mobile, un toit ouvrant et un capot avant, cet ensemble est comme une véritable pièce d'affichage à collectionner. Un mini chevalet et une peinture inspirent davantage les constructeurs à voyager et à vivre pleinement la vie.

Ensemble LEGO Friends Central Perk

LEGO | 59,99 $

Pour le 25e anniversaire de l'émission télévisée bien-aimée, LEGO a publié un copainsensemble LEGO sur le thème. Cet ensemble Central Perk comprend le lieu de rencontre emblématique de Ross, Rachel, Chandler, Monica, Joey, Phoebe. L'ensemble comprend des figurines des six personnages principaux, ainsi que le manager de Central Perk Gunther. Chaque personnage est également livré avec un accessoire spécifique (y compris la guitare de Phoebe pour qu'elle puisse jouer "Smelly Cat" à sa guise).

Ensemble LEGO Aston Martin James Bond

LEGO | 149,99 $

Les créations de voitures LEGO offrent quelque chose pour tout le monde. Le jaune soleil de la Fiat 500 contraste fortement avec l'élégant argent James Bond Aston Martin DB5. Une superbe réplique de 1295 pièces de la voiture de James Bond dans le film Le doigt d'or, la voiture comprend des caractéristiques mécaniques spéciales. Un siège éjectable, des faux de pneus montés sur les roues, des plaques d'immatriculation tournantes sont adaptés aux missions de 007.

Ensemble LEGO Taj Mahal

LEGO | 369,99 $

Les créateurs à la recherche d'un défi extrême peuvent aspirer à compléter l'ensemble LEGO Creator Taj Mahal. LEGO écrit: «Avec plus de 5 900 pièces, c'est l'un des plus grands modèles LEGO jamais créés.» 20,5 pouces de largeur et 16,9 pouces de hauteur, la construction finie se décompose en pièces transportables (et facilement combinables). Loin des jouets pour enfants de l’imagination populaire, cet ensemble permet aux constructeurs de créer une œuvre d’art basée sur une merveille de l’architecture.

LEGO: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube

Toutes les images via LEGO.

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Le petit-fils de Jacques Cousteau construit le plus grand centre de recherche sous-marine du monde

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Laboratoire Proteus de Fabien Cousteau

Pour Fabien Cousteau, le petit-fils de Jacques-Yves Cousteau, l'eau est un art de vivre. En tant qu'aquanaute et défenseur des océans, Cousteau a consacré sa vie à suivre les traces de son grand-père et à percer les mystères de la vie sous-marine. Désormais, il se concentre sur un nouvel objectif: créer le plus grand laboratoire de recherche sous-marine au monde.

Nommé d'après un dieu mythologique de la mer, Proteus sera un habitat habitable de 4 000 pieds carrés pour les chercheurs océaniques. S'appuyant sur l'héritage des bases sous-marines dont Jacques Cousteau a été le pionnier dans les années 1960, Proteus fait un pas en avant. Équipé de laboratoires à la pointe de la technologie, il permettra aux chercheurs de traiter leurs échantillons en temps réel. L'habitat de recherche sous-marin, qui sera situé au large de Curaçao à 60 pieds sous l'eau, deviendra l'ISS de la mer.

«Proteus offrira non seulement un accès sans précédent à l'océan pour les aquanautes et les scientifiques à bord, mais aussi pour le monde», a déclaré Cousteau à My Modern Met. «Il y aura un laboratoire de production ultramoderne sur place qui permettra de diffuser des conférences en direct, d'établir des connexions via les médias sociaux et d'organiser des entretiens avec la presse. Avoir ce type d’accès à l’océan est nécessaire pour tout changement, car, comme le disait mon grand-père: «Les gens protègent ce qu’ils aiment, ils aiment ce qu’ils comprennent et ils comprennent ce qu’on leur enseigne. Sans que la connaissance de l'océan ne soit davantage exploitée et partagée, comment pouvons-nous commencer à créer un changement significatif? »

Fabien Cousteau en Verseau

Fabien Cousteau en Verseau (Photo: Christopher Marks)

Les conceptions récemment publiées pour Proteus, qui ont été créées par Yves Béhar de fuseproject sont bien loin des bases sous-marines d'antan. En fait, ils donnent à Aquarius Reef Base, la seule station de recherche sous-marine restante, un aspect minuscule. Cousteau a passé un mois à bord d'Aquarius en 2014, et bon nombre des défis auxquels il a été confronté sont abordés dans Proteus.

Cela comprend non seulement l'ajout de laboratoires sur place, mais une disposition qui maximise la qualité de vie tout en vivant sous l'eau. La base de recherche est structurée sur deux niveaux reliés par une rampe courbe. L'espace social central est entouré de modules qui abritent des quartiers d'habitation, des laboratoires, des installations médicales et des salles de bains. Les hublots et les puits de lumière aident à apporter autant de lumière naturelle que possible, tandis que les lumières à spectre complet garantiront que les scientifiques reçoivent le minimum d'exposition aux UV nécessaire chaque jour.

L'un des avantages passionnants de Proteus est qu'il permettra une étude approfondie de la vie en haute mer. «Vivre sous l'eau donne le don de temps et la perspective incroyable d'être un résident sur le récif. Vous n'êtes plus qu'un simple visiteur », déclare Sylvia Earle, légendaire biologiste marine, exploratrice et ambassadrice océanique du Fabien Cousteau Ocean Learning Center.

Laboratoire de recherche sous-marine Proteus

Avoir une base sous l'eau atténue certains des défis que la plongée sous-marine présente aux chercheurs. La nature de la plongée signifie que pas plus de deux à trois heures par jour peuvent être passées en toute sécurité dans des eaux plus profondes. C'est un contraste frappant avec les huit à 12 heures qui peuvent être passées dans l'eau en raison de la plongée à saturation. Cette technique pour réduire le mal de compression fonctionne sur le principe qu'après 24 heures, le corps humain a atteint son niveau de saturation en azote. À partir de là, il est possible de rester indéfiniment dans un habitat sous-marin sans effets néfastes.

Actuellement, Cousteau et son organisation à but non lucratif, le Fabien Cousteau Ocean Learning Centre, amassent les 135 millions de dollars nécessaires pour construire et faire fonctionner la base pendant les trois premières années. Grâce à ce projet, il espère sensibiliser à la nécessité de faire progresser la recherche océanique.

«Bien que Proteus puisse sembler une idée folle, tous ceux qui participent à la réalisation du projet sont passionnés, compétents et audacieux», explique Cousteau. «Vous devez être, être impliqué dans quelque chose comme ça. Le défi vient avec encore plus de gens passionnants à ce sujet et illustrant à quel point l'exploration sous-marine est tout aussi impressionnante que l'exploration spatiale. Et sinon aussi important, plus important. Alors que je suis un fervent partisan de l'exploration spatiale – et j'espère un jour explorer les eaux de Mars – pourquoi aller à des centaines de milliers de kilomètres de là, alors que vous pouvez plonger sous l'eau sur notre propre planète Terre?

Proteus, une idée originale du petit-fils de Jacques Cousteau, Fabien, sera le plus grand centre de recherche sous-marine au monde.

Conception du centre de recherche sous-marineLaboratoire Proteus de Fabien Cousteau

Fabien Cousteau Ocean Learning Center: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du Fabien Cousteau Ocean Learning Center.

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25 faits d '«histoire étrange» qui prouvent que le passé est fascinant et vraiment drôle

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Depuis 2011, Andrew Rader, ingénieur aérospatial et responsable de mission SpaceX, partage son amour pour les subtilités de l'histoire. Via le compte Twitter Histoire étrange, ce passionné d'histoire autoproclamé et passionné de jeux-questionnaires met en évidence certains des faits les plus intéressants et inattendus sur le passé.

Qu'il se concentre sur des artefacts intéressants comme la brosse à dents de Napoléon ou le cahier radioactif de Marie Curie ou des bouts sur l'histoire sociale, chaque tweet aide ses abonnés à en apprendre davantage sur le passé. Par exemple, vous êtes-vous déjà demandé pourquoi les vêtements de bébé utilisent la couleur pour désigner le sexe? Ou à quoi ressemblait le jeu Monopoly original? Ne vous demandez plus, Rader l'a couvert.

Plus de 154 000 personnes suivent Weird History pour s'immerger dans des faits plus étranges que la fiction. Amusant pour les amateurs d'histoire et tous ceux qui aiment apprendre un peu de nouvelles anecdotes, Weird History est une mine d'informations dont vous n'auriez jamais cru avoir besoin. Et c'est un excellent moyen d'encourager les esprits curieux à approfondir une partie de l'histoire que Rader partage.

Pour célébrer le monde merveilleux de Weird History, nous avons compilé 25 de ses meilleurs tweets, alors faites défiler et vous pouvez simplement apprendre un petit quelque chose de nouveau.

Weird History est un compte Twitter qui publie des faits étranges et intéressants sur le passé.

Depuis 2011, le compte compte plus de 154 000 abonnés.

Histoire étrange: Twitter

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Fontaine pour chat non électrique élégante conçue pour garder votre chat hydraté et en bonne santé

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Chats buvant à la fontaine pour chat non électrique KittySpring

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Tous les amoureux des chats veulent ce qu'il y a de mieux pour leur ami félin, et cela inclut de s'assurer qu'ils ont beaucoup d'eau propre à boire tout au long de la journée. Bien que cela semble simple, il est facile pour l'eau de stagner ou pour votre chat de boire toute l'eau ou de faire basculer son bol pendant que vous êtes dehors pour la journée. Heureusement, KittySpring est venu pour faire de l'hydratation de votre félin préféré une expérience facile qui sera moins stressante pour vous deux.

Cette fontaine pour chat non électrique et compatible avec les moustaches contient suffisamment d'eau pour durer deux jours et est conçue pour rester debout quel que soit le nombre d'attaques de pattes auxquelles elle est confrontée. En utilisant uniquement la force de gravité, KittySpring s'assurera qu'il y a juste la bonne quantité d'eau dans le bol. Et un filtre spécial en acier inoxydable intégré signifie que l'eau restera toujours fraîche et propre.

Pourquoi le bon bol d'eau est-il si important pour votre chat? Les chats ont intrinsèquement une faible soif, ce qui les rend sujets à la déshydratation et, par conséquent, aux problèmes rénaux. Par conséquent, il est essentiel d'optimiser leur station de boisson pour la rendre agréable. Les bols ordinaires peuvent être basculés facilement et peuvent entraîner des problèmes de stress des moustaches. Le bol peu profond de KittySpring est spécialement conçu pour laisser les moustaches d'un chat en paix et sa conception légère et stable est difficile à renverser.

Fontaine pour chat KittySpring

Un autre avantage est que KittySpring n'a pas besoin d'électricité. Non seulement cela vous fera économiser sur votre facture d'électricité, mais cela vous donnera plus d'options pour savoir où placer la fontaine afin d'optimiser l'hydratation de votre chat. Et, mieux encore, l'absence d'électricité signifie que KittySpring est complètement silencieux et ne surprendra ni n'effraiera votre chat.

En fait, KittySpring est soigneusement conçu parce que les esprits derrière sont en fait des propriétaires de chats. Rayman Wu de Desimore Inc s'est lancé dans le projet après que son chat bien-aimé Oscar a été diagnostiqué de déshydratation. Après un long chemin de guérison, Oscar a appris à Wu ce qui fonctionnait – et ce qui ne fonctionnait pas – en matière d'hydratation des chats. Une fois que tout allait mieux, l'équipe de Desimore Inc a décidé de mettre leurs têtes ensemble et de proposer la fontaine parfaite pour chat.

«Lors de la conception de KittySpring, nous avons pris en compte chaque détail de la physiologie féline pour transformer l'expérience de consommation d'alcool de nos amis à fourrure en la plus agréable et la plus confortable», révèle Wu. «Nous avons également essayé d'équilibrer les préférences des chats pour l'eau courante et l'eau calme, créant une fontaine à gravité étonnante parfaite pour tous les chats. Avec KittySpring, nous espérons améliorer la vie de nos peluches, les garder en bonne santé et aider les parents de chats aimants comme vous à mieux prendre soin d'eux.

Après une campagne Kickstarter très réussie, KittySpring est maintenant disponible sur Indiegogo à partir de 38 $. L'expédition devrait commencer en janvier 2021.

KittySpring est une fontaine pour chats contemporaine conçue pour garder les chats en bonne santé et hydratés.

Fontaine pour chat KittySpring

Étant donné qu'il n'est pas électrique, KittySpring est si silencieux que votre chat peut faire une sieste à côté.

Fontaine pour chat non électrique

Le plat à eau est également conçu pour rester droit, quelle que soit la force avec laquelle votre chat essaie de le renverser.

Fontaine pour chat KittySpring

Et le bol peu profond signifie que votre chat peut boire sans irriter ses moustaches.

Chat buvant dans un bol d'eau contemporainKittySpring: Site Web | Indiegogo | Instagram | Facebook

Toutes les images via KittySpring.

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Chat avec frères et sœurs Shiba Inu

Les chats et les chiens ont généralement des relations turbulentes, c'est pourquoi les gens disent souvent que les frères et sœurs qui se disputent se battent «comme des chats et des chiens». Cependant, il y a une famille heureuse et poilue au Japon qui prouve que le dicton est faux. Rencontrez Kiki, l'adorable chat American Shorthair qui vit paisiblement avec ses trois frères et sœurs Shiba Inu; Saki, Ibuki et Hazuki.

Non seulement Kiki semble apprécier la compagnie des chiens, mais elle agit en fait comme si elle était l'un d'entre eux. La tribu adorable a sa propre page Instagram, où son propriétaire partage des photos et des vidéos d'eux jouant, mangeant et même se blottissant ensemble. Les chiens semblent également totalement imperturbables par la présence de Kiki et sont capturés joyeusement assis à côté d'elle.

Alors que la plupart des chats font ce qu'ils veulent, Kiki est tout aussi obéissante que ses copains chiots. Elle a été capturée en train de poser en synchronisation avec ses frères et sœurs Shiba pour des photographies, et est même vue imitant leur comportement dans plusieurs vidéos. Une vidéo en particulier montre l'adorable groupe à l'heure du repas. Tous les quatre – y compris Kiki – sont capturés en attendant patiemment le signal de leur propriétaire indiquant qu'ils sont autorisés à commencer à manger, avant de manger à l'unisson.

Découvrez les photos et vidéos de Kiki, Saki, Ibuki et Hazuki ci-dessous. Et si vous ne pouvez pas en avoir assez de ce pack super mignon, vous pouvez les suivre sur Instagram pour en savoir plus.

Rencontrez Kiki, l'adorable chat American Shorthair qui vit paisiblement avec ses trois frères et sœurs Shiba Inu; Saki, Ibuki et Hazuki.

Chat avec frères et sœurs Shiba Inu

Elle pense et agit comme un membre de la meute.

Chat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba InuChat avec frères et sœurs Shiba Inu

Kiki a même été formée pour imiter le comportement de ses frères et sœurs canins!

saki.ibuki.hazuki: Instagram
h / t: (raisin)

Toutes les images via @ saki.ibuki.hazuki.

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Faites la fête de votre sœur avec l'un de ces cadeaux uniques

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Cadeaux pour soeur

Parfois, plus vous êtes proche de quelqu'un, plus il est difficile de faire des emplettes – alors trouver un cadeau pour votre sœur? C’est beaucoup de pression. Heureusement, My Modern Met Store a rendu le processus beaucoup plus facile en organisant une sélection spéciale de produits que votre sœur adorera à coup sûr. Des accessoires à la mode aux jeux amusants, vous êtes sûr de trouver le cadeau parfait.

Votre sœur a-t-elle un côté bohème? La marque créative Shovava fabrique des écharpes et des châles exquis basés sur des motifs originaux peints à la main. Le châle Nikola est inspiré du plumage vibrant du paon, avec de grandes ailes bleues et vertes qui s'étendent sur toute la longueur du tissu. Fabriqué à partir de tissu 100% coton biologique, cet accessoire gardera votre sœur au chaud à l'intérieur comme à l'extérieur toute l'année. De même, la bague écureuil ajustable en trois pièces de Mary Lou est un moyen adorable pour elle de montrer son côté sauvage. Elle n'a qu'à mettre les trois pièces différentes et l'écureuil en émail aura l'air de se précipiter sur ses doigts vers la noix précieuse.

Une autre excellente idée cadeau pour un spectaculaire soeur est un puzzle amusant et beau – cela lui offrira une excellente façon de passer son temps libre. Le puzzle de la lune en quatre points a été salué par les amateurs de l'espace et les amateurs de puzzle. Sur la base de l'image la plus claire de la Lune à ce jour, votre sœur adorera traverser la surface rocheuse en complétant ce puzzle circulaire. Associez-le au collier courbe de phase de lune en argent pour créer un coffret cadeau d'inspiration lunaire qu'elle n'oubliera pas de sitôt.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de cadeaux pour votre sœur, et dirigez-vous vers My Modern Met Store pour parcourir toute la collection.

Surprenez votre sœur avec l'un de ces fabuleux cadeaux!

Châle Nikola

Grand jeu de tas de chat en bois

Feuilles de couleurs Viviva

Figurine articulée de Frida Kahlo

Puzzle de lune à quatre points

Kit de broderie loup

Collier de phase de lune incurvé en argent

Bague écureuil ajustable en trois pièces

Pochette livre Orgueil et préjugés

Pendentif roue de couleur

Trouvez d'autres cadeaux uniques pour votre sœur dans My Modern Met Store!

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Inktober: le défi artistique mondial qui fait dessiner tout le monde en octobre

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Inktober

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Quand il s'agit de créer de l'art, se lancer est souvent la partie la plus difficile. Cela est toutefois un peu plus facile lorsque des milliers de personnes le font en même temps. Nous avons vu comment des projets de photographie quotidiens et mensuels peuvent étirer votre imagination et apporter des développements nouveaux et passionnants dans votre travail. Mais si le dessin est plus votre style, nous avons le défi créatif parfait pour inspirer la création artistique quotidienne: Inktober. Cet événement annuel a lieu chaque année en octobre, invitant des personnes du monde entier à y participer.

Qu'est-ce que Inktober?

Inktober remonte à près d'une décennie. L'illustrateur Jake Parker l'a créé en 2009 pour améliorer ses «compétences encrage et développer des habitudes de dessin positives». Le principe est simple: chaque jour d'octobre, réalisez un dessin à l'encre et partagez-le en ligne en utilisant le hashtag #Inktober. À partir de 2016, Inktober a eu une liste d'invites officielle avec des mots pour inspirer votre routine quotidienne. Ils sont précis, mais pas trop pour que les dessins de chacun se ressemblent; il y a beaucoup de place pour l'interprétation.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=Q320efwokQk (/ incorporer)

Voici les invites Inktober pour 2020:

Invites Inktober 2020

Inktober est certainement un engagement, mais il y a une marge de manœuvre si dessiner chaque jour n'est tout simplement pas possible. «Vous pouvez le faire tous les jours, ou suivre l'itinéraire du semi-marathon et poster tous les deux jours, ou simplement faire le 5 km et poster une fois par semaine», explique Parker. «Quoi que vous décidiez, soyez cohérent avec cela.» Par-dessus tout, Inktober consiste à être cohérent et à s'améliorer grâce à la pratique. Essayez d'enregistrer votre travail dans un carnet de croquis, un journal d'art ou un carnet de croquis Inktober en édition limitée!

Fournitures pour Inktober

Le nom Inktober dit tout: vous voudrez utiliser une sorte d’encre pour vos dessins d’octobre. Cependant, si vous n'êtes pas familier avec l'encre, consultez nos stylos et marqueurs de dessin préférés pour les artistes ou essayez ces stylos et ensembles très appréciés:

Réaliser un dessin quotidien est un excellent moyen de tester différents types d'encre, de pinceaux et de stylos. Mais pour tirer le meilleur parti d'Inktober, vous voudrez avoir une compréhension de base des matériaux et des techniques.

Voici quelques cours en ligne qui vous présenteront le stylo, l'encre et l'aquarelle. Mieux encore, vous pouvez les emporter dans le confort de votre studio.

Stage de dessin à l'encre, Skillshare: Vous serez prêt pour Inktober en un rien de temps après ce bootcamp, qui vous apprendra les fournitures, vous permettra de découvrir les grands maîtres du dessin à l'encre et d'acquérir de nouvelles compétences.

Techniques de dessin à l'encre, partage de compétences: Ce cours couvre les techniques de base du pinceau, de la plume et de l'encre, les bases de l'esquisse et de la numérisation, et les principes de base de l'encrage.

Plume et encre florales, partage de compétences: Dans ce cours, vous apprendrez à créer des fleurs à la plume et à l’encre avec plusieurs outils et à maîtriser les différents traits qui peuvent être créés.

Créer des illustrations avec des stylos à encre et de l'aquarelle, Skillshare: Découvrez les différents stylos que vous pouvez utiliser avec des aquarelles, ainsi que comment les utiliser avec des encres et du papier.

Illustrations inspirantes d'Inktober

Découvrez ce que d'autres artistes et illustrateurs ont proposé lors des Inktobers passés.

Inktober invite 2018

Stéphanie Mai

Inktober

Mark Richards

Dessins Inktober 2018

Nina Rintala

Invites Inktober

Paul Jackson

Invites Inktober

Vicki Tsai

Inktober invite 2018

Ramaoart

Inktober invite 2018

Mili Koey

Inktober invite 2018

Laurie Conley

Invites Inktober

@Sweeney_Boo

Inktober

Coco Abeille

Inktober invite 2018

Sibylline Meynet

Invites Inktober

Jake Parker

Liste des défis artistiques

Leigh Ellexson

Inktober invite 2018

Chen Naje

Dessins Inktober 2018

Galerie Brian

Liste des défis artistiques

Sydney Nielsen

Dessins Inktober 2018

Marie Vanderbemden

Inktober: Site Web | Facebook | Twitter | Instagram

Cet article a été édité et mis à jour.

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Des orbes réfléchissants géants, des toiles d'araignées et des plantes aériennes envahissent un palais de la Renaissance à Florence

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Constellation thermodynamique de Tomas Saraceno

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

L'artiste argentin Tomás Saraceno poursuit son exploration de l'art, de la vie et de la science avec son exposition au Palazzo Strozzi de Florence. Aria est un ensemble d'installations et d'expériences immersives qui déplacent les humains hors du centre de l'univers et leur demandent au lieu de se tenir côte à côte avec la nature pour créer une nouvelle harmonie. À travers des orbes réfléchissants, des toiles d'araignées et des plantes aériennes, Saraceno envoie un message que nous ne pouvons pas nous permettre d'attendre plus longtemps pour sauver nos écosystèmes.

«Les émissions de carbone remplissent l'air, les particules flottent à l'intérieur de nos poumons tandis que le rayonnement électromagnétique enveloppe la terre», déclare Saraceno. «Pourtant, une autre époque est possible, une époque aérocène – celle de la sensibilité interplanétaire à travers une nouvelle écologie de la pratique. Les écosystèmes doivent être considérés comme des réseaux d’interactions, au sein desquels l’écologie de chaque être vivant co-évolue. En nous concentrant moins sur les individus et plus sur les relations réciproques, nous pourrions penser au-delà des moyens nécessaires pour contrôler nos environnements et davantage sur la formation partagée de notre quotidien. Laissez la toile d'araignée vous guider ici. »

Les visiteurs sont immédiatement plongés dans le monde de Saraceno en entrant dans la cour du Palazzo Strozzi. Suspendu dans l'air est Constellations thermodynamiques, un ensemble de trois orbes qui reflètent l'architecture du palais Renaissance. Les sphères sont des prototypes de sculptures aérosolaires qui se déplaceraient librement sans frontières et sans produire d'émissions de carbone. Leur place ici est un rappel pour réfléchir aux possibilités qui pourraient s'ouvrir si nous étions aussi libres d'explorer sans barrières pour nous gêner.

D'autres salles présentent une variété d'expériences. Cela inclut les formations en forme de nuage appelées Connectome, dont les formes irrégulières et les surfaces réfléchissantes tracent les rayons du soleil, ainsi que Un imaginaire thermodynamique. Ce modèle de paysage exploite le potentiel illimité du Soleil et place les humains à leur place en les mettant à l'échelle du cosmos.

Saraceno joue également avec différents éléments comme l'air dans son installation de Jardins volants. Les plantes délicates de Tillandsia, également connues sous le nom de plantes à air, sont installées dans des sphères de verre soufflées à la main suspendues au plafond. Ces plantes, qui n'ont pas de racines, acquièrent ce dont elles ont besoin pour survivre dans l'air. De cette manière, ils se présentent comme une métaphore de l'adaptabilité et de la liberté.

Tout le voyage à travers l'exposition est centré autour de Saraceno Cartes d'arachnomancie, un ensemble de 33 cartes qui célèbrent l'interdépendance radicale de toutes choses, vivantes et non vivantes. Chaque installation du Palazzo Strozzi est liée à une carte qui crée un fil d'interdépendance. Saraceno Aria se déroule jusqu'au 1er novembre 2020 au Palazzo Strozzi.

Tomás Saraceno a transformé le Palazzo Strozzi en une expérience immersive qui fusionne l'art, la vie et la science.

Installation de Tomas Saraceno Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Tomas Saraceno au Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Installation de l'usine d'air par Tomas Saraceno

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Jardins volants Tomas Saraceno au Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Tomas Saraceno Connectome au Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Tomas Saraceno Connectome au Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Un imaginaire thermodynamique par Tomas Saraceno

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Aérographies de Tomas Saraceno

Photo: Studio Tomás Saraceno

Installation de Tomas Saraceno Palazzo Strozzi

Photo: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Tomás Saraceno: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du Palazzo Strozzi.

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`` Circuit automobile d'allée '' par CanyonChasers

Lorsqu'un homme du nom de Dave a commencé à recevoir des alertes nocturnes de son système de sécurité domestique, il a découvert qu'un enfant du quartier entrait tous les jours dans son entrée. Le petit tyke n'a pas pu s'empêcher de profiter de la chaussée lisse sur la propriété de Dave et, par conséquent, a été capturé à la caméra à plusieurs reprises en profitant d'une promenade sournoise autour de l'allée à vélo. Cependant, plutôt que de chasser son visiteur quotidien, Dave a décidé de l'accueillir.

«Chaque soir, je recevais une alerte de la caméra de sécurité de mon entrée, et au début j'étais un peu ennuyé, mais ensuite je me suis retrouvé à attendre avec impatience l'alerte du soir», révèle Dave. «Et puis l'inspiration est venue, sous la forme de ma femme qui m'a donné cette excellente idée. Un soir, Dave a dessiné une piste de course de fortune sur son allée à la craie. Il ne fallut pas longtemps avant que le jeune garçon se présente pour profiter de la route sinueuse. Il est filmé avec enthousiasme en faisant du vélo vers la ligne d'arrivée. Chaque fois qu'il pleuvait, Dave créait un nouveau morceau, et chacun devenait plus élaboré avec le temps. Le petit garçon venait tous les jours et améliorait ses compétences en course. Dans un clip, lui et ses parents saluent la caméra en guise de remerciement.

Le plaisir ne s’est pas arrêté avec un seul enfant. L’hippodrome fait maison a attiré l’attention de tout le quartier, et bientôt plus d’enfants – et même d’adultes – ont commencé à se présenter pour faire du vélo dans l’allée de Dave. Dave dit: «Ce qui s'est passé est devenu la meilleure partie d'un été pandémique par ailleurs morne.»

La passion de Dave pour la course dépasse cependant sa cour avant. Il travaille en tant qu'instructeur de sécurité moto, et il a même une chaîne YouTube dédiée au partage de techniques de conduite et de conseils appelée CanyonChasers. Pour en savoir plus sur les mises à jour de l'hippodrome de quartier de Dave, vous pouvez le suivre sur Instagram.

Quand un gars a découvert qu'un enfant utilisait son allée pour faire du vélo tous les jours, il a décidé de le rendre encore plus amusant.

Comment ce type gère les enfants qui jouent dans son allée. de r / nextfuckinglevel

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=3xj-J0NUuk8 (/ incorporer)

Dave / CanyonChasers: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube
h / t: (Reddit)

Toutes les images via Dave / CanyonChasers.

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Un duo de personnes âgées élégant avec une mode impeccable fait du monde leur piste

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Icônes de la mode des amis âgés

La mode est généralement associée à la jeunesse, mais jetez un coup d'œil aux styles pimpants de Günther Krabbenhöft et Britt Kanja et vous verrez que l'âge n'a rien à voir avec cela. Ils sont tous deux impeccablement habillés. Krabbenhöft, 75 ans, porte souvent un costume trois pièces avec une variété de chapeaux, tandis que Kanja ne manque pas d'accessoires de déclaration et de robes élégantes. Il est clair que le monde est leur piste, et chaque fois qu’ils sortent, c’est un défilé de mode en direct.

Ce n’est pas la première fois que Krabbenhöft est reconnu pour son style. Il y a cinq ans, il est devenu viral pour des tenues composées d'un nœud papillon et d'un gilet associé à une paire de jeans fuselés et de bottes à lacets. Il a fait sensation sur la scène de la mode berlinoise et n’a pas cessé depuis. Krabbenhöft est maintenant un mannequin géré par MARTA PR, et il a même écrit un livre intitulé Soyez vous-même, vous n’êtes jamais trop vieux pour être jeune. Le livre est centré sur la sagesse que Krabbenhöft a acquise tout au long de ses années. «Hé, peu importe ce qui t'arrive, si tu penses avoir échoué dans la vie, le jour viendra où tu verras la faiblesse comme une force», dit Krabbenhöft à propos du livre. «C'est seulement rétrospectivement que je reconnais mes propres jours de désespoir et que je peux les apprécier.»

Avec cette perspective optimiste, Krabbenhöft a appris à apprécier tout ce que la vie a à offrir – et cela se voit. Ses médias sociaux présentent non seulement ses looks qui volent la scène, mais lui apprécie la culture de Berlin avec Kanja et des amis de tous âges.

Günther Krabbenhöft et Britt Kanja sont des icônes de la mode qui prouvent que le style époustouflant existe à tout âge.

Icônes de la mode des amis âgés

Gunther Krabbenhoft et Britt Kanja dans une mode impeccable

Photo: Britt Kanja

Icônes de la mode des amis âgés

Photo: Britt Kanja

Icônes de la mode des amis âgés

Photo: Britt Kanja

Icônes de la mode des amis âgésIcônes de la mode des amis âgésIcônes de la mode des amis âgésIcônes de la mode des amis âgésIcônes de la mode des amis âgésIcônes de la mode des amis âgésIcônes de la mode des amis âgésIcônes de la mode des amis âgésIcônes de la mode des amis âgésIcônes de la mode des amis âgés

Icônes de la mode des amis âgés

Photo: Britt Kanja

Icônes de la mode des amis âgés

Ils prouvent également que la danse n'a pas d'âge.

Günther Krabbenhöft: Instagram | Facebook
Britt Kanja: Instagram | Facebook

Toutes les images via Günther Krabbenhöft, sauf indication contraire. My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Günther Krabbenhöft.

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Les tortues autrefois considérées comme éteintes font leur retour grâce aux écologistes

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Bébé tortue couverte de Birmanie

L'une des tortues les plus menacées au monde fait son retour. le Tortue à toit birmane (Batagur trivittata) est connue pour ses grands yeux et son sourire loufoque, et maintenant ces tortues ont certainement de quoi sourire. Endémiques du Myanmar, on pensait autrefois qu'ils étaient éteints jusqu'à ce qu'ils soient redécouverts au début des années 2000. Aujourd'hui, grâce à un programme de sélection, leur nombre augmente.

Les rivières du Myanmar débordaient autrefois de tortues couvertes de Birmanie jusqu'à ce que le piégeage dans le matériel de pêche et l'exploitation de leurs œufs aient décimé la population. L'espèce elle-même est assez intéressante, les femelles devenant beaucoup plus grandes que les mâles et les mâles changeant de couleur pendant la saison de reproduction. Pendant ce temps, les mâles transforment leurs couleurs douces en chartreuse avec des marques noires. Ils sont également aimés pour le grand sourire qui leur est toujours visible.

Une fois les tortues redécouvertes, la Wildlife Conservation Society (WCS) et la Turtle Survival Alliance (TSA) sont entrées en action. Ils surveillent les bancs de sable que les femelles utilisent pour la nidification, puis collectent les œufs. Les œufs sont incubés et conservés en sécurité dans une installation du village de Limpha au Myanmar. Cela a abouti à une population captive de 1000 tortues, ce qui signifie que la tortue à toit birmane n'est plus en danger d'extinction biologique.

Éclosion de tortues couvertes de Birmanie

Cependant, ces tortues ne sont pas encore sorties du bois. Toujours répertorié comme Critiquement gravé, il ne reste que cinq à six femelles adultes et aussi peu que deux mâles adultes à l'état sauvage. L'accent sur la conservation se déplace maintenant vers la population sauvage et aide à la transition des nouveau-nés captifs vers la nature.

Pourtant, les chercheurs considèrent la tortue à toit birmane comme un succès de conservation. Et quand on considère que les tortues et les tortues ont l'un des taux d'extinction les plus élevés au monde – plus de la moitié des 360 espèces sont en danger – c'est un grand pas dans la bonne direction.

Grâce aux programmes d'élevage, la tortue à toit birmane – connue pour son sourire idiot – n'est plus en danger de disparaître.

Tortue à toit birmane

h / t: (IFLScience !, NYTimes)

Toutes les images via Myo Min Win – Programme WCS Myanmar.

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Ouverture du premier «musée du bonheur» au monde à Copenhague

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Le musée du bonheur

Le Musée du bonheur demande: «Le bonheur est-il à vendre?» (Photo: Le musée du bonheur)

Bienvenue au Happiness Museum, «un petit musée sur les grandes choses de la vie». Situé à Copenhague, au Danemark, le musée de huit salles est le nouveau bras public du Happiness Research Institute – un groupe de réflexion consacré à la théorie et à la pratique du bonheur. Le Danemark est connu pour être l'un des pays les plus heureux du monde; cependant, le musée aborde les thèmes du bonheur, de la qualité de vie et du bien-être d'un point de vue global.

Les visiteurs du musée trouveront de nombreuses expositions interactives. Chaque salle est consacrée à une approche spécifique de l'étude du bonheur. La politique du bonheur L'exposition pose des questions sur le rôle des élections et du PIB dans la détermination du bonheur national. Dans L'histoire du bonheur salle, les visiteurs peuvent en apprendre davantage sur les philosophies du bonheur d'Aristote aux Lumières. En parcourant les publicités commerciales promettant le bonheur, on peut réfléchir aux relations entre le consumérisme, le capitalisme et le bonheur.

Certaines expositions de musée impliquent les perceptions personnelles des visiteurs du bonheur. Pouvez-vous déterminer quelle moitié de la Mona LisaLa bouche de vous sourit? Que feriez-vous si vous trouviez un portefeuille qui traîne? Comment définissez-vous le bonheur? Le Musée du bonheur demande à ses visiteurs de s'engager à un niveau personnel, et les nombreux post-it laissés avec de bons souvenirs témoignent de cette mission réussie. Le chef du Happiness Research Institute, Meik Wiking, écrit à propos de la mission du musée: «Nous espérons que les invités partiront un peu plus sages, un peu plus heureux et un peu plus motivés pour rendre le monde meilleur.»

Les visiteurs du musée repartiront également avec une meilleure compréhension du «bonheur nordique» – une connaissance qu'ils peuvent rapporter dans leur pays d'origine. Au-delà des aspects techniques des impôts et des services sociaux qui en découlent, les visiteurs auront la chance d'embrasser hygge, un mot danois décrivant une petite sensation chaleureuse. Le Musée du bonheur espère que ce sentiment apportera de la joie aux visiteurs longtemps après leur sortie du musée.

Pour en savoir plus sur leur mission et leurs expositions, visitez le site Web du Happiness Museum.

Le Musée du bonheur de Copenhague, au Danemark, est un petit musée dédié à la théorie et à la pratique du bonheur, du bien-être et de la qualité de vie.

Trust Experiment Happiness Museum

Une expérience de confiance «quelqu'un a perdu son portefeuille» au Musée du bonheur.

Musée du bonheur du sourire de Mona Lisa

Mona Lisa sourit-elle à gauche ou à droite?

Fondé par le Happiness Research Institute, le musée apporte le concept danois de hygge (se sentir à l'aise) à un public plus large. D'autres qualités du «bonheur nordique» sont explorées dans les expositions.

Musée du bonheur Hygge Corner

Les clients peuvent se détendre dans le «coin hygge».

Real Smiles The Happiness Museum

Pouvez-vous distinguer un vrai sourire d'un faux sourire?

Le musée présente huit expositions, dont deux consacrées à «La politique du bonheur» et «L'histoire du bonheur». Le musée pose des questions telles que «le PIB affecte-t-il le bonheur national?»

La politique du bonheur Le musée du bonheur

Salle «La politique du bonheur» au Musée du bonheur.

Élections Musée du bonheur

L'élection Trump a provoqué le jour le plus malheureux de cette année au Royaume-Uni, rapporte le Happiness Museum.

Saviez-vous qu'Aristote était l'un des premiers philosophes du bonheur? Les écrivains des Lumières ont aussi souvent envisagé la signification du bonheur. Vous pouvez voir leurs livres exposés au musée.

Musée du bonheur des livres

Que peuvent nous dire des livres centenaires sur le bonheur?

Aristote le premier chercheur sur le bonheur

Aristote, le premier chercheur sur le bonheur.

Les expositions peuvent être interactives, comme une expérience de confiance avec un portefeuille perdu. Les visiteurs sont également invités à apporter leurs propres définitions du bonheur.

Science du bonheur Musée du bonheur

Où trouve-t-on le bonheur dans le cerveau?

L'invité définit le bonheur

Les invités écrivent leurs propres définitions du bonheur.

Quelle est votre définition du bonheur? Les fondateurs du musée espèrent qu'il pourra apporter un peu plus de joie au monde.

Qu'est-ce que le bonheur Le musée du bonheur

Les invités répondent à la question «Qu'est-ce que le bonheur?»

Le musée du bonheur: site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du Happiness Museum.

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L'artiste peint des portraits de femmes noires utilisant de vrais cheveux pour montrer la beauté des styles naturels

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Portrait de cheveux 3D par Tyler Clark

L'artiste Tyler Clark donne vie à ses peintures de femmes noires en utilisant un matériau non conventionnel. Chacun de ses portraits présente des visages peints qui incorporent de vrais cheveux afin de mettre en valeur à la fois la beauté et la polyvalence des styles naturels. «J'aime le plus les tresses et les serrures», dit Clark à My Modern Met. «Les tresses parce qu'il y a tellement de styles différents que je peux créer avec elles. J'adore les serrures car elles symbolisent magnifiquement la force et l'engagement envers moi.

Clark est allée à l'école pour les mathématiques et le génie mécanique, et elle s'est tournée vers l'art pour soulager le stress de ses cours rigoureux. «Je voulais que mon art soit différent et je n'avais jamais vu de cheveux sur l'art auparavant», explique-t-elle. «J'ai décidé de repousser les limites de ce que j'ai vu pour essayer quelque chose de nouveau. J'adore les cheveux et j'en ai beaucoup, donc c'était toujours important pour moi d'apprendre à les coiffer. Ce style artistique est pour moi un moyen de mélanger l'art et la coiffure. Depuis lors, ses portraits sont devenus viraux et ont séduit les internautes, y compris des célébrités comme Chance the Rapper.

L'utilisation de vrais cheveux témoigne d'une intention plus large derrière les superbes créations de Clark. En présentant ses sujets dans de nombreux types de coiffures élégantes, elle espère les montrer comme un vecteur d'individualité, et quelque chose dont les femmes et les filles noires devraient être fières. «En tant que femme noire aux cheveux bouclés crépus, il y a une découverte de l'amour-propre qui accompagne les cheveux», explique-t-elle. «J'avais l'habitude d'avoir un défrisant pour lisser définitivement mes cheveux parce que je ne trouvais pas de beauté dans la texture naturelle de mes cheveux. Ça a toujours semblé beaucoup à gérer. Maintenant que je suis devenu naturel et que j'ai adopté la texture de mes cheveux, je veux aider d'autres filles et femmes à faire de même.

Clark vend son travail comme des originaux ainsi que des impressions sur toile 3D avec de vrais cheveux ajoutés. Vous pouvez tout acheter via sa boutique en ligne sur son site Web.

L'artiste Tyler Clark crée des portraits de femmes noires avec de vrais cheveux.

Portrait utilisant de vrais cheveux par Tyler ClarkPortrait 3D par Tyler Clark

Les variétés de coiffures mettent en valeur la beauté et la polyvalence des cheveux naturels.

Portrait utilisant de vrais cheveux par Tyler ClarkPortrait 3D par Tyler ClarkPortrait utilisant de vrais cheveux par Tyler ClarkPortrait utilisant de vrais cheveux par Tyler ClarkPortrait de cheveux 3D par Tyler ClarkPortrait de cheveux 3D par Tyler ClarkPortrait utilisant de vrais cheveux par Tyler Clark

Clark montre son travail en détail sur son Instagram:

Tyler Clark: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Tyler Clark.

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La bibliothèque audio gratuite présente «Sons de la forêt» du monde entier

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Soundmap de la forêt

Photo: Photos d'Inga Linder / Shutterstock

L'archive audio gratuite Sons de la forêt est une carte sonore interactive célébrant les bruits des forêts du monde entier. Cette bibliothèque open source d'enregistrements de la nature est gérée par Timber Festival, une célébration annuelle des forêts et des arbres basée au Royaume-Uni. Lorsque le festival physique a dû être annulé en raison du COVID-19, Timber Festival a décidé d'utiliser le pouvoir du son pour rassembler les amoureux de la nature.

Sons de la forêt montre comment les écosystèmes peuvent produire des bruits étonnamment distincts. Les enregistrements sont identifiés par emplacement; cependant, certains incluent également des notes sur les oiseaux et les insectes vocaux. Dans la forêt de Rota (sur l'île de Rota, îles Mariannes du Nord), un enregistrement tôt le matin par Andria Kroner comprend les cris d'oiseaux du Mariana Crow, du Rufous Fantail, du Micronesian Starling, du Feral Chicken et du Black Drongo. Dans la forêt de biome du parc national Banff, au Canada, le contributeur Luba D. a enregistré l'appel d'un faucon à queue rousse. L'enregistrement est enrichi par une petite histoire jointe – le contributeur a trouvé une plume délicate du faucon susmentionné. Ces enregistrements forestiers représentent un partage de sons et de souvenirs.

Les archives internationales contiennent des enregistrements de la nature de tous les continents à l'exception de l'Antarctique. Sur la carte du site, les forêts britanniques et d'Europe occidentale sont densément peuplées de sons soumis par les utilisateurs. D'autres forêts, comme l'Amazonie, ont peu ou pas d'enregistrements répertoriés. Pour élargir davantage la collection, les gens du monde entier sont encouragés à enregistrer et à soumettre leurs propres enregistrements forestiers. Pour leur célébration de 2021 dans la forêt nationale, Timber Festival écrit: «Les artistes sélectionnés répondront aux sons recueillis, créant de la musique, du son, des œuvres d'art ou autre chose d'incroyable.» Le festival prévoit d'organiser sa célébration en personne du 2 au 4 juillet 2021.

Pour ceux qui manquent du monde naturel ou qui cherchent à se détendre au son de la nature, le Festival du bois Sons de la forêt est l'évasion numérique parfaite.

L'archive audio gratuite Sons de la forêt est une carte sonore interactive célébrant les bruits des forêts du monde entier.

Sounds of the Forest Sound Map Festival du bois

Créé par Timber Festival, le projet vise à unir les amoureux de la nature du monde entier grâce au son. Les gens sont invités à utiliser les enregistrements librement et à apporter les leurs pour élargir la collection.

Découvrez les divers bruits d'oiseaux et d'insectes à travers le monde, de la buse à queue rousse à l'étourneau micronésien.

Certains enregistrements contiennent des histoires ou des notes liées à la faune des bois.

Le Festival du bois prévoit de célébrer en personne en juillet 2021. Lors du festival, les artistes présenteront un travail créatif en réponse à la Sons de la forêt archive audio.

Profitez des enregistrements relaxants et revivez les souvenirs de la forêt.

Festival du bois: Site Web | Instagram | Facebook | Twitter | Youtube
h / t: (Culture ouverte)

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Le chef japonais fabrique des bonbons Wagashi colorés qui ressemblent à de petits oiseaux

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Oiseau Wagashi par Kurokazu

Si vous avez déjà été dans une confiserie japonaise, vous savez que ce sont des trésors remplis de confiseries créatives. Un style populaire de bonbons est nerikiri wagashi (qui signifie littéralement «bonbons japonais»). Inventées au Japon pendant la période Edo, les friandises traditionnelles sont généralement préparées à partir de mochi (riz pilé), d'anko (pâte de haricots rouges sucrés azuki) et / ou de fruits. Les ingrédients mous permettent aux chefs de façonner le wagashi en toutes sortes de designs passionnants, mais il y a un roi de la confection en particulier qui porte l'art du wagashi à un nouveau niveau de créativité.

Kurokazu – qui a une confiserie appelée Wagashidokoro Kisshōan à Shōnan, préfecture de Kanagawa – fabrique d'adorables wagashi inspirés de la nature. Certains de ses desserts les plus récents prennent la forme de petits oiseaux dodus qui ont été magnifiquement décorés dans des couleurs vives. Le troupeau de Kurokazu comprend de jolis cockatiels jaunes faits de koshian (pâte de haricots rouges lisse) à l'intérieur. Le boulanger créatif fabrique également des perruches bleues et vertes. Les oiseaux bleus ont koshian à l'intérieur, et les oiseaux verts ont yuzu-an (pâte de haricots à saveur de yuzu).

Lorsqu'il ne fabrique pas d'oiseaux, Kurokazu crée toutes sortes de personnages wagashi. Il fabrique également des friandises de poisson-globe dans une variété de saveurs, ainsi que des collations inspirées des fleurs qui ont l'air presque trop jolies pour être mangées!

Faites défiler vers le bas pour découvrir le wagashi de Kurokazu et découvrir d'autres de ses créations sur Instagram et Twitter.

Le chef japonais Kurokazu fait nerikiri wagashi des bonbons qui ressemblent à de jolis petits oiseaux.

Oiseau Wagashi par KurokazuOiseau Wagashi par Kurokazu

Il prépare également ces collations inspirées du poisson-globe dans une variété de saveurs amusantes.

`` Blow Fish Wagashi '' par Kurokazu`` Blow Fish Wagashi '' par Kurokazu

Ce chef pâtissier montre sans fin sa créativité!

Lapin Wagashi par KurokazuCitrouille Wagashi par KurokazuWagashi par KurokazuWagashi par KurokazuKurokazu: Instagram | Twitter
h / t: (raisin)

Toutes les images via Kurokazu.

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Emballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera Zvereva

Les bons graphistes savent comment créer des emballages alimentaires accrocheurs qui se démarquent sur les rayons des supermarchés, et l'artiste russe Vera Zvereva ne fait pas exception. Le talentueux designer – qui travaille en tant que directeur artistique pour l'agence de marque Depot – a été chargé de repenser l'emballage de quatre produits laitiers de la ligne Bryansk Dairy Plant (Milgrad). Le résultat? Un adorable motif de chat bleu qui crée différents récits en fonction de la présentation de l'emballage.

Le marché laitier occupe plus de 22% de la structure des produits alimentaires FMCG, ce qui signifie qu'il est assez surpeuplé en termes de marques. C'est pourquoi Zvereva a décidé de concevoir des emballages uniques qui attireraient l'attention des consommateurs et les encourageraient à essayer les produits Milgrad. Le nouveau design de l'emballage présente un adorable chat bleu aux yeux écarquillés qui est illustré dans diverses poses ludiques. Depot dit: «Il regarde le consommateur avec intérêt, joue avec une corde, regarde dehors ou se fige par anticipation.»

L'illustration du chat se déplace d'un côté de l'emballage à l'autre, créant plusieurs options d'affichage sur les étagères. Même les codes-barres des produits sont en forme de griffes comme une tête de chat. Nous sommes sûrs que Zvereva se sent comme "le chat qui a eu la crème" avec ces designs d'emballage parfaits.

Découvrez le nouvel emballage de lait Milgrad ci-dessous.

La directrice artistique russe Vera Zvereva (de Depot) a créé ces adorables designs d'emballage pour les produits laitiers de Milgrad avec un chat bleu ludique.

Emballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera Zvereva

L'illustration du chat se déplace d'un côté de l'emballage à l'autre, créant un nouveau récit en fonction de la façon dont ils sont affichés.

Emballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera ZverevaEmballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera ZverevaEmballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera ZverevaEmballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera ZverevaEmballage de lait Blue Cat Milgrad par Vera Zvereva

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=FZ_Pc-MpgAY (/ incorporer)

Vera Zvereva: Facebook | Behance

Toutes les images via Vera Zvereva / Depot.

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Le designer révèle les polices utilisées dans les logos des plus grandes marques du monde

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Police Starbucks

Starbucks

Avez-vous déjà regardé un logo et pensé: "De quelle police s'agit-il?" Eh bien, le designer Emanuele Abrate répond à cette question avec son projet fascinant appelé Logofonts. Comme son nom l’indique, Abrate révèle les polices utilisées dans certaines des plus grandes marques du monde, de Nike à Spotify en passant par YouTube. Il montre exactement comment ils sont utilisés en définissant le nom de la police de la même manière qu'il apparaît dans le logo de l'entreprise.

Le but de Logofonts est simple. "Il s'agit d'essayer de savoir quelle police a été utilisée pour le logo (ou quelle police a été modifiée ou utilisée comme base, puisque la plupart des logos célèbres utilisent une typographie personnalisée)", explique Abrate à My Modern Met. Cela implique de la recherche. «Je consulte les différents manuels de la marque, puis je compare visuellement la police d'origine avec le logo. Je reconnais souvent la police en un coup d’œil, mais je m’aide aussi avec des outils comme WhatTheFont, ou je consulte les différents forums. »

En parcourant le populaire Instagram de Logofonts, vous verrez combien d'entreprises utilisent une variante d'Helvetica dans leur image de marque. Mais cela ne devrait pas être une surprise: la quantité de polices qu'elle propose, associée à son esthétique épurée, fait de cette police un excellent choix pour une variété de marques. (Il existe même un excellent documentaire sur l'héritage d'Helvetica.)

Abrate aborde cette tendance en réfléchissant au projet jusqu'à présent. «Chaque police de logo est pour moi une découverte surprenante», explique-t-il. «Le plus intéressant est d'observer comment la même police peut prendre un visage différent selon le logo où elle est utilisée et selon le poids Omega, Supreme, Gillette, PayPal, RedBull utilisent Futura, mais elles ont un impact complètement différent, approche et humeur.

Faites défiler vers le bas pour voir quelles polices les grandes entreprises ont utilisées. Pour en savoir plus, suivez le Instagram de Logofonts.

Dans son projet Logofonts en cours, le designer Emanuele Abrate révèle les polices utilisées dans certaines des plus grandes marques du monde.

Police Twitter

Twitter

Police USA Today

"États-Unis aujourd'hui"

Police cible

Cible

Police Reddit

Reddit

Police Spotify

Spotify

Police Whatsapp

WhatsApp

Police de Trip Advisor

Conseiller de voyage

Police Microsoft

Microsoft

Police Redbull

Red Bull

Police Adobe

Adobe Acrobat

Police Shopify

Shopify

Police YouTube

Youtube

Police Netflix

Netflix

Police Airbnb

Airbnb

Police Facebook

Facebook

Police Discord

Discorde

Police de Google Maps

Google Maps

Police de Tiktok

TIC Tac

Police Instagram

Instagram

Police Adidas

Adidas

Police Nike

Nike

Police Adobe

Adobe Creative Cloud

Logofonts: Instagram
Emanuele Abrate: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Emanuele Abrate.

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Ces carnets de croquis révolutionnaires ont été spécialement conçus pour Inktober

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Feuilles de couleurs Viviva

Chaque année, des milliers de créatifs de tous niveaux participent à Inktober, un défi artistique d'un mois qui oblige les participants à dessiner quelque chose chaque jour ou chaque semaine. Maintenant, l'illustrateur et créateur primé d'Inktober, Jake Parker, s'est associé à la marque créative Viviva pour présenter un nouveau carnet de croquis révolutionnaire afin de rendre le prochain défi artistique encore plus amusant.

Appelé le Carnet de croquis facile, cette offre d'art en édition limitée a été récemment lancée sur Indiegogo et a déjà reçu un financement complet. Il est répertorié comme "le premier carnet de croquis au monde avec un miroir de dessin parfaitement intégré" et est fabriqué avec "des matériaux de la plus haute qualité et proposé à un prix très abordable spécialement pour Inktober!" Le hardbound Carnet de croquis facile est disponible dans un format A5 standard (5,8 x 8,3 pouces), dispose d'une couverture en similicuir et comprend un tampon argenté avec les logos Inktober 2020 et Viviva. Chaque carnet de croquis comprend également 64 pages de papier Lessebo Design, un demi-miroir en acrylique de haute qualité et un support de fente en aluminium fraisé correspondant pour permettre aux artistes de dessiner des images affichées sur leur téléphone. «L'art peut sembler intimidant et un défi comme Inktober encore plus», admet Viviva, «mais avec les bons outils, cela peut être rendu amusant et facile.»

Ils publient également trois autres carnets de croquis avec des fonctionnalités légèrement différentes. Il y a le carnet de croquis A5 Ivory avec 64 pages de papier lisse Lessebo Design, le carnet de croquis A5 Cotton avec 40 pages de papier coton texturé et le carnet de croquis Square Cotton avec 40 pages de papier coton texturé. Tous les carnets de croquis Viviva et Inktober s'ouvrent à plat et incluent la liste d'invites Inktober 2020. En outre, Viviva a publié une édition spéciale de son ensemble de feuilles de couleurs, comprenant 3 couleurs d'encre ainsi que du blanc dans le même format de livret portable.

Vous pouvez acheter l'édition limitée de Viviva et Inktober Carnet de croquis facile pour 30 $, les autres carnets de croquis pour 20 $ et les feuilles de couleurs de l'édition Inktober pour 20 $ via Indiegogo. Assurez-vous d'agir rapidement car les fournitures sont limitées. Toutes les commandes passées avant le 16 septembre seront exécutées à temps pour Inktober. De plus, vous pouvez trouver les feuilles de couleurs originales de Viviva dans My Modern Met Store.

La marque créative Viviva s'est associée à Inktober 2020 pour créer un nouvel ensemble révolutionnaire de fournitures artistiques pour le défi d'un mois de cette année.

Feuilles de couleurs Viviva

Appelé le Carnet de croquis facile, cet outil comporte un demi-miroir acrylique spécial pour le dessin.

Feuilles de couleurs Viviva

De plus, Viviva et Inktober publient 3 autres carnets de croquis avec des fonctionnalités légèrement différentes.

Feuilles de couleurs VivivaFeuilles de couleurs Viviva

Viviva publie également une édition spéciale Inktober de ses feuilles de couleurs avec 3 nouvelles couleurs d'encre ainsi que du blanc.

Feuilles de couleurs VivivaFeuilles de couleurs VivivaFeuilles de couleurs Viviva

Regardez cette vidéo pour en savoir plus sur Easy-Sketchbook:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=wGFQbJUaPjk (/ incorporer)

Et en savoir plus sur les feuilles de couleurs Viviva ici:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=uUUnTKhsKNg (/ incorporer)

Feuilles de couleurs Viviva: Site Web | Facebook | Instagram
Inktober: Site Web | Instagram | Twitter

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L'Apple Store de Singapour est une élégante bulle de verre flottant à Marina Bay

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Apple Store - Marina Bay Singapour - Foster + Partners

La Marina Bay de Singapour est déjà emblématique pour son architecture, et maintenant, grâce à Apple, une nouvelle structure contemporaine contribue à améliorer la région. Conçu par les architectes Foster + Partners, Apple Marina Bay Sands est le premier Apple Store entièrement entouré d'eau.

L'espace futuriste est une belle suite à l'Apple Store de Bangkok récemment ouvert par l'entreprise, qui a pris la forme d'un arbre. À Singapour, les architectes ont créé une sphère moderne influencée par le passé. Foster + Partners s'est inspiré du célèbre Panthéon de Rome, interprétant le morceau de l'architecture romaine antique en quelque chose de contemporain.

La structure autoportante est entièrement en verre, avec seulement 10 meneaux verticaux assemblant les 114 panneaux. Cela donne un panorama impressionnant à 360 degrés des environs. À l'intérieur, des pare-soleil circulaires soulagent la chaleur et se rassemblent jusqu'à un oculus central, qui rappelle à nouveau le Panthéon.

«Le dôme semble éphémère», a déclaré Stefan Behling de Foster + Partners. «L'effet est très apaisant, et l'intensité et la couleur changeantes de la lumière sont fascinantes. Ce n’est pas seulement une célébration des produits incroyables d’Apple, mais une célébration de la lumière. »

Apple Marina Bay Sands est accessible via un tunnel sous-marin de 147 pieds de long depuis le centre commercial voisin, donnant aux visiteurs le sentiment qu'ils pénètrent dans un bâtiment flottant. Ce tunnel est une extension de l'expérience Apple, car il est bordé de marchandises et dispose d'un bar Genius au centre.

Plus qu'un simple espace de vente au détail, cet Apple Store, le troisième à Singapour, dispose également d'un mur vidéo qui offre Aujourd'hui chez Apple sessions pour artistes et créateurs locaux. Les entrepreneurs et les développeurs sont également encouragés à rencontrer l'équipe Apple pour obtenir des conseils et une formation dans sa première salle de conférence sous-marine située au niveau inférieur.

En continuant à repousser les limites de ses magasins, Apple laisse une architecture de pointe contribuer à renforcer le message derrière sa marque. Si vous êtes prêt à découvrir Apple Marina Bay Sands, il est désormais ouvert au public sur rendez-vous pour aider à maintenir des politiques de distanciation sociale.

Apple a ouvert son premier magasin pour s'asseoir entièrement sur l'eau.

Apple Store - Marina Bay Singapour - Foster + Partners

Situé à Singapour, Apple Marina Bay Sands s'est inspiré de l'architecture classique du Panthéon.

À l'intérieur de l'Apple Store à Marina Bay Singapour

Outre le shopping, l'espace est également mis en place pour des présentations interactives et des formations.

Femme parcourant des articles à l'Apple Store de SingapourApple Store Singapore Interior par Foster + PartnersIntérieur de l'Apple Store Singapour

Foster + Partners: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (dezeen)

Toutes les images via Apple.

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6 sculptures de Jeff Koons qui ont contribué à définir sa carrière inspirée de la culture pop

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Art Jeff Koons

Photo: Photos de 360b / Shutterstock

Depuis les années 1980, le célèbre artiste Jeff Koons fait de l'art qui remet en question notre perception de la culture de consommation. Il a d'abord choqué le monde de l'art en exposant des aspirateurs commerciaux sous forme de sculptures, suscitant un dialogue sur le rôle des objets matériels dans nos vies. Depuis lors, son travail et son style ont évolué pour inclure certaines des sculptures les plus célèbres de l'art contemporain. Des statues inspirées de la culture pop aux sculptures d'animaux géants en ballon, ses pièces continuent d'inviter les spectateurs à interroger la réalité de manière ludique.

«Le travail de l'artiste est de faire un geste et de vraiment montrer aux gens quel est leur potentiel», a dit un jour Koons. «Il ne s'agit pas de l'objet, ni des images; il s'agit du spectateur. C'est là que l'art se produit. »

Voici six œuvres de Jeff Koons qui montrent comment sa pratique artistique a évolué au fil des ans.

Nouveaux cabriolets Hoover, 1981-1987

Koons a commencé à créer sa première série d'œuvres d'art, intitulée Le nouveau, en 1979 alors qu'il était encore un artiste inconnu et travaillait comme courtier à Wall Street. Tout au long des années 80, il a présenté des aspirateurs dans des vitrines en plexiglas éclairées par un éclairage fluorescent industriel.

Koons a grandi dans les années 1950 lorsque les familles américaines ont été encouragées à adopter des rôles de genre traditionnels et à afficher leur statut à travers les objets qu'elles possédaient. En glorifiant ainsi les aspirateurs, l'artiste invite les spectateurs à réexaminer les objets du quotidien en tant que symboles de genre, de propreté et de classe.

Michael Jackson et bulles, 1988

Cette sculpture opulente et plus grande que nature est basée sur une photographie de presse de Michael Jackson et de son singe de compagnie, Bubbles. L'utilisation intensive de l'or par Koons fait référence aux statues religieuses médiévales et modernes ainsi qu'au coût du statut de célébrité et de la renommée. «Je voulais le créer à la manière d'une icône très divine», a expliqué Koons. «Mais j'ai toujours aimé la radicalité de Michael Jackson; qu'il ferait absolument tout ce qui était nécessaire pour pouvoir communiquer avec les gens.

Chien ballon (rouge), 1994-2000

Désormais parmi les œuvres d'art contemporain les plus emblématiques, Chien ballon (rouge) fait partie de Koons » Fête séries. C’est l’une des nombreuses sculptures inspirées de personnages gonflables. «J’ai toujours aimé les animaux en ballon parce qu’ils sont comme nous», a déclaré Koons à propos de la série ludique: «Nous sommes des ballons. Vous respirez et vous inspirez, c’est un optimisme. Vous expirez, et c'est une sorte de symbole de mort. "

Bien qu'il semble qu'il puisse éclater avec une épingle, Chien ballon (rouge) est en acier inoxydable poli miroir recouvert d'un vernis transparent. Koons a également créé des versions plus petites et à collectionner de cette sculpture, ainsi que des cygnes en ballon, des lapins, des singes et même des Vénus.

En 2013, son 10 pieds de haut Chien ballon (orange) a été acheté pour 58,4 millions de dollars chez Christie’s, établissant un nouveau record pour l’œuvre la plus chère jamais vendue aux enchères par un artiste vivant. Koons a conservé cet honneur pendant cinq ans jusqu'à ce que le peintre David Hockney Portrait d'un artiste (piscine à deux personnages) vendu pour 90,3 millions de dollars (frais inclus) en novembre 2018. Koons a ensuite récupéré le titre en 2019 lorsqu'il a vendu sa sculpture en acier inoxydable de 1986 lapin pour 91,1 millions de dollars.

Pâte à modeler, 1994-2014

Servant de mémorial coloré à l'enfance, Koons a créé l'une de ses sculptures les plus grandes et les plus complexes, Pâte à modeler, entre 1994 et 2014. Bien qu'il semble être fabriqué à partir du matériau de modélisation souple, la pièce comprend en fait 27 pièces d'aluminium imbriquées, maintenues ensemble par la seule gravité. La pièce géante a été inspirée par le propre fils de Koons qui, enfant, a présenté à son père un monticule similaire de Play-Doh. «Il était si fier. Je l'ai regardé, et j'ai pensé que c'était vraiment ce que j'essayais de faire chaque jour en tant qu'artiste, faire des objets sur lesquels on ne peut pas porter de jugement », se souvient Koons. «Que c'est parfait, que vous expérimentez simplement l'acceptation.»

Pâte à modeler fait également partie de Koons » Fête série, dans laquelle l'artiste s'est concentré sur la mise en évidence du passage du temps. De nombreuses pièces font référence au cycle de la naissance, de la croissance et de la volonté humaine de procréer. "Pâte à modeler est un objet qui capte l'énergie brute de la création », dit Koons. «Oui, nous pouvons tous être des artistes.»

Hulk (Amis), 2004-2012

Hulk (Amis) fait partie de Koons » Hulk Elvis série dans laquelle l'artiste a basé un certain nombre de sculptures sur le personnage de bande dessinée, l'Incroyable Hulk. Les sculptures astucieuses ressemblent étroitement à l'apparence des structures gonflables en vinyle, mais chacune est en fait construite en bronze polychromé. La fascination continue de Koons pour les structures gonflables encourage le spectateur à remettre en question ce qui est réel et défie ce qui devrait être considéré comme des beaux-arts.

Les Hulks de Koons représentent le lien entre la culture de la bande dessinée occidentale et le concept de genre. Koons explique: «Ils sont là en tant que protecteurs… mais en même temps, ils peuvent devenir très, très violents. Les Hulks sont comme ça – ce sont vraiment des symboles à haute teneur en testostérone. " C'est peut-être mieux capturé dans Hulk (Amis), où les six personnages gonflables sont perchés sur ses épaules. Koons révèle que ce Hulk en particulier est «un gardien, un protecteur, qui est en même temps capable de faire tomber la maison».

Ballerine assise, 2017

Installé au cœur du Rockefeller Center de New York, Ballerine assise fait partie de Koons ' Antiquité série, qui fusionne l'imagerie de l'art ancien et moderne. La danseuse – posée élégamment laçage de ses chaussons de ballet – fait référence à la mythique déesse romaine Vénus, qui englobe l'amour, la beauté, le sexe et la fertilité.

Le sujet est basé sur une petite figurine en porcelaine d'un artiste ukrainien nommé Oksana Zhnikrup. Cependant, Koons est allé beaucoup plus grand et a créé une version du danseur qui mesure 45 pieds de haut. Doté d'une surface en nylon miroir, le matériau permet au spectateur de se voir dans la sculpture. «Dans une surface réfléchissante, votre existence est affirmée», a expliqué Koons. «Lorsque vous bougez, votre réflexion abstraite change. L'expérience dépend de vous; cela vous permet de savoir que l'art se déroule à l'intérieur de vous.

Jeff Koons: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter

Toutes les images via Jeff Koons.

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10+ fournitures artistiques essentielles pour vous aider à commencer à dessiner vos propres bandes dessinées

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Fournitures d'art pour les dessinateurs

Photo: Photos de Yuliia Hurzhos / Shutterstock
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La bande dessinée est un médium passionnant qui raconte une histoire à travers une série d'images et de textes. Depuis le 20e siècle, il a gagné en popularité dans le monde entier, des bandes dessinées et bandes dessinées de super-héros aux États-Unis à la culture manga au Japon. Son utilisation de panneaux séquentiels permet une gamme de récits et d'expressions créatives.

Bien que certains artistes soient passés aux médias numériques, de nombreux dessinateurs, comme la romancière graphique primée Tillie Walden, continuent de raconter des histoires au crayon et au papier. Vous voulez commencer à dessiner vos propres bandes dessinées? Ensuite, assurez-vous de disposer de certaines de ces fournitures artistiques essentielles pour vous aider à démarrer.

Vous recherchez plus de fournitures artistiques? Nous vous avons couvert dans notre guide des meilleurs crayons de couleur et des meilleurs crayons à dessin.

Vous voulez commencer à dessiner des dessins animés? Alors assurez-vous d'avoir ces fournitures artistiques!

Des crayons

Comme les autres formes d'art traditionnelles, la bande dessinée commence également par une phase de dessin, il est donc important de trouver le bon ustensile de dessin pour votre processus. Alors que certains dessinateurs préfèrent un crayon en bois avec une avance plus douce qui les aidera à dessiner rapidement, d'autres peuvent préférer le contrôle d'un porte-mine. Une autre option populaire est un crayon bleu sans photo, qui crée des marques qui ne seront pas détectées par un appareil photo ou un scanner pour arts graphiques.

Crayons Palomino Blackwing (Ensemble de 12)

Crayons Blackwing

Blackwing | 24,95 $

Crayon Pentel Graph Gear 500 (0,5 plomb)

Crayon mécanique par Pentel

Pentel | 5,66 $

Crayon sans photo Staedtler

Crayon non photo

Staedtler | 2,16 $

Papier

Le papier le plus populaire pour les dessinateurs est Papier Bristol. Ceci est disponible en deux surfaces différentes: lisse ou vélin. La surface lisse est très appréciée des supports pour stylos et encres car elle permet à l'encre de glisser facilement sur le papier. D'autre part, la surface en vélin peut être utilisée avec une plus large gamme de supports secs et donnera au crayon ou au stylo un peu plus d'adhérence pour travailler avec.

Papier Bristol lisse de la série 300 Strathmore (9 "x 12")

Bristol lisse

Strathmore | 6,73 $

Papier vélin Bristol série 300 Strathmore (11 "x 14")

Papier Bristol

Strathmore | 12,71 $

Règles et boussoles

Un autre outil essentiel que chaque dessinateur devrait avoir sur son bureau de dessin est un règle. Cela vous aidera à mesurer les panneaux et à dessiner des lignes régulières. De même, un boussole ou rapporteur est un excellent ustensile pour vous aider à dessiner des cercles.

Règle en acier inoxydable Blick (12 ″ —24 ″)

Règle de Blick

Blick | 4,72 $ – 7,76 $

Boussole Bow Alvin

Boussole Alvin

Alvin | 19,58 $

Stylo et encre

Une fois que vous avez dessiné, mesuré et rédigé votre bande dessinée, il est temps de la revoir à l'encre. Cela peut être fait de différentes manières, il peut donc falloir quelques essais pour trouver ce qui convient le mieux à votre style et à votre histoire. Certains des outils d'encrage les plus couramment utilisés par les dessinateurs sont stylos plongeurs ou des pinceaux, qui sont utilisés avec encre indienne, rechargeable stylos pinceaux, technique stylos à pointe fine, et stylos.

Ensemble de projet de stylo et de plume de dessin animé Speedball

Ensemble de dessin animé de speedball

Speedball | 9,34 $

Encre de Chine Speedball Super Black Waterproof (2 oz)

Encre indienne

Speedball | 4,28 $

Stylo pinceau Kuretake

Stylo pinceau Kuretake

Kuretake | 31,71 $

Sakura Manga Comic Pro Set – Ensemble d'esquisse et d'encre, lot de 8

Stylos Sakura

Sakura | 18,42 $

Stylo Plume Pilot Metropolitan Collection

Stylo Plume Pilot

Pilot | 21,99 $

Besoin d'un peu plus d'aide avant de commencer? Alors procurez-vous des livres d'art!

Besoin d'une aide supplémentaire avant de commencer à dessiner? Ne pas s'inquiéter! Il existe une variété de manuels de dessin qui vous guideront à travers les tenants et les aboutissants de la création de bandes dessinées.

Faire des bandes dessinées par Lynda Barry

Faire des bandes dessinées

Lynda Barry | 16,19 $

Comprendre les bandes dessinées par Scott McCloud

Comprendre les bandes dessinées

Scott McCloud | 19,99 $

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Travail à domicile

Photo: Photos de Wivoca / Shutterstock

Le travail à domicile est devenu un mode de vie pour beaucoup d'entre nous. Si vous étiez soudainement poussé à faire des affaires depuis votre table à manger et que vous avez maintenant envie d'un espace qui vous appartienne, cherchez de l'aide dans une petite maison élégante. Les hangars de travail à domicile sont devenus extrêmement populaires car ils offrent une intimité et une certaine distance bien nécessaire de vos autres espaces de vie.

Les hangars préfabriqués sont fabriqués par un certain nombre d'entreprises qui offrent différents styles et caractéristiques. Beaucoup mesurent environ 100 pieds carrés. Cela les rend suffisamment grands pour un bureau et des sièges, il est donc temps d'aller au travail, votre environnement dédié sera sans distraction. Et leur commodité ne s'arrête pas là; d'un point de vue logistique, ces structures ne sont pas assez grandes pour nécessiter un permis de construction (bien que vérifiez les réglementations de votre région).

Faites défiler vers le bas pour voir quelques options pour les hangars préfabriqués qui amélioreront votre travail à la maison. Vous ne pouvez pas battre ce trajet!

Les hangars de travail à domicile sont un moyen populaire de se distancier de vos autres espaces de vie.

Mini bureau

Travail à domicile

Photo: Dwellito

Le Mini Office de Dwellito commence petit, avec des modèles de 64 pieds carrés et des tailles allant jusqu'à 112 pieds carrés. Il est conçu avec un espace de travail à l'esprit et les structures plus grandes peuvent accueillir jusqu'à deux bureaux. Vous choisissez les finitions et les extras, qui comprennent une unité de climatisation et un rideau de fenêtre transparent.

Pod de travail Zen

Travail à domicile

Photo: autonome

Autonomous est connu pour son mobilier de bureau, mais il s'est aventuré dans le monde des hangars préfabriqués avec son Zen Work Pod. Minimaliste dans sa conception, l'espace de travail est destiné à promouvoir un style de vie de travail productif. Il n'a pas de détails de conception inutiles et cultive une sensation d'ouverture avec des plafonds voûtés. Cet espace est idéal si vous voulez votre nouvelle configuration maintenant; le pod est livré dans les deux à quatre jours suivant l'achat et l'assemblage peut être fait en moins de 72 heures.

Studio de luxe moderne

Petite maison dans la cour

Photo: Kanga

Peut-être voulez-vous quelque chose de plus qu'un simple espace pour un bureau. Si vous cherchez un moyen de pratiquer le yoga dans votre hangar de travail à domicile, optez pour le Modern Studio Luxe de Kanga. L'espace de 320 pieds carrés a une grande aire ouverte avec de la place pour une salle de bain. Lorsqu'il n'est pas utilisé comme bureau, il peut être une maison d'hôtes pour un visiteur de l'extérieur de la ville.

Hangar moderne

Petite maison dans la cour

Photo: hangar moderne

Déclarant que chaque espace est «fait sur mesure pour vous», Modern-Shed propose trois tailles différentes de structures allant de petite à grande. Vous travaillerez avec un spécialiste de l'entreprise pour créer un abri qui correspond à vos besoins, que ce soit de la place pour un bureau ou quelque chose de plus.

Remise de studio

Petite maison dans la cour

Photo: Remise de studio

Studio Shed crée des espaces de bureau dans une variété de tailles qui peuvent être personnalisés dans leur configurateur 3D. Cela vous permet de concevoir un lieu qui tiendra compte de votre environnement. Des centaines d'orientations de fenêtres et de portes sont possibles afin que vous obteniez toute la lumière naturelle que vous pouvez dans votre bureau.

YardPods

Petite maison dans la cour

Photo: YardPods

Desservant la grande région de la baie de San Francisco, YardPods a quelque chose pour tout le monde, que vous soyez un bricoleur passionné ou que vous préfériez une unité clé en main. Leurs espaces – la plupart mesurant 120 pieds carrés ou moins – peuvent être assemblés par leur équipe ou par vous, en fonction de leurs dessins de construction.

Summerwood

Petite maison dans la cour

Photo: Summerwood

Summerwood possède une variété de structures extérieures, allant des gazebos aux maisonnettes pour enfants en passant par les bureaux pour adultes. Leur Urban Studio a un style élégant et moderne et est un kit personnalisable que vous construirez (ou paierez quelqu'un pour construire) vous-même.

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Une carte interactive révèle comment votre ville natale s'est déplacée sur Terre pendant des millions d'années

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Carte de la Terre ancienne de New York il y a 120 millions d'années

La ville de New York a effectué le tombé sur la carte interactive de la Terre antique établie il y a 120 millions d'années.

Une nouvelle carte interactive permet à quiconque de retracer les changements géographiques de sa ville natale à travers des millions d'années d'histoire de la Terre. Intitulé Ancient Earth, le site est facile à utiliser. Les utilisateurs commencent simplement par déposer une épingle à l'emplacement de leur choix. Ils peuvent ensuite choisir parmi une gamme de dates remontant à 750 millions d'années et observer comment les masses terrestres transportant leur emplacement se sont déplacées, combinées et séparées sur les plaques tectoniques de la Terre.

En plus de suivre leur propre emplacement, les utilisateurs peuvent faire défiler des millions d'années d'histoire. Le globe 3D tourne et tourne un peu comme Google Earth, permettant une vue complète de la Pangée et d'autres formations continentales. Les utilisateurs peuvent même choisir de supprimer les nuages ​​éparpillés sur la surface de la Terre pour obtenir une vue plus claire.

Utile pour les étudiants et les enseignants, un menu déroulant permet aux utilisateurs de trouver des repères monumentaux dans l'histoire de la Terre. Par exemple, les premières plantes terrestres sont apparues il y a 430 millions d'années pendant la période silurienne. Pendant cette période charnière, une extinction massive menaçait les invertébrés marins. Et il y a environ 120 millions d'années, les premières fleurs ont évolué, mais pas dans toutes les régions des États-Unis modernes. Selon une recherche à Sarasota, l'État de Floride et la côte du golfe sont restés sous l'eau jusqu'à il y a environ 35 millions d'années.

Les cartes des anciennes masses continentales et des mers (appelées paléoglobes) ont été élaborées par le géologue Christopher Scotese. L'informaticien et paléontologue Ian Webster les a ensuite visualisés à l'aide de GPlates, un logiciel qui modélise la tectonique des plaques. S'adressant à CNN à propos du projet, Webster a noté: «Cela montre que notre environnement est dynamique et peut changer.» Il a élaboré, en disant: «L'histoire de la Terre est plus longue que nous ne pouvons le concevoir, et la disposition actuelle de la tectonique des plaques et des continents est un accident du temps. Ce sera très différent à l’avenir, et la Terre pourrait nous survivre tous. » Il est facile de penser que le monde est statique, mais la Terre ancienne démontre le drame de la dérive des continents.

Essayez vous-même la carte de la Terre ancienne et apprenez-en plus sur votre ville natale.

La carte interactive Terre ancienne permet aux utilisateurs de suivre l'emplacement de leur ville natale sur la surface de la Terre sur des millions d'années.

NYC Il y a 750 millions d'années, la Terre ancienne

La ville de New York a épinglé sur la carte interactive de la Terre antique établie il y a 750 millions d'années.

Les utilisateurs peuvent parcourir 750 millions d'années de dérive continentale et passer facilement à des événements monumentaux de l'histoire de la Terre.

NYC Il y a 430 millions d'années de la Terre ancienne

La ville de New York a épinglé sur la carte interactive de la Terre antique établie il y a 430 millions d'années.

De nombreuses fonctionnalités utiles rendent la carte interactive facile à utiliser, notamment la suppression des nuages ​​et le zoom pour un examen plus approfondi.

NYC Il y a 90 millions d'années de la Terre ancienne

La ville de New York a épinglé sur la carte interactive de la Terre antique établie il y a 90 millions d'années.

h / t: (IFL Science, CNN)

Toutes les images via Ancient Earth.

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Monde magique des fleurs géantes inspiré par les rituels d'accouplement élaborés des oiseaux-tiges

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Installation à grande échelle par Petrit Halilaj

L'artiste kosovar Petrit Halilaj a créé une installation fantastique, mais profondément personnelle, pour sa première exposition personnelle au Palacio de Cristal de la Reina Sofía à Madrid. Inspiré par les rituels élaborés de parade nuptiale des oiseaux-broussailles, connus pour décorer des structures pour attirer un partenaire, il a accroché d'énormes fleurs à l'intérieur de la véranda en verre.

Le travail de Halilaj aborde souvent les thèmes de la maison, de la nation, de l'amour et de l'identité culturelle. Le spectacle, intitulé À un corbeau et aux ouragans qui ramènent des odeurs d'humains amoureux d'inconnu des endroits, n'est pas différent. Cette fois, l'artiste utilise la nature pour construire un récit très personnel. Les grandes fleurs de forsythia, de palmier, de fleur de cerisier, de pavot, d'oeillet et de lys qui pendent du toit ont été construites en acier et en toile en collaboration avec le partenaire de vie de Halilaj, Álvaro Urbano.

«Je voulais concevoir le Palacio de Cristal comme un lieu de célébration de l'amour», a déclaré Halilaj. Et en démontrant publiquement leur amour, le couple fait une grande déclaration d'acceptation, en particulier lorsque ni la famille de l'artiste ni la société kosovare ne les embrassent pleinement. Cet appel à l'acceptation s'étend également à la propre nation de l'artiste, car le Kosovo n'est pas un État pleinement reconnu. En fait, l'Espagne ne reconnaît pas le Kosovo et est l'un de ses plus grands opposants à l'entrée dans l'Union européenne.

En tant que concept secondaire, l'espace de nidification créé par Halilaj au sein du Palacio de Cristal est lié à son environnement. Il ne peut pas être séparé de son environnement et ensemble, ils fonctionnent comme un tout. En ouvrant les fenêtres et en aménageant des zones d'alimentation pour que les oiseaux pénètrent dans l'espace, il se fond parfaitement à l'intérieur et à l'extérieur. Et en invitant les spectateurs à se promener parmi les immenses structures, il leur demande de réfléchir à leur propre place dans la nature.

L'exposition de Halilaj est la première à s'ouvrir à la Reina Sofía depuis la fermeture du COVID-19. En fait, la pandémie a perturbé l'installation du spectacle. Mais maintenant, après son ouverture en juillet, le monde aura jusqu'au 28 février 2021 pour assumer l'œuvre et contempler cet espace magique.

Pour sa première exposition personnelle en Espagne, l'artiste kosovar Petrit Halilaj a installé d'énormes fleurs au Palacio de Cristal.

Petrit Halilaj - À un corbeau et des ouragans qui, de lieux inconnus, ramènent des odeurs d'humains amoureuxInstallation d'art contemporain par Petrit HalilajInstallation à grande échelle par Petrit Halilaj

L'exposition, présentée jusqu'en février 2021, est un commentaire sur l'amour, l'identité et l'acceptation.

Installation d'art contemporain par Petrit HalilajPetrit Halilaj - À un corbeau et des ouragans qui, de lieux inconnus, ramènent des odeurs d'humains amoureuxPetrit Halilaj - À un corbeau et des ouragans qui, de lieux inconnus, ramènent des odeurs d'humains amoureuxInstallation de fleurs par Petrit HalilajPetrit Halilaj au Palacio de CristalPetrit Halilaj au Palacio de Cristal

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Site Web | Instagram | Facebook

Toutes les photos via ImagenSubliminal (Miguel de Guzmán et Rocío Romero). My Modern Met a accordé l'autorisation de présenter des photos du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

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La peinture murale en 3D de tasses à thé précaires prend vie avec la réalité augmentée

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La peinture murale en 3D de tasses à thé précaires prend vie avec la réalité augmentée

Tasse de thé anamorphique murale par Leon Keer

Le street artiste néerlandais Leon Keer est un maître de l'art en trois dimensions. Il peut transformer n'importe quelle surface plane en une illusion hallucinante à l'aide de peinture. Et pour sa dernière fresque, il a créé Bouleversant, un équilibre complexe de tasses à thé qui semblent sur le point de déborder. Peint à Helsingborg, en Suède, la peinture murale de Keer est un commentaire sur la fragilité de la vie.

«La vie est aussi fragile qu'une tasse de thé», a déclaré Keer à My Modern Met. «Je veux montrer que votre vie peut être bouleversée en un instant. Vous pourriez perdre un être cher. Ou votre maison. C'est pourquoi, sur les tasses de thé, j'ai peint toutes sortes de scénarios apocalyptiques. Des marées noires à la fonte des glaciers, chaque tasse de thé est décorée d'une scène qui explore certaines des difficultés auxquelles notre planète est confrontée. En haut, la dernière tasse est sur le point de basculer et de faire tomber toute la pile.

Pour compléter l'histoire de l'œuvre d'art, Keer a collaboré avec le designer de réalité augmentée Joost Spek. En scannant la peinture murale avec l'application Leon Keer, les tasses à thé se brisent grâce à une animation spéciale. L'incorporation de cette technologie était un nouveau défi pour Keer, car elle l'obligeait à faire correspondre parfaitement sa peinture avec l'animation 3D.

En tant qu'artiste de rue, Keer est non seulement attentif aux aspects techniques de son travail, mais intègre également son art à la communauté. Pour cette raison, les tasses à thé qu'il a sélectionnées n'étaient pas peintes dans n'importe quel style. Au contraire, ils sont basés sur la céramique de Rörstrand. Cette marque suédoise est en affaires depuis 1726 et était immédiatement reconnaissable par les habitants. Cela leur a laissé quelque chose de familier, mais quelque chose qui les ferait également réfléchir à l'avenir.

Bouleversant est une nouvelle fresque murale en 3D réalisée par le street artiste Leon Keer en Suède.

Leon Keer Teacup Mural en SuèdeLeon Keer peignant une peinture muraleTravaux en cours sur la peinture murale en Suède par Leon Keer

Chaque tasse de thé est peinte d'une scène qui revient à la fragilité de la vie.

Détail de la peinture murale de tasse de thé par Leon KeerDétail de la peinture murale anamorphique par Leon KeerLeon Keer Teacup Mural en Suède

À l'aide d'une application spéciale, les téléspectateurs peuvent scanner la peinture murale et la voir prendre vie avec la réalité augmentée.

Voyez comment l'artiste a donné vie à cette incroyable œuvre d'art public.

Leon Keer: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Leon Keer.

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L'artiste peint la plus grande toile du monde pour recueillir 30 millions de dollars pour les enfants dans le besoin [Interview]

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La plus grande peinture du monde par Sacha Jafri

L'artiste Sacha Jafri cherche à faire un grand changement dans le monde en utilisant son art pour collecter des fonds pour les enfants dans le besoin. Depuis mars, il passe son verrouillage COVID-19 à Atlantis The Palm à Dubaï, où il travaille sur ce qui sera la plus grande peinture sur toile au monde. Titré Le voyage de l'humanité, l'immense oeuvre fait partie de son projet Inspiré de l'humanité et sera utilisé pour collecter 30 millions de dollars pour financer des initiatives de santé et d'éducation pour les enfants vivant dans la pauvreté.

Jafri est dans la dernière ligne droite de sa peinture, qui mesure la taille de deux terrains de football, et devrait être achevée sous peu. Puis, en novembre, il sera dévoilé au public à Atlantis The Palm et évalué par le Livre Guinness des Records du Monde pour certifier qu'il s'agit bien du plus grand tableau sur toile au monde. Par la suite, la toile de Jafri sera découpée en 60 peintures plus petites et vendue lors d'une vente aux enchères caritative en décembre.

L'objectif de Jafri pour le projet n'est pas seulement de collecter des fonds pour aider les enfants, mais il est de connecter un milliard de personnes dans le monde dans un effort pour lutter contre certains des efforts dévastateurs que COVID-19 a déployés sur les communautés les plus pauvres du monde. En s'associant à des organisations comme l'UNICEF, l'UNESCO et le HCR, il espère avoir un impact réel sur la vie des enfants du monde entier.

Nous avons eu la chance de parler avec Jafri de ses objectifs pour le projet et de ce que cela fait de réaliser le plus grand tableau du monde. Continuez à lire pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Sacha Jafri crée la plus grande peinture du mondeQuelle a été la force motrice de ce projet?

Après une conversation avec l'UNICEF au début de l'année, mes yeux se sont ouverts sur le fait qu'environ 385 millions d'enfants vivent dans l'extrême pauvreté dans le monde et que ces enfants sont deux fois plus susceptibles de mourir dans leur enfance. Ces chiffres ont presque doublé au cours des quatre derniers mois en raison de la pandémie de COVID-19. Cette pandémie a touché toutes les communautés du monde entier et a coûté la vie à des milliers de personnes, mais elle a également changé notre état d'esprit, ce qui signifie que nous avons une opportunité de changement.

Mon initiative, Inspiré de l'humanité, vise à être un catalyseur d'un véritable changement sociétal à travers le cœur, l'esprit et l'âme des enfants du monde – un tremplin vers un avenir meilleur pour toute l'humanité. Je vise à connecter le monde et à reconnecter l'humanité à nous-mêmes, les uns aux autres et finalement à l'âme de la terre.

Mon tableau Le voyage de l'humanité soutiendra la fourniture d'une éducation, de soins de santé et de connectivité améliorés, et créera des fonds vitaux pour soutenir les zones et les régions les plus pauvres et les plus désespérément dans le besoin de notre planète. J'espère que ma création révolutionnaire aidera à promouvoir davantage le soutien logistique mondial pour la santé et l'assainissement dans les camps de réfugiés, les bidonvilles, les cantons, les bidonvilles, les favelas et les communautés pauvres du monde les plus touchés.

Comment la relation avec l'UNESCO est-elle née et quel est leur rôle dans le projet?

L'UNESCO et l'UNICEF ont été amenés au projet grâce à son excellence Tariq Al Gurg. Cela s'est avéré être un partenariat très puissant et significatif avec la Global Gift Foundation, nous aidant à connecter notre monde, à collecter 30 millions de dollars, à apporter une connexion Internet et une plate-forme éducative nouvellement développée via le net aux plus pauvres et aux plus désespérés, en -a besoin d'enfants de notre monde et pour la première fois donner à ces enfants une chance très réelle pour un nouvel avenir et changer le monde qui les entoure.

La plus grande peinture du monde par Sacha JafriVous êtes-vous déjà imaginé créer le plus grand tableau du monde?

Oui… j'ai le sentiment que 25 ans de ma carrière d'artiste et d'humanitaire m'ont conduit à ce point.

S'attaquer à quelque chose d'aussi grand est un défi uniquement en termes d'organisation de l'exécution. Comment abordez-vous le processus créatif à une si grande échelle?

Rien n'a été planifié, ça s'est développé au fur et à mesure mais après avoir peint 16 à 17 heures par jour pendant six mois, s'abandonnant à quelque chose de plus grand que moi, quelque chose de magique a commencé à se produire.

Le voyage de l'humanité est notre chance pour un avenir meilleur, de peindre collectivement le monde d'une couleur différente. J'ai abordé cette peinture de la même manière que l'une de mes œuvres d'art de taille normale en utilisant des pinceaux ne dépassant pas deux pouces de large. Cela a abouti à 200 à 300 couches de peinture et un récit fort commence à apparaître à travers les couches.

Quelle est la journée moyenne de travail sur ce projet pour vous?

Café, câlin de ma fille, peindre des vêtements et je suis prêt à partir.

De longues journées à peindre parfois jusqu'aux petites heures du matin.

Restez concentré sur la peinture que je crée et notre objectif de collecter 30 millions de dollars pour aider les enfants les plus pauvres de notre monde qui ont le plus désespérément besoin de notre aide.

Artiste Sacha Jafri posant avec sa peinture Le voyage de l'humanitéQu'espérez-vous que les gens retiennent du travail?

Je veux que mon travail agisse comme un choc électrique, électrise nos sens et réveille quelque chose qui est souvent endormi à l'intérieur. Je pense que la chose la plus importante que nous puissions faire en tant qu'adultes est de garder l'enfant vivant en nous tous. J'espère que mon travail nous permettra de nous reconnecter à nous-mêmes, les uns aux autres et, finalement, à "L'âme de la Terre" – rendant à nouveau le banal et trop familier magique, faisant sortir la lumière de l'obscurité pour un plus plein d'espoir, inspiré et dynamisé futur.

Avec ma peinture Le voyage de l'humanité Je vise à connecter notre monde, en nous amenant à un avenir meilleur à travers les cœurs, les esprits et les âmes des enfants de notre monde. J'espère faire cela à travers la marque, la forme, la forme, la couleur et le récit; toujours avec la plus pure énergie et intentions.

Et après?

Le dévoilement du tableau fini à Atlantis the Palm a lieu à la mi-novembre, puis le dîner de gala royal et la vente aux enchères caritative où je découperai le tableau en 60 panneaux. (Je) vise à collecter 30 millions de dollars pour les enfants les plus pauvres du monde qui ont désespérément besoin de notre aide. Tout cela est en passe de devenir le plus grand projet social, artistique et philanthropique de l'histoire, ainsi que la plus grande vente aux enchères en ligne et l'œuvre d'art la plus chère à vendre en ligne. J'ai hâte de contribuer à rendre le monde meilleur grâce au succès de cette vente aux enchères, grâce à nos partenaires caritatifs, l'UNICEF, l'UNESCO, Dubai Cares, la Global Gift Foundation et Atlantis the Palm.

Projet inspiré de l'humanité à Dubaï

Sacha Jafri – Inspiré de l'humanité: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Humanity Inspired.

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L'artiste en carton Sydney Piercey avec des enfants

Une maman basée à Londres a répondu à l'appel de la durabilité d'une manière innovante et amusante. Sydney Piercey recycle et réutilise son excédent de carton en de délicieuses répliques d'objets du quotidien pour que ses enfants puissent en profiter. Commençant par quelques projets (un passe-temps de quarantaine) pour le divertissement des enfants de son quartier, cela a rapidement changé lorsque la jeune fille de Piercey a également attiré l'attention pour les créations. L’amour de Piercey pour la créativité et l’ingénierie s’est accéléré alors qu’elle commençait à réfléchir à différents types d’articles à construire et de matériaux à utiliser.

«Nous achetons de la nourriture pour chiens, de la bière, des lingettes pour bébé et autres en vrac, et ces boîtes retournées deviennent parfaites pour créer des appareils électroménagers», explique Piercey à My Modern Met. Les pièces lui donnent non seulement de nombreuses occasions de poursuivre une pratique quotidienne de la durabilité – quelque chose à laquelle elle s'est engagée – mais ajoutent également une touche divertissante à l'éducation de la petite enfance.

Les charmantes créations de Piercey, axées sur les détails, sont basées sur des objets réels dans sa maison, notamment un grille-pain, un fer à repasser, un lave-vaisselle, une machine à laver et un tourne-disque. Les articles sont équipés de jolis détails tels que des boutons rotatifs, des tiroirs coulissants, des coins de rangement et des éléments coulissants. «J'utilise du ruban recyclable pour tout fixer ensemble», explique Piercey, «et des chutes de carton ou des tubes de papier toilette vides pour créer des mécanismes internes afin que les créations« fonctionnent »aussi.»

Les projets constituent non seulement un défi créatif séduisant pour Piercey, mais aident également à enseigner à son aîné comment utiliser certains articles en toute sécurité et correctement. Au grand plaisir de Piercey, les répliques permettent également à son enfant d'imiter ses actions en temps réel, acquérant ces précieuses compétences de vie. «Cela me procure une grande joie de les produire, non seulement parce que ma fille aime tellement jouer et apprendre avec mes créations, mais aussi pour la satisfaction et le sentiment d'accomplissement que cela me procure. Le sentiment de donner à votre enfant un jouet qu'il aime absolument, ou qu'il a voulu depuis si longtemps, est doublé avec le fait de l'avoir fabriqué pour elle moi-même.

Le travail de Piercey illustre et met l’accent sur la valeur de l’utilisation d’articles (qui autrement iraient simplement dans une poubelle de recyclage) en tant qu’outils utiles pour la conscience environnementale et la parentalité.

L'artiste cartonnière et maman Sydney Piercey crée de délicieuses répliques d'objets réels pour que ses jeunes enfants puissent jouer avec.

Kit d'espionnage de l'artiste en carton Sydney Piercey

Chacune des pièces de Piercey comporte des détails tels que des boutons et des symboles pour aider ses enfants à se familiariser avec les appareils et objets de la vie réelle.

Cardboard Artist Sydney Piercey Baby Macbook

Les métiers de Piercey inspirent de nouvelles façons d'être créatif tout en pratiquant la durabilité.

Carton artiste Sydney Piercey Baby Mac livre

Voici d'autres exemples de ses projets ci-dessous:

Un appareil photo…

Appareil photo de l'artiste en carton Sydney Piercey

Un grille-pain…

Artiste en carton Sydney Piercey grille-pain

Un tourne-disque…

Artiste en carton Sydney Piercey tourne-disque

Un fer à repasser…

Carton artiste Sydney Piercey Iron

Une machine à laver…

Machine à laver Cartonnier Sydney Piercey

… Et un lave-vaisselle (entièrement chargé)!

Cartonnier Sydney Piercey enfant Lave-vaisselleSydney Piercey: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Sydney Piercey.

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Une mère d'épaulard qui a pleuré son veau mort donne naissance à un veau vivant et en bonne santé

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Orques J57 et J35

J35 et J57, respectivement mère et petit, nageant ensemble. (Photo: Katie Jones, Centre de recherche sur les baleines)

Tahlequah, l'épaulard dont le chagrin maternel a été ressenti dans le monde entier en 2018, a donné naissance à un veau vivant. Tahlequah (connue sous le nom de J35 pour les chercheurs) a fait l'actualité mondiale lors de la naissance de son petit il y a deux ans. Cette jeune orque est morte quelques heures après sa naissance. Dans un geste inhabituel, Tahlequah a porté son veau mort en deuil pendant 17 jours lors d'un «Tour of Grief» de 1 000 milles. Cependant, selon le Center for Whale Research, le nouveau veau de Tahlequah «semblait en bonne santé et précoce, nageant vigoureusement aux côtés de sa mère dans son deuxième jour de vie en liberté».

Le Centre for Whale Research est une institution vouée au suivi et à la préservation de la population d'épaulards résidents du sud (SRKW) dans la mer des Salish, les voies navigables côtières entre Vancouver et Seattle. Le 5 septembre, le Centre a entrepris d'enquêter sur les rapports faisant état d'une jeune orque dans le pod J. Ils étaient ravis de trouver le petit nageant aux côtés de Tahlequah, que l'on croyait à nouveau enceinte. La découverte a apporté un certain soulagement. Orca gestation depuis 18 mois et les taux de natalité diminuent en raison du stress nutritionnel et environnemental. Les chercheurs surveilleront de près le veau (connu sous le nom de J57) dans l'espoir qu'il reste en bonne santé.

Little J57 porte à 73 le nombre total d'orques dans le pod J. Les chercheurs estiment que le veau est né le 4 septembre car la nageoire dorsale met un jour à se redresser après la naissance. Le bébé orque apparaît également rosâtre sur son ventre. Ses vaisseaux sanguins reposent sous une peau fine, mais la graisse s'accumule à mesure qu'elle se nourrit. L'isolant de graisse transformera l'estomac du veau du blanc classique d'un épaulard. Les chercheurs espèrent qu'au moins un autre veau naîtra à J pod cette saison.

Pour voir plus de photos de la mère et de son petit, consultez le site Web du Centre for Whale Research. Sur le site, on peut en apprendre davantage sur les menaces auxquelles font face les groupes J, K et L des épaulards résidents du sud. La baisse du nombre est due à l'augmentation du trafic maritime, aux déversements d'hydrocarbures et à l'activité humaine ayant décimé la population de saumon quinnat. Vous pouvez souhaiter bonne chance à ce petit (et à toute sa nacelle) en soutenant les efforts de recherche et de protection des épaulards en voie de disparition.

Tahlequah, l'épaulard qui a porté et pleuré son veau pendant 17 jours en 2018, a de nouveau donné naissance à un veau en bonne santé.

Orca mère et veau nageoires dorsales

La mère et le veau montrent leurs nageoires dorsales. (Photo: Katie Jones, Centre de recherche sur les baleines)

Le Center for Whale Research a enquêté sur les rapports d'un nouveau veau dans la gousse J et a trouvé l'orque d'un jour en train de nager avec sa mère et sa gousse le 5 septembre 2020.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=0gJGQztvIt4 (/ incorporer)

Centre de recherche sur les baleines: site Web | Instagram | Facebook | Twitter | Youtube

h / t: (IFL Science)

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Cyanotype: le processus photographique qui «bleu» tout le monde était absent il y a 170 ans

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Holland Maynard Portrait Cyanotype

Day, F.Hollande, (F.H. Day et Maynard White en costume de marin, portrait), 1911, cyanotype. (Photo: Collection Louise Imogen Guiney, Bibliothèque du Congrès, Division des estampes et des photographies (domaine public))
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Le mot «photographie» dérive des mots grecs signifiant lumière (phōs) et dessin (graphé). On peut donc affirmer que les inventeurs et les photographes ont développé de nombreuses façons innovantes de «dessiner avec la lumière». Une méthode qui a été introduite au 19ème siècle est photographie cyanotype—Un procédé photographique ancien connu pour la teinte bleue brillante (cyan) de l'impression finale.

Il a été développé en 1842 par l'astronome anglais Sir John Herschel, qui cherchait un moyen de faire des copies de ses notes. Les cyanotypes offraient un moyen simple de reproduire des brouillons et des diagrammes. Et comme la photographie couleur n'existait pas encore, elle a fourni une teinte de couleur à des images autrement en noir et blanc. Les cyanotypes sont encore utilisés aujourd'hui comme support d'impression alternatif; cependant, au cours du 20e siècle, à mesure que la photographie et la technologie progressaient, la technique devint quelque peu obsolète. Il est redevenu principalement utilisé pour reproduire des diagrammes architecturaux et des notes de conception. plans.

Newspaper Row, New York

Newspaper Row, New York, v. 1900, cyanotype. (Photo: Library of Congress, Prints & Photographs Division, Detroit Publishing Company Collection (domaine public))

Adopteurs précoces et artistes contemporains utilisant le processus du cyanotype

Alors que le processus de cyanotype était le plus couramment utilisé dans la fabrication de plans, les artistes et les scientifiques ont été attirés par le médium depuis son invention. L'une des premières utilisations du procédé a été Anna Atkins, botaniste et ami de Herschel. Atkins a réalisé des impressions de photogrammes en posant un objet (plutôt qu'un négatif) directement sur la surface sensibilisée. Ses spécimens d'algues séchées ont produit de superbes photogrammes dignes d'être exposés, mais son motif était principalement d'illustrer son livre. Photographies d'algues britanniques: impressions cyanotypiques. En raison de son travail avec le cyanotype, Atkins est considérée comme la première femme photographe.

Cyanotype d'algues Anna Atkins

Photogramme cyanotype d'algues par Anna Atkins. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Produits au XXe siècle, les cyanotypes ont finalement été dépassés par d'autres techniques d'impression. Récemment, des artistes modernes ont relancé le processus pour sa facilité et son attrait esthétique. L'artiste et compositeur suisse américain Christian Marclay a utilisé des procédés de photogramme cyanotype pour capturer des «collages sonores» de cassettes et de disques. La photographe Kate Cordsen crée également des cyanotypes éthérés sur du lin.

Écoliers DC Cyanotype

Johnston, Frances Benjamin. (Enfants faisant de la callisthénie assis à leur bureau dans une salle de classe, écoles publiques de la 5e division, Washington, D.C.), v. 1899, cyanotype. (Photo: Collection Johnston (Frances Benjamin), Bibliothèque du Congrès, Division des estampes et des photographies (domaine public))

Le processus de cyanotype

Comparé à d'autres procédés photographiques, le processus de cyanotype (aka le processus de plan directeur) est chimiquement simple. Des solutions de ferricyanure de potassium et de citrate d'ammonium ferrique sont combinées pour faire un solution de sensibilisation riche en fer. La solution est ensuite brossée uniformément sur du papier, du tissu ou d'autres surfaces poreuses. Les produits chimiques sensibilisateurs réagissent à la lumière lorsqu'ils sont exposés, de sorte que ce revêtement doit avoir lieu dans une faible lumière.

Les feuilles enduites à sec sont placées à la lumière UV comme la lumière du soleil, c'est pourquoi les cyanotypes sont parfois appelés impressions de soleil. Les zones opaques d'un négatif bloquent la lumière tandis que d'autres zones sont exposées. Une réaction chimique des composés de fer a lieu et le papier exposé apparaît jaunâtre ou bronze. La dernière étape est un simple rinçage à l'eau, qui élimine le sensibilisateur non exposé. Sous le jaune sera un brillant bleu dérivé du fer oxydé. Le bleu s'assombrit à mesure que l'impression sèche pour révéler le produit final.

Construction de la Bibliothèque du Congrès, S.W. Court, Washington, D.C., 9 décembre 1891

Handy, Levin C. Construction de la Bibliothèque du Congrès, S.W. Court, Washington, D.C., 9 décembre 1891, cyanotype. (Photo: Photographies panoramiques, Bibliothèque du Congrès, Division des estampes et des photographies (domaine public))

Qu'est-ce que le bleu de Prusse?

Les sections exposées des impressions cyanotypes prennent une couleur spéciale connue sous le nom de bleu de Prusse. Lors du rinçage final, ces pigments restent car le bleu de Prusse ne se dissout pas dans l'eau. Produit par une réaction chimique développée au début du 18e siècle, le bleu de Prusse est devenu un pigment convoité parmi les peintres d'Europe et du Japon (y compris Hokusai). Pour montrer leur richesse, les familles auraient également des pièces de maison peintes dans la teinte profonde.

Katsushika Hokusai Grande vague

Un exemple d'utilisation du pigment bleu de Prusse. Hokusai, Katsushika. La grande vague de Kangawa, première édition c. 1826-1833, réimpression par Adachi de la période Shōwa. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Voici quelques exemples de cyanotypes créés au début du XXe siècle.

Manhattan de Brooklyn Cyanotype

New York de Brooklyn, v. 1901, cyanotype. (Photo: Library of Congress, Prints & Photographs Division, Detroit Publishing Company Collection (domaine public))

Cyanotype du Niagara

(Whirl Pool R) apids, Niagara), v. 1900, cyanotype. (Photo: Library of Congress, Prints & Photographs Division, Detroit Publishing Company Collection (domaine public))

Cyanotype Adirondack

Jackson, William Henry. Ancien moulin à Bartlett's Carry, Round Lake, Adirondack Mountains, v. 1902, cyanotype. (Photo: Library of Congress, Prints & Photographs Division, Detroit Publishing Company Collection (domaine public))

Photographie de cyanotype bricolage

Les cyanotypes sont faciles, amusants et relativement abordables à essayer. Pour les photographes ou artistes plus expérimentés, vous pouvez acheter et mélanger des produits chimiques pour enduire différentes surfaces avec un sensibilisateur. (Voir les instructions ici et ici.) Il existe également des kits de cyanotype disponibles pour les familles ou ceux qui recherchent un processus plus rapide. (Le papier sensibilisé prêt à l'emploi peut également être acheté séparément des fournisseurs d'art.)

Pour ceux qui sont plus habitués à une approche numérique et qui n'ont pas réellement de négatifs de film, vous pouvez utiliser Photoshop (ou un autre programme de retouche photo) pour convertir une photo numérique en noir et blanc en négatif. Ensuite, vous pouvez imprimer votre photo inversée sur un film transparent (en le faisant comme un film négatif).

Ensuite, tout ce dont vous aurez vraiment besoin est la lumière du soleil pour exposer votre papier sensibilisé et de l'eau pour éliminer le sensibilisateur non exposé.

Vous pouvez essayer de créer des cyanotypes en utilisant du papier sensible à la lumière préfabriqué ou des kits de cyanotypes.

Kit de cyanotype

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Galaxie d'Andromède

«La galaxie d'Andromède à bout de bras?» par Nicolas Lefaudeux (France). Gagnant général et Galaxies, gagnant.
Avez-vous déjà rêvé de toucher une galaxie? Cette version de la galaxie d’Andromède semble être à bout de bras parmi les nuages ​​d’étoiles. Malheureusement, ce n'est qu'une illusion, car la galaxie est encore à 2 millions d'années-lumière. Afin d'obtenir l'effet tilt-shift, le photographe a imprimé en 3D une pièce pour maintenir l'appareil photo à un angle au foyer du télescope. Le flou créé par la défocalisation sur les bords du capteur donne cette illusion de proximité avec Andromède.
Télescope réfracteur apochromatique Sky-Watcher Black Diamond 100 mm à f / 9, monture iOptron iEQ30, appareil photo Sony ILCE-7S (modifié), ISO 2000, exposition totale de 2 heures 30 minutes.

Maintenant dans sa 12e année, le concours Insight Investment Astronomy Photographer of the Year continue d'impressionner. Avec plus de 5 000 candidatures d'astrophotographes du monde entier, le niveau de compétition était élevé. Mais au final, le photographe français Nicolas Lefaudeux a remporté le premier prix pour avoir photographié notre galaxie voisine.

Son incroyable photo de la galaxie d'Andromède est un regard créatif sur la galaxie la plus proche de la nôtre. L'effet de décalage d'inclinaison donne l'impression qu'il est à portée de main alors qu'en réalité, il est en fait à deux millions d'années-lumière. «Pour la plupart d'entre nous, la galaxie la plus proche voisine, Andromède, peut également se sentir si distante et hors de portée», a déclaré le juge de la concurrence Ed Robinson. «Pourtant, créer une photographie qui nous donne l'impression qu'elle est juste à notre portée physique est vraiment magique, et quelque peu appropriée car nous nous adaptons après une période aussi éloignée socialement.

Pour ses efforts, Lefaudeux a été nommé photographe de l'année en astronomie 2020 et verra son travail présenté à l'Insight Investment Astronomie Exposition du photographe de l'année au National Maritime Museum. À partir du 23 octobre, l'exposition présentera également tous les finalistes exceptionnels et des images hautement recommandées.

En fait, toutes les images gagnantes sont un régal pour les yeux. Que ce soit en utilisant un télescope pour capturer des corps célestes lointains ou une caméra ordinaire pour documenter des phénomènes colorés comme les aurores boréales, chaque photographe utilise son équipement et ses compétences pour rapprocher l'espace extra-atmosphérique de chez lui. Et avec des candidatures provenant de six continents, le concours est une véritable représentation du talent mondial en astrophotographie.

Découvrez d'autres entrées gagnantes du concours Insight Investment Astronomy Photographer of the Year 2020.

«Le dauphin sautant d'un océan de gaz» de Connor Matherne (USA). Stars & Nebulae, finaliste.
Cette cible est officiellement connue sous le nom de Sh2-308, mais le photographe a toujours aimé l'appeler la nébuleuse du dauphin. C'est une bulle de gaz rejetée par l'étoile bleue brillante au centre de l'image alors qu'elle entre dans sa phase pré-supernova. L'étoile rouge à droite pourrait aussi influencer la forme et pourrait être responsable du bec du dauphin. Même si cela n’explosera pas de notre vivant, voir les signes avant-coureurs est assez soigné. Cela ne fait jamais de mal de dire que les panneaux d'avertissement sont la plus belle partie de cette cible particulière!
Télescope Takahashi TOA-150B à f / 7,3, monture Astro-Physics 1600, caméra FLI ML16200, composite RGB-Ha-OIII, 33 heures d'exposition totale.

Rainbow Sky en Laponie finlandaise

«Peindre le ciel» de Thomas Kast (Allemagne). Skyscapes, gagnant.
Le photographe cherchait un ciel clair en Laponie finlandaise pour capturer la beauté d'une nuit polaire et n'en croyait pas ses yeux quand il a vu ce qui l'attendait derrière les nuages. Les nuages ​​stratosphériques polaires sont quelque chose que le photographe recherche depuis de nombreuses années et n'avait vu que sur des photographies jusqu'à ce jour. Il a emmené son appareil photo sur une rivière gelée pour avoir une bonne vue et a commencé à prendre des photos. Les nuages ​​ont lentement changé de forme et de couleurs. C'était comme regarder quelqu'un peindre, surtout quand le soleil était plus bas – il commençait à prendre un orange plus foncé et les nuances roses devenaient plus fortes.
Appareil photo Nikon D850, objectif 120 mm f / 16, 64 ISO, exposition 1/40 seconde.

Alignement de la Lune et de Jupiter

«Space Between US…» de Łukasz Sujka (Pologne). Planètes, comètes et astéroïdes, gagnant.
Cette image montre l'alignement très proche de la Lune et de Jupiter qui s'est produit le 31 octobre 2019. Dans l'image en pleine résolution, vous verrez que trois des lunes de Jupiter sont également visibles. Ce petit projet est un grand défi qui implique beaucoup de chance et de bonnes conditions d'observation. Capturer ce phénomène à une si grande échelle était assez exigeant en matière d'acquisition de données car Jupiter et la Lune ont traversé le ciel assez rapidement. Cela s'est produit à une altitude de seulement 9 degrés au-dessus de l'horizon. Je voulais montrer l’énorme vide et la taille de l’espace, c’est pourquoi il n’y a pas beaucoup de «rien» entre les deux parties principales de l’image.
Télescope Sky-Watcher Newtonian 10 ″ à f / 4.8, filtre Baader MPCC Coma Corrector, monture Sky-Watcher NEQ-6, caméra ZWO ASI178 MM-C, 300 expositions de 10 millisecondes par canal.

Aurora Borealis en Norvège

«La Dame verte» de Nicholas Roemmelt (Allemagne). Aurorae, gagnant.
Le photographe avait entendu beaucoup d’histoires sur la «dame en vert». Bien qu’il ait eu la chance de photographier les aurores boréales de nombreuses fois, il n’avait jamais vu la «dame verte» auparavant. Lors d'un voyage en Norvège, elle est apparue de manière inattendue avec ses vêtements verts magiques faisant brûler tout le ciel avec des couleurs vertes, bleues et roses.
Appareil photo Canon EOS R, objectif 14 mm f / 1.8, ISO 6400, expositions 4 x 1,6 seconde.

Région centrale de la nébuleuse de Californie

«Waves» de Bence Toth (Hongrie). Prix ​​Sir Patrick Moore du meilleur nouveau venu.
L'image montre la région centrale de la nébuleuse de Californie (NGC 1499). Il essaie de montrer l'immense énergie incontrôlable de la nature, sous une forme qui ressemble aux énormes vagues d'une tempête dans l'océan. Les canaux RVB sont utilisés pour créer les couleurs des étoiles, et toute la nébulosité est synthétisée à partir des canaux hydrogène alpha et SII. L'affectation des couleurs des canaux à bande étroite est effectuée de manière à créer une image proche de la vraie couleur, mais en préservant les détails fins et la profondeur fournis par les filtres à bande étroite.
Télescope Sky-Watcher Quattro 200P à f / 4, monture Sky-Watcher EQ6-R, caméra ZWO ASI1600MM Pro, composite RGB-Ha-SII, exposition totale de 7 heures 50 minutes.

Éclipse lunaire partielle

«Eclipse lunaire partielle HDR avec nuages» par Ethan Roberts (Royaume-Uni). Notre lune, finaliste.
Lors de l'éclipse lunaire partielle de 2019, le photographe a réussi à capturer cette image fantastique de la Lune alors qu'un petit nuage passait devant elle. Vous pouvez voir l'ombre de la Terre en haut à droite et sa couleur orange frappante causée par la lumière du soleil traversant l'atmosphère. Il s'agit d'une image à plage dynamique élevée, ce qui signifie que la région la plus sombre et ombragée est correctement exposée ainsi que les parties beaucoup plus lumineuses de la Lune. Cette technique de traitement permet également de voir les nuages ​​plus clairement, donnant à la Lune une apparence similaire à celle d'une couronne solaire.
Télescope Sky-Watcher Evostar 80ED, monture Sky-Watcher EQ5 SynScan, appareil photo Canon EOS 100D, objectif 600 mm f / 7, ISO 800, composite de 5 secondes, 1 seconde, 1/10 seconde et 1/30 seconde expositions.

Étoiles du désert en Jordanie

«Desert Magic» de Stefan Leibermann (Allemagne). Skyscapes, finaliste.
Le photographe a pris cette image lors d'un voyage à travers la Jordanie. Il est resté trois jours dans le désert du Wadi Rum. Pendant la nuit, le photographe a tenté de capturer l'incroyable ciel étoilé au-dessus du désert. Il a utilisé un dispositif de suivi des étoiles pour capturer le ciel. Le photographe a trouvé cette dune rouge au premier plan et a capturé l'imposant centre de la Voie lactée dans le ciel.
Caméra Sony ILCE 7M3
Ciel: objectif 24 mm f / 2.4, ISO 1000, exposition de 272 secondes
Premier plan: objectif 24 mm f / 8, 800 ISO, exposition de 20 secondes.

Nébuleuse NGC 3576

«Cosmic Inferno» de Peter Ward (Australie). Stars & Nebulae, gagnant.
NGC 3576 est une nébuleuse bien connue dans le ciel du sud, mais elle est représentée ici sans aucune étoile. Le logiciel ne révèle que la nébuleuse, qui a été mappée dans une fausse palette de couleurs. La scène prend l'aspect d'un maelström de feu céleste. L'image est destinée à refléter les images médiatiques prises en Australie en 2019 et 2020, où des feux de brousse massifs ont causé la destruction de forêts indigènes et ont réclamé plus de 12 millions d'acres de terres. Cela montre que la nature peut agir à de vastes échelles et sert d'avertissement brutal que notre planète a besoin d'être nourrie.
Télescope Alluna Optics RC-16 à f / 8, filtre Ha 5 nm, monture Paramount ME II, caméra SBIG STX-16803, 32 expositions de 10 minutes.

Éclipse solaire totale 2019

«145 Seconds of Darkness» de Filip Ogorzeski (Pologne). Notre soleil, finaliste.
Cette image a été capturée lors de l'éclipse solaire totale vue le 2 juillet 2019. Le photographe a parcouru 13 000 kilomètres de la Pologne au Chili pour voir l'éclipse solaire totale. Son plan était de créer l'image la plus minimaliste de cet événement à couper le souffle et de capturer le bref moment où la nature se fige; les oiseaux volent vers leurs nids et la température baisse pendant 145 secondes d'obscurité.
Appareil photo Fujifilm X-T2, objectif Carl Zeiss Touit Planar 32 mm f / 1,8 à f / 5,6, ISO 400, exposition 1/90 seconde.

Grimpeur montant une tour radio la nuit

«Observez le cœur de la galaxie» de Tian Li (Chine). People and Space, finaliste.
Cette image représente le photographe escaladant le radiotélescope et le réseau de radiotélescopes solaires Mingantu. Tout d'abord, le photographe a testé et déplacé son appareil photo pour que les nébuleuses M8 et M20 apparaissent juste à côté du télescope. Après avoir pris l'image au premier plan, il a déplacé un peu son appareil photo tout en pointant vers le même endroit dans le ciel, et a capturé l'arrière-plan avec une monture équatoriale.
Télescope Sigma 135 mm à f / 1.8, monture Sky-Watcher Adventurer, appareil photo Canon EOS 6D (modifié), objectif 135 mm f / 1.8, ISO 1600
Ciel: expositions de 15 x 30 secondes
Premier plan: exposition de 30 secondes.

Cratères colorés sur la lune

«Région du cratère du Tycho aux couleurs» par Alain Paillou (France). Notre lune, gagnante.
Le cratère Tycho est l'un des cratères les plus célèbres de la Lune. Cet impact énorme a laissé des cicatrices très impressionnantes sur la surface de la Lune. Avec les couleurs des sols, Tycho est encore plus impressionnant. Cette image combine une session avec une caméra noir et blanc, pour capturer les détails et la netteté, et une session avec une caméra couleur, pour capturer les couleurs des sols. Ces couleurs proviennent principalement d’oxydes métalliques dans de petites boules de verre et peuvent donner des informations utiles sur la géologie et l’histoire de la Lune. Le bleu montre une concentration élevée en oxyde de titane et le rouge montre une concentration élevée en oxyde de fer. Cette image révèle l'incroyable beauté et la complexité de notre satellite naturel.
Télescope Ceslestron C9.25 à f / 10 et f / 6,3, monture Orion Sirius EQ-G, caméras ZWO ASI178MM et ASI178MC, expositions multiples de 15 millisecondes.

Arbre solitaire en Laponie avec les aurores boréales

«Lone Tree under a Scandinavian Aurora» de Tom Archer (Royaume-Uni). Aurorae, finaliste.
Le photographe a décidé d'explorer à pied autour de l'hôtel lors d'une soirée très fraîche à -35 ° C en Laponie finlandaise. Quand il a trouvé cet arbre, il a décidé d'attendre que les conditions brumeuses changent et ne pouvait pas croire sa chance lorsque le ciel s'est dégagé et que l'aurore est sortie à l'endroit parfait. Le photographe a passé environ une heure à le photographier avant que son appareil photo ne commence à se verrouiller à cause des conditions, mais à ce moment-là, il était heureux de l'appeler une nuit.
Appareil photo Nikon D850, objectif 15 mm f / 2,8, 1000 ISO, exposition de 13 secondes.

«NGC 3628 avec une longue queue de 300 000 années-lumière» par Mark Hanson (USA).
Galaxies, finaliste.
NGC 3628 est une cible de galaxie populaire pour les astrophotographes et les observateurs visuels avec sa voie de poussière distinctive. Des études réalisées par des astronomes professionnels ont montré que l'évolution de certaines galaxies est le produit d'une série de fusions mineures avec des galaxies naines plus petites. Cette image est une entreprise épique de cinq ans d'expositions prises avec trois télescopes différents, bien que la majorité de l'exposition ait eu lieu en 2019. Le but de cette mosaïque ambitieuse est de montrer la queue de marée, mesurant 300 000 années-lumière de longueur, avec suffisamment de profondeur combiné avec un large champ de vision pour le montrer dans son intégralité.
Télescopes Planewave 17, Planewave 24 et RCOS 14,5 à f / 6,8, montures Planewave H200 et Paramount ME, caméra SBIG 16803, composite L-RGB, exposition totale de 54 heures.

Carte de l'entité de la Voie lactée

«Infrared Saturn» de Julie F Hill (Royaume-Uni). Prix ​​Annie Maunder pour l'innovation en image.
Dark River est une œuvre sculpturale qui cartographie, ou reflète, l'entité céleste de la Voie lactée en utilisant l'une des plus grandes images jamais réalisées de ses zones centrales. Faisant référence à la notion d'Elizabeth Kesseler du sublime astronomique, ainsi qu'à l'idée de Gaston Bachelard de «  l'immensité intime '', cette image gigapixel de la Voie lactée, montrant environ 84 millions d'étoiles, est retravaillée en un «  espace affectif '' sculptural qui offre une image corporelle et imaginative engagement avec le spectateur. L’image a été obtenue avec le télescope d’observation VISTA de l’observatoire Paranal de l’ESO au Chili et contient près de neuf milliards de pixels. Il s'agissait d'un fichier incroyablement volumineux à travailler, l'artiste a donc dû le couper en morceaux gérables pour ensuite l'imprimer. Elle a réalisé des sections de 2,2 x 1 mètre, qu'elle a ensuite laborieusement imprimées et collées ensemble à la main pour créer une feuille de 9 x 5 mètres à plat. L'image a été imprimée numériquement à 300 dpi en utilisant des encres pigmentées d'archives, sur un papier japonais léger mais robuste. En créant cette pièce, l'artiste imitait le processus de mosaïque utilisé par les astronomes lors du traitement et de la composition des données. L'artiste a conservé les couleurs naturalistes utilisées par les astronomes pour colorer l'image, ce qui rend le céleste plus terrestre et plus accessible. L'impression en taille réelle est sculptée pour s'adapter à l'espace dans lequel elle est affichée.
Télescope d'étude VISTA, infrarouge J 1,25 μm, infrarouge H 1,65 μm, canaux infrarouges 2,15 μm, ESO / VVV Survey / D. Remerciements Minniti: Ignacio Toledo, Martin Kornmesser.

Albireo double étoile entourée de sentiers de satellites en mouvement

«La prison de la technologie» de Rafael Schmall (Hongrie). People and Space, gagnant.
L'étoile au centre de l'image est l'étoile double Albireo, entourée par les traînées de satellites en mouvement. Combien pourrait-il y en avoir d’autres au moment où nous atteindrons la compétition de l’année prochaine? Il pourrait y avoir des milliers de points mobiles dans le ciel. Afin de créer des astrophotographies, les photographes doivent planifier soigneusement où placer le télescope, et cela sera plus difficile à l'avenir avec plus de satellites sur le chemin.
Télescope astrographique Sky-Watcher Quattro 200/800 (modifié) à f / 4, monture Sky-Watcher EQ6-Pro GOTO, appareil photo Canon EOS 6D, ISO 1600, expositions 5 x 150 secondes.

Alignement planétaire sur l'océan Indien

«Les quatre planètes et la lune» d'Alice Fock Hang (Réunion), 11 ans. Concours jeunesse, lauréate.
Photographier un alignement planétaire demande de la rigueur et de la patience mais aussi beaucoup de chance. Ce soir-là, malgré tout préparer pendant une semaine, le photographe a rencontré des nuages. La magie a commencé après le coucher du soleil, où le coucher de la lune, Vénus, Mercure, l'étoile Antarès, Jupiter et Saturne pouvaient être vus au-dessus de l'océan Indien. En regardant la carte du ciel, le photographe a pu voir que Pluton était là aussi au-dessus de Saturne mais invisible à mon image. A noter également la présence d'Alpha Centuari à gauche de l'image ainsi que notre immense galaxie, la Voie lactée.
Appareil photo Nikon D610, objectif 35 mm f / 3.2, 3200 ISO, expositions 18 x 13 secondes.

Galaxie d'Andromède sur le parc national de Sequoia

"Cours de collision!" par Winslow Barnford (États-Unis), 15 ans. High Commended, Youth Competition.
Il s'agit d'une image de la galaxie d'Andromède (Messier 31) ainsi que de deux galaxies plus petites (Messier 32 et Messier 110). Le photographe a commencé à collecter des données sur cette cible dans le parc national de Sequoia, lors d'un voyage dans le ciel sombre, cependant, en raison de problèmes techniques, il a dû finir l'image de son toit, sous une pollution lumineuse beaucoup plus lourde.
Meade Series 6000 70 mm f / 5 Télescope réfracteur Astrograph Quadruplet APO à f / 5, monture Orion Atlas Pro, appareil photo Nikon D5300, ISO 400-1600, exposition totale de 3 heures.

Vue rapprochée de la surface solaire

«Liquid Sunshine» par Alexandra Hart (Royaume-Uni). Notre soleil, gagnant.
Le minimum solaire peut être vu comme un soleil calme et considéré comme terne en lumière blanche, mais si vous regardez de près la structure à petite échelle, la surface est vivante avec le mouvement. Cette surface mesure environ 100 kilomètres d'épaisseur et le mouvement toujours en ébullition de ces cellules de convection circule pendant environ 15 à 20 minutes. Ils mesurent environ 1000 kilomètres et créent une belle structure de «pavage fou» dont nous pouvons profiter.
Télescope Celestron C11 XLT Schmidt-Cassegrain à f / 50, filtre solaire continu Baader avec film AstroSolar ND3.8, monture Sky-Watcher EQ6 Pro, caméra ZWO-ASI174MM, exposition de 8,431 millisecondes.

Image d'Uranus

«The Outer Reaches» de Martin Lewis (Royaume-Uni). Planètes, comètes et astéroïdes, gagnant.
Le 3 décembre 2019, le nuage s'est dissipé vers le milieu de la soirée pour révéler un ciel exceptionnellement stable au-dessus de la maison du photographe au Royaume-Uni. Tirant le meilleur parti des conditions, il a tourné son télescope vers la planète lointaine Uranus et a commencé à collecter des images vidéo à l'aide d'un filtre infrarouge pour faire ressortir les détails des nuages ​​sur cette planète visuellement fade. Pour obtenir les meilleures images, un photographe doit faire la moyenne du meilleur de nombreuses expositions courtes. Pour un objet aussi faible qu'Uranus, cela signifie que les cadres individuels sont très bruyants. Cette nuit-là, même à travers ces cadres de prévisualisation bruyants, la région polaire plus claire pouvait être facilement vue – une situation des plus exceptionnelles et un témoignage du ciel stable cette nuit-là.
Télescope à réflecteur dobsonien newtonien de 444 mm à f / 12,1, filtre Astronomik 610 nm, support de plate-forme de suivi équatorial construit à la maison, caméra ZWO ASI290MM
Uranus: 13 500 x expositions de 8,6 millisecondes
Lunes: expositions de 1170 x 100 millisecondes.

Photographe de l'année en astronomie d'Insight Investment: site Web

My Modern Met a autorisé l'utilisation de photos de l'Observatoire royal de Greenwich.

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Mattel lance la poupée Barbie «Day of the Dead» pour célébrer le «Dia de Muertos» du Mexique

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Poupée Barbie Dia De Muertos

Lorsque Mattel a sorti sa première poupée Barbie inspirée de Día de los Muertos en 2019, elle a été un énorme succès et a été instantanément épuisée. Cette année, le fabricant de jouets célèbre à nouveau le «Jour des morts» mexicain avec une toute nouvelle poupée qui est tout aussi belle que la précédente.

«Mon espoir pour ces poupées est qu’elles seront en mesure de sensibiliser davantage à la célébration de Dia de Muertos», déclare le créateur de la poupée, Javier Meabe. «La célébration du Dia de Muertos est très importante car elle honore et respecte la famille et les amis qui ne sont plus avec nous.» La superbe Barbie célèbre la tradition et la culture des Mexicains, leur permettant de se voir en elle.

Meabe voulait s'assurer que la deuxième version de la poupée Barbie Dia de Muertos était tout aussi spéciale que la première, il a donc passé beaucoup de temps à réfléchir aux petits détails. «La recherche est toujours la première chose que je fais avant de mettre mon crayon sur du papier», révèle-t-il. «Alors, j'ai regardé de nouveaux éléments que nous pourrions introduire dans la deuxième poupée. L'ajout de nouvelles textures, tissus, fleurs et une nouvelle silhouette de robe étaient des moyens d'introduire les nouveaux éléments de la deuxième poupée tout en conservant les éléments traditionnels qui sont importants pour la célébration de Dia de Muertos.

La nouvelle poupée Dia De Muertos présente un visage peint avec un charmant dessin de calavera («calavera» signifie «crâne» en espagnol), ainsi qu'une couronne de roses et de soucis dans ses cheveux. Les soucis sont particulièrement importants dans la tradition Dia de Muertos. Avec leur couleur vibrante et leur parfum puissant, ils sont censés aider à guider les esprits vers les autels construits pour eux par leurs proches.

La caractéristique la plus remarquable de cette poupée en édition limitée est peut-être sa robe en dentelle extravagante de couleur blush. Il présente de minuscules ornements nacrés et s'ouvre légèrement sur le devant pour révéler une deuxième couche de tissu à motifs, brodée de motifs floraux et squelettiques. Elle capte certainement l'énergie vibrante des vacances mexicaines.

Découvrez la poupée Barbie Dia De Muertos ci-dessous et achetez la vôtre sur le site Web de Barbie.

Vous voulez en savoir plus sur les traditions de Dia De Muertos? Voici comment le Mexique célèbre son «Jour des morts» annuel.

Mattel vient de sortir une nouvelle poupée Barbie «Day of the Dead» pour 2020.

Poupée Barbie Dia De Muertos

La nouvelle poupée Dia De Muertos célèbre la fête mexicaine et honore la tradition avec des détails bien pensés.

Barbie du jour des mortsBarbie du jour des mortsPoupée Barbie Dia De Muertos

Voici la poupée Dia de Muertos de 2019, qui a été un énorme succès!

Poupée Barbie Dia De Muertos

Mattel prévoit de fabriquer une nouvelle poupée d'inspiration mexicaine chaque année.

Poupée Barbie Dia De MuertosBarbie: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (soie dentaire)

Toutes les images via Barbie / Mattel.

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Finalistes hilarants des Comedy Wildlife Photography Awards 2020

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Ours bruns au lac Kuril, Kamtchatka

«Nous avons tous cet ami» © ️ Yarin Klein / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Ours bruns, Lieu: lac Kuril, Kamtchatka

Nous pourrions tous rire et, comme d'habitude, les Comedy Wildlife Photography Awards sont un excellent moyen de voir à quel point les animaux sont vraiment drôles. Un regard sur les finalistes 2020 est un incroyable échantillon de la faune du monde entier et une plongée dans la lumière et l'humour que ces animaux possèdent.

Du veau éléphant maladroit au macareux moine gourmand, chaque animal affiche sa propre marque unique de drôles. Bien que cet aspect plus léger de la faune ne soit pas souvent mis en évidence, les récompenses utilisent cette légèreté pour attirer l'attention nécessaire sur les problèmes de conservation. À cette fin, les prix ont cultivé une relation continue avec son partenaire Born Free Foundation, une organisation à but non lucratif qui œuvre pour permettre aux animaux de vivre dans la dignité et le respect.

Des photographes du monde entier ont été invités à soumettre leurs meilleures photographies au concours et le champ de compétition a été réduit à 44 images. Un jury d'experts – qui comprend les fondateurs des prix Paul Joynson-Hicks et Tom Sullam ainsi que des défenseurs de l'environnement et des photographes animaliers comme Will Burrard-Lucas – aura maintenant la tâche difficile de choisir les gagnants.

La catégorie et les gagnants seront annoncés le 22 octobre lors d'une cérémonie en ligne. L'image du haut remportera un incroyable safari d'une semaine avec Serian d'Alex Walker dans le Masai Mara, au Kenya, ainsi qu'un trophée unique fait à la main du Art Garage à Dar es Salaam, en Tanzanie.

Découvrez une sélection des incroyables finalistes des Comedy Wildlife Photography Awards 2020.

Veau éléphant tombant en Namibie

«Faceplant» © ️ Tim Hearn / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Éléphant d'Afrique, Lieu: Namibie

Renard en Israël regardant une souris

«Négociations difficiles» © ️ Ayala Fishaimer / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Fox, Lieu: Israël

Mangouste naine au Kenya

«Surprise Smiles» © ️ Asaf Sereth / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Dwarf Mongoose, Lieu: Lac Bogoria, Kenya

Deux macareux de l'Atlantique

«Sérieusement, voudriez-vous en partager» © ️ Krisztina Scheef / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Atlantic Puffin, Location: Scotland, UK

Sparisoma cretense aux îles Canaries

«Smiley» © ️ Arthur Telle Thiemenn / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Sparisoma cretense, Lieu: El Hierro, Îles Canaries

Deux girafes au parc national d'Etosha

«Crashing into the picture» © ️ Brigitte Alcalay Marcon / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Girafe,
Lieu: Parc national d'Etosha, Namibie

Sceau en riant en se couchant sur un morceau de bois

«Avoir un rire» © ️ Ken Crossan / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Common Seal, Lieu: Caithness, Écosse

Deux lions dans le désert du Kalahari

«Répandre les potins sur la faune» © ️ Bernhard Esterer / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Lions,
Lieu: Désert du Kalahari

Raton laveur suspendu à une branche

«Just Chillin '» © ️ Jill Neff / Comedy Wildlife Photo Awards 2020.
Animal: Raccoon, Lieu: Jackson, OH, USA

Tortue qui ressemble à retourner l'oiseau

«Terry la tortue retournant l'oiseau» © ️ Mark Fitzpatrick / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Turtle, Lieu: Lady Elliot Island, Queensland Australie

Manchots papous dans les îles Falkland

«Je pourrais vomir» © ️ Christina Holfelder / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Gentoo Penguin, Lieu: Îles Falkland

Macaque à Bali

«Macaque prenant la pose» © ️ Luis Martí / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Macaque, Lieu: Temple d'Uluwatu, Bali.

Grizzly Bears au parc national de Grand Teton

«Je pense que ce pneu va être crevé» © ️ Kay Kotzian / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Grizzly Bears, Lieu: Parc national de Grand Teton

Éléphants des mers du Sud en Patagonie

«Je devais rester tard au travail» © ️ Luis Burgueño / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: éléphant de mer du Sud (Mirounga), emplacement: Isla Escondida, Chubut. Patagonie Argentine

Spermophile en Hongrie

«O Sole Mio» © ️ Roland Kranitz / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Spermophile, Lieu: Hongrie

Écureuil roux eurasien

«La blague à l'intérieur» © ️ Femke van Willigen / Comedy Wildlife Photo Awards 2020.
Animal: Écureuil roux eurasien, Lieu: Espelo, Pays-Bas

Éléphant et son veau mangeant la jacinthe

«Attends maman, regarde ce que j'ai pour toi!» © ️ Kunal Gupta / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: éléphant et veau,
Lieu: Kaziranga, Inde

Deux hippopotames dans l'eau à la réserve nationale du Masai Mara

«Hippo qui rit» © ️ Manoj Shah / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Hippopotame, Lieu: Réserve nationale du Masai Mara, Kenya

Langur en Inde

«Fun For All Ages» © ️ Thomas Vijayan / Comedy Wildlife Photo Awards 2020. Animal: Langur, Lieu: Kabini, Inde

Comedy Wildlife Photography Awards: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos aux Comedy Wildlife Photography Awards.

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L'artiste sculpte méticuleusement à la main des scènes complexes dans des feuilles

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Art de la feuille

Avez-vous déjà fait un «visage de feuille» en pliant le feuillage en deux avant de couper deux yeux et une bouche? Loin de ces créations d'enfance déformées, un artiste japonais connu sous le nom de lito_leafart sur Instagram amène l'art des feuilles à un tout autre niveau avec ses designs incroyablement complexes. Il sculpte méticuleusement des scènes entières sur les surfaces délicates et vertes.

Des bestioles au supermarché à une famille de pingouins au sommet d'une tortue, les créations mignonnes de lito_leafart sont non seulement impressionnantes coupées à la main, mais aussi incroyablement imaginatives. Chaque motif de feuille raconte sa propre histoire, comme une illustration de livre fantaisiste pour enfants qui peut être tenue dans la paume de votre main. L'artiste tient chacune de ses feuilles au ciel avant de la photographier, permettant à la lumière du soleil de révéler les nombreux petits détails.

Bien que chaque feuille finisse par se faner, le portefeuille de lito_leafart continue de croître. L'artiste talentueux – qui a le TDAH – fait une œuvre d'art de la feuille par jour, pour se concentrer et se calmer. Chaque feuille met en valeur son incroyable patience et sa capacité artistique.

Découvrez les feuilles de lito_leafart ci-dessous et suivez-le sur Instagram pour en voir encore plus.

Un artiste japonais connu sous le nom de lito_leafart crée un art des feuilles incroyablement complexe.

Art de la feuille Art de la feuille

Ses créations mignonnes sont non seulement impressionnantes coupées à la main, mais incroyablement imaginatives.

Art de la feuille Art de la feuille par lito_leafart

L'artiste talentueux – qui a le TDAH – fait un dessin découpé par jour, comme moyen de se concentrer et de se calmer.

Art de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille Art de la feuille Art de la feuille Art de la feuille Art de la feuille Art de la feuille Art de la feuille par lito_leafartArt de la feuilleArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille Art de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille par lito_leafartArt de la feuille lito_leafart: Instagram | Twitter
h / t: (Boing Boing)

Toutes les images via lito_leafart.

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Art de la feuille coupée

L'artiste met à jour les robes de princesse Disney avec des designs incroyablement modernes

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Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Tiana et le prince Naveen

L'artiste Marta Sánchez García offre aux princesses Disney une nouvelle garde-robe. Elle dessine des belles animées emblématiques, comme Cendrillon et la princesse Jasmine, portant de nouveaux modèles de vêtements qui correspondent à la personnalité et au style uniques de chaque personnage.

«J'ai basé la refonte de la robe des princesses sur les poupées que Disney a lancées récemment, en particulier leur Mascarade de minuit Collection », dit García. «Les robes et les dessins de la collection sont tout simplement incroyables, mais quand j'ai réalisé qu'ils ne seraient visibles que sur les poupées, je me suis demandé:« À quoi ressembleraient les princesses dans ces nouveaux modèles dans les films réels? Alors je suis allé de l'avant et je les ai dessinés avec les robes.

Dans chacune de ses illustrations de fan art, l'artiste parvient à capturer le style emblématique de Disney, donnant l'impression que nous regardons une image du film respectif dans lequel chaque princesse joue. La Belle au bois dormant porte une robe violette frappante avec des broderies dorées, Tiana modèle une robe verte sans manches et un manteau transparent, et Blanche-Neige scintille dans une robe incrustée de strass. Cependant, les relookings de mode de García ne se limitent pas aux princesses. D'autres héroïnes bien-aimées comme Meg de Hercule et Esmeralda de Le Bossu de Notre Dame recevez également de nouveaux looks exquis qui captent leur individualité.

Faites défiler vers le bas pour voir certaines des refontes spectaculaires de García et suivez l'artiste sur Instagram pour plus de fanart de princesse Disney.

L'artiste Marta Sánchez García redessine les robes datées des princesses Disney.

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Princesse Jasmine

Ces robes spectaculairement mises à jour sont inspirées de Disney Mascarade de minuit collection de poupées.

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

La belle au bois dormant

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Pocahontas

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Blanc comme neige

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Cendrillon

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Belle

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Meg

Disney Princess Fanart par Maria Sanchez Garcia

Esmeralda

Marta Sánchez García: Instagram

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600 femmes du monde entier ont créé une «couverture de guérison» pour lutter contre la violence sexiste [Interview]

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Femmes avec couverture de guérison

Lorsque Marietta Bernstorff a lu l’histoire de la mort violente d’une jeune femme, elle l’a complètement secouée. L'une des vérités les plus déchirantes de la question était que ce type de violence contre une femme n'était pas rare. Elle a continué à apprendre qu'en 2019 seulement, 10 femmes / filles par jour étaient assassinées au Mexique. De plus, la violence contre les femmes dans le monde avait augmenté pendant l'épidémie de COVID-19. Ces faits l'ont amenée à découvrir ce que les Nations Unies ont appelé la «pandémie de l'ombre». Bernstorff passionnée avait observé et puisé son inspiration dans les différentes manifestations de groupes féministes qui avaient déjà lieu à Mexico (où elle est basée), mais elle savait qu'elle devait également agir.

«Un groupe de femmes amies, du Mexique et des États-Unis; artistes écrivains, militants, enseignants, guérisseurs savaient que nous devions faire quelque chose contre cette violence, mais quoi? et comment?" Bernstrorff raconte. Alors, elle a lancé l'initiative intitulée La couverture de guérison patchwork / La Manta de Curacíon. Accompagné d'un groupe d'artistes d'Oaxaca et de Mexico (tous des femmes), Bernstroff a invité des femmes et des créateurs du Mexique et du monde entier à réaliser un projet d'art textile international pièce par pièce et pays par pays qui unirait générations de femmes dans un mouvement mondial contre la violence sexiste.

Le résultat est 600 patchworks différents et dynamiques qui ont été envoyés au groupe de Bernstorff du monde entier – du Mexique à l'Argentine aux États-Unis à l'Allemagne et au-delà. Chaque «couverture de guérison» est maintenant exposée numériquement dans une galerie virtuelle par SPARC pour que quiconque puisse «marcher» et voir, peu importe où ils se trouvent dans le monde.

Nous avons eu l'occasion de parler avec Marietta et d'obtenir plus d'informations sur la façon dont elle a rassemblé 600 pièces du monde entier pour assembler une histoire qui inspire la résilience et la guérison. Continuez à lire pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Couverture de guérisonPouvez-vous nous parler des pièces et des personnes impliquées dans La couverture de guérison patchwork / La Manta de Curacíon?

Les 600 pièces de l'exposition provenaient de femmes et d'enfants âgés de huit à 78 ans. Les sujets sur lesquels nous avons demandé aux femmes de travailler étaient la violence contre les femmes, les enfants et la Terre Mère!

Chaque pièce de patchwork est unique car ces femmes viennent de toutes les régions du monde et le langage visuel qu'elles utilisent dépend de leur pays d'origine et de la manière dont elles choisissent d'interpréter ces problèmes. De toute évidence, le Mexique a en ce moment beaucoup plus de pièces puisque le projet est basé dans ce pays.

Les femmes utilisent différentes techniques de broderie, crochet, patchwork, appliqué, peinture, gravure et photographie. Beaucoup ont des mots écrits ou brodés sur ces actes de violence. Nous avons des écrivains et des journalistes qui se sont également joints à nous pour travailler avec divers groupes d'enfants. Comme les 100 pièces réalisées par des petites filles dans une école primaire de Juchitán, Oaxaca où le journaliste a organisé la participation avec un professeur d'art et un psychologue scolaire. (Son texte sur ces patchworks est dans l'exposition).

Chacune de ces œuvres d'art a été réalisée soit par un artiste individuel, soit en groupe réunissant des femmes et des enfants pour produire leurs œuvres. Ce que vous voyez et ressentez lorsque vous voyez chaque pièce, c'est l'énergie que ces femmes et ces enfants ont lorsqu'ils méditent et contemplent ces problèmes en brodant, crochetant, cousant, patchwork, appliqué, peignant, imprimant chaque pièce. C'est le processus de guérison en fabriquant ces pièces que nous commençons à entamer un dialogue mondial entre les femmes.

La courtepointe massive comprend des pièces soumises d'une douzaine de pays à travers le monde.

Couverture de guérisonLes couvertures de guérison semblent afficher différentes formes d'art de différents coins du monde. Y a-t-il eu des médiums ou techniques communs soumis en fonction de la région?

Les techniques varient, mais de nombreux participants mexicains utilisent la broderie, qui est très populaire dans tout le Mexique, en particulier dans les communautés autochtones. Récemment, les filles de jeunes féministes utilisent cette technique comme moyen de protestation sociale dans toute l'Amérique latine. Les artistes européens utilisent la peinture, la gravure et la photographie.

Quant aux femmes du Canada et des États-Unis, beaucoup ont utilisé des méthodes de patchwork et d'appliqué avec la broderie, qui se transmettent depuis des générations comme au Mexique. Nous encourageons les femmes à penser à reprendre les connaissances transmises par leurs mères et leurs grands-mères, des techniques considérées comme des œuvres féminines, un métier non valorisé dans le «grand art». Nous pensons que toutes les techniques sont valides et peuvent être utilisées dans ce discours d'art social pour le changement social.

Couverture de guérison patchwork à Zocalo, MexicoQu'espérez-vous que les gens retiennent de ce projet puissant? Que doivent-ils garder à l'esprit?

Il est non-violent, créatif et de nombreuses conversations commenceront à se développer pour aider chaque communauté à exprimer et à dialoguer sur la violence que les femmes / enfants / la Terre nourricière vivent dans leurs communautés et pays. À travers ce concept, nous développerons des idées pour arrêter cette pandémie que nous avons trop longtemps négligée.

Nous ne sommes pas un groupe religieux mais plutôt un groupe de guérison spirituelle de femmes qui utilisent les concepts de tissu, de patchwork pour reprendre nos forces, nos voix et nos connaissances de guérison qui sont grandement nécessaires dans le monde aujourd'hui.

Quand on travaille dans des projets d'art social, ce n'est pas seulement théorique mais en fait pratique, comprendre le terme communauté, et ce que signifie vraiment l'art social. L'art social peut enseigner et inspirer les communautés et enseigner aux gouvernements à quel point l'art est d'une importance vitale pour le développement d'une société plus saine, pas seulement un article de luxe à voir ou à acheter. L'art / la culture a une valeur énorme pour nos sociétés, il peut influencer, former et façonner nos sociétés comme il l'a fait dans la civilisation ancienne. C'est une forme de communication qui peut nous permettre d'être des visionnaires.

Cette exposition montre au spectateur que toutes ces pièces réunies ne concernent pas un artiste mais la construction d'une communauté entre chaque femme. Une pratique artistique qui touche un secteur plus large de la société et partage nos histoires, qui peut nous aider à commencer à arrêter cette violence et cette folie qui détruisent notre planète.

Femmes avec couverture de guérisonEnvisagez-vous de poursuivre ce projet avec de plus en plus de femmes souhaitant y participer?

Les femmes de tous âges sont invitées à participer du monde entier à ce projet jusqu'à ce que «nous, les femmes», comprenions la gravité de ces problèmes et formions une unité sur la manière de faire en sorte que les hommes et les gouvernements arrêtent la violence contre les femmes, les enfants et la Terre Mère . Ce sera une œuvre d'art public en cours qui parcourra les villes et les pays.

En tant que conservateur d'art social depuis 25 ans, je sais qu'il faut enseigner à une communauté (locale ou mondiale) que l'art est un puissant outil de justice. C'est un catalyseur de transformation personnelle. Lorsque vous pouvez exprimer cette douleur ou cette colère de manière non violente, vous pouvez vous guérir vous-même, votre famille et votre communauté.

Couverture de guérison patchwork

La couverture de guérison Patchwork: Facebook | Site Web | Instagram
Marietta Bernstorff: Instagram

My Modern Met a obtenu la permission de présenter des photos par le Centre de ressources d'art public et social (SPARC).

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La vidéo sous-marine capture la façon inhabituelle de manger des flamants roses

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Flamant sous-marin nourrissant le zoo de San Diego

Vous êtes-vous déjà demandé comment les flamants roses mangent avec leurs factures courbes? Le zoo de San Diego éduque le public sur les habitudes alimentaires des flamants roses avec une nouvelle vidéo montrant les oiseaux brillamment roses qui se nourrissent sous l'eau. La vidéo a été prise au moment du repas des oiseaux par une caméra sous-marine placée à l'intérieur de la piscine d'alimentation des flamants roses du zoo.

Dans la vidéo, les oiseaux trempent leurs becs crochus pour effleurer le fond. Le zoo explique que les flamants roses mangent naturellement sous l'eau et avec leurs factures presque à l'envers. Leurs factures aspirent l'eau environnante, qui est ensuite passée à travers des plaques de saumure (appelées lamelles) qui filtrent l'eau pour des friandises savoureuses. Les crevettes, les mouches à saumure, les algues et autres petits animaux marins sont piégés dans la bouche du flamant rose pour être consommés. L'eau, la boue et les débris sont ensuite expulsés des côtés du bec. Le mouvement de la langue du flamant rose alimente ce système de filtration d'alimentation.

Le zoo de San Diego dit en plaisantant: "Everybirdy aime les fruits de mer!" Cependant, les téléspectateurs verront que le bassin d'alimentation n'est pas rempli de véritables créatures marines. Les gardiens de zoo du zoo de San Diego utilisent un régime spécial aux granulés riche en nutriments. Lorsqu'ils sont dispersés dans l'eau, les flamants roses peuvent manger comme s'ils vivaient à l'état sauvage. Les pigments caroténoïdes trouvés dans leurs sources de nourriture naturelles doivent être reproduits dans ces pastilles – l'ingestion de ces pigments donne aux flamants roses leurs plumes roses caractéristiques.

Faites défiler vers le bas pour regarder les flamants roses se nourrir sous l'eau et être enchanté par ces oiseaux flamboyants.

Une vidéo sous-marine du zoo de San Diego montre l'heure des repas dans la piscine d'alimentation des flamants roses.

Flamant sous-marin nourrissant le zoo de San Diego

Les flamants roses mangent sous l'eau avec leur bec à l'envers. Des plaques de saumure spéciales (appelées lamelles) dans leurs becs crochus filtrent les crevettes, les mouches à saumure et les mollusques pour que le flamant rose les mange.

Diagramme de projet de loi du zoo de San Diego

Photo: Photos de NICOLAS PRIMOLA / Shutterstock

Regardez une frénésie d'alimentation de flamants roses filmée au zoo de San Diego.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=-1BF2XqboOo (/ embarqué)

h / t: (PetaPixel)

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Un chien adorable pose fièrement à côté de son énorme collection de plus de 50 bâtons

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Bruce le Golden Retriever Stick Collection

Nommés d'après ce qu'ils font de mieux, les golden retrievers adorent récupérer. Il y a un chien en particulier qui s'est récemment surpassé, cependant. Rencontrez Bruce, le golden retriever de 4 ans qui est un collectionneur passionné de bâtons.

Comme la plupart des chiens, Bruce avait un bâton préféré, mais il s'est perdu sous un pied de neige lors d'une tempête hivernale. «Il a commencé sa collection de bâtons après qu'une neige massive est arrivée dans notre région et a laissé environ 12 pouces de neige sur le sol», explique l'homme de Bruce, Leo Icenhour. «À l'époque, il n'avait qu'un seul bâton et c'était son favori absolu. Eh bien, il a commencé à neiger un soir et il a laissé le bâton dans notre champ. Au cours des deux jours suivants, il était dans une frénésie absolue chaque fois que nous sortions, cherchant sans relâche son bâton. Il creuserait comme un fou et enfouirait même sa tête dans la neige en essayant de le trouver! Depuis lors, Bruce collectionne de nouveaux bâtons lors de ses promenades quotidiennes, et il en a accumulé plus de 50!

Des petits morceaux de bois flotté aux longues branches d'arbres, la collection de Bruce montre qu'il aime les bâtons de toutes formes et tailles. Cependant, aucun d'entre eux ne se compare à l'original qu'il a perdu. Heureusement, le temps s'est réchauffé et Bruce a pu le retrouver. «Après quelques jours de soleil a fait fondre suffisamment de neige, il a finalement trouvé de l'or en creusant et a trouvé son précieux bâton», raconte Icenhour. «Je crois qu'à partir de ce moment, il n'a plus jamais voulu être sans bâton, alors il a commencé la collection.

Bien que Bruce soit représenté fier à côté de son impressionnante collection de bâtons, il n'est en fait autorisé à jouer avec aucun d'entre eux à cause d'un accident survenu il y a deux ans. "Nous avons vécu beaucoup de choses l'un avec l'autre car il a failli perdre la vie après qu'un bâton a perforé son œsophage alors que nous jouions chercher le jour de son 2e anniversaire", se souvient Icenhour. «À partir de là, nous avons commencé à jouer avec un bâton en caoutchouc à des fins de récupération et Bruce a commencé à construire sa collection de bâtons!» Bruce apprécie toujours la vraie chose, et admire chaque bâton chaque jour quand il entre et sort de sa maison. Le fait qu'ils soient uniquement en affichage les rend encore plus spéciaux.

Découvrez Bruce et son musée des bâtons ci-dessous. Si vous ne pouvez pas en avoir assez de cet adorable chiot, vous pouvez trouver plus de photos de lui sur l'Instagram d'Icenhour.

Rencontrez Bruce, le golden retriever de 4 ans qui est un collectionneur passionné de bâtons.

Bruce le Golden Retriever Stick Collection

Il en a plus de 50!

Bruce le Golden Retriever Stick Collection

Le passe-temps de Bruce à ramasser des bâtons a commencé lorsque son bâton préféré a été perdu sous un pied de neige en hiver.

Bruce le Golden Retriever Stick Collection

Heureusement, le temps s'est réchauffé et Bruce a pu le retrouver.

Bruce le Golden Retriever Stick CollectionBruce le Golden Retriever Stick CollectionBruce le Golden Retriever Stick CollectionBruce le Golden Retriever Stick CollectionLeo Icenhour: Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Leo Icenhour.

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L'artiste recrée le dessin de dragon pour montrer ce que des années de pratique dédiée font pour votre art

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Dessin d'un dragon et de chevaliers

Si vous êtes un artiste, vous savez probablement que la meilleure façon d’améliorer vos compétences est de vous entraîner. Et nous ne parlons pas de temps en temps – le dévouement est la clé. Lorsque vous êtes au début de votre parcours de dessin et que vous voulez vraiment que votre art soit meilleur, il peut être difficile d'imaginer à quoi cela ressemble. Mais, jetez un œil au travail d'Asur Misoa; Elle a récemment partagé ses œuvres à différentes étapes de son développement de dessin et prouve que la pratique peut amener votre travail dans des endroits que vous n'auriez jamais imaginés. Elle a publié trois images de son art – de 2006, 2016 et 2020 – représentant chacune un dragon et des chevaliers. Les différences chaque année sont incroyables et ne manqueront pas de vous inspirer.

L'inspiration pour l'œuvre initiale est venue à la demande du petit ami de Misoa. «J'ai peint cette scène pour la première fois en 2006», raconte-t-elle à My Modern Met, «parce que mon petit ami m'a demandé une peinture épique pour son anniversaire. Il savait que j'aimais dessiner et pensait que j'étais talentueux. Mais le résultat n’était pas ce qu’elle voulait et cela la décourageait. «Je ne copiais que les artistes que j'aimais jusqu'à présent», explique-t-elle. «Et comme c'était frustrant quand j'ai réalisé que j'étais incapable de représenter la scène que j'avais en tête sur le papier sans la copier quelque part. Je n'ai pas touché un crayon pendant près de 10 ans après ça. "

En 2015, la passion de Misoa pour l’art a refait surface. «J'ai décidé qu'il était temps d'apprendre à dessiner sérieusement», dit-elle. «C'est là que j'ai remarqué une différence et que j'ai compris que le talent n'existait pas. Seulement de la pratique, de la patience et de la passion! » Après s'être consacrée à apprendre à créer une composition et à rendre des formes tridimensionnelles, elle a décidé de réessayer ce dessin de 2006. L'amélioration est stupéfiante alors que Misoa a créé une scène dramatique et enflammée.

«Depuis,» explique Misoa, «je n'ai jamais arrêté de peindre et j'ai décidé de faire une autre version de la peinture cette année également. L'itération 2020 de son dessin est encore meilleure, car sa composition dynamique nous met au milieu d'une bataille avec un énorme dragon. Plein de détails incroyables – jusqu'aux armes et aux coiffures – cela montre à quel point l'artiste a travaillé dur pour arriver à ce point.

Faites défiler vers le bas pour voir la transformation artistique de Misoa, puis suivez-la sur ArtStation pour voir plus de son travail.

L'artiste Asur Misoa montre les incroyables transformations qui peuvent se produire avec une pratique de dessin dédiée.

Dessin d'un dragonDessin d'un dragon et de chevaliersDessin d'un dragon et de chevaliersAsur Misoa: ArtStation | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Asur Misoa.

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Le tapis d'avant-garde semble fondre en une flaque visqueuse

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Tapis de Faig Ahmed

«Doubts», 2020 (Images avec l'aimable autorisation de Faig Ahmed)

L'artiste textile de Bakou, Faig Ahmed, est réputé pour ses pièces textiles fascinantes. Il a terminé sa conception de tapis la plus récente après des mois d'interruption causée par la pandémie COVID-19. Admissible Les doutes, cette remarquable tapisserie rouge présente des motifs complexes qui se dissolvent en une forme fluide visqueuse, encadrée par des pompons blancs.

«Nous avons commencé la production de ce travail un mois avant que le monde entier ne plonge dans les doutes sur l'avenir en raison de la situation actuelle causée par la pandémie», explique Ahmed dans un post Instagram. «En raison de la quarantaine, nous avons dû fermer notre studio textile à plusieurs reprises et les œuvres d'art sur le métier attendaient son heure. Il y a quelques jours, après 7 mois, "Des doutes?" ont été coupés du métier à tisser. Il n'y a plus de doutes dans ce tapis, détruisant les limites géométriques intelligibles des motifs – débordant, ils gèlent sur le sol – c'est la limite des doutes.

Les tapis contemporains d'Ahmed sont basés sur l'artisanat textile traditionnel, qu'il déconstruit et réinvente ensuite de manière nouvelle et passionnante. Alors que certains ont des motifs déformés qui semblent «pépins», d'autres jouent avec le volume du tapis lui-même. C'est cette intersection de tradition et d'innovation qui fait des créations d'Ahmed un délice visuel. Pour cette raison, le vaste portefeuille de textiles d'avant-garde de l'artiste a été exposé dans des musées du monde entier. En 2013, l'artiste a également été nominé pour le prix Jameel 3 au Victoria and Albert Museum de Londres.

Vous pouvez en savoir plus sur Les doutes en visitant l'Instagram de Sapar Contemporary. De plus, d'autres tapis étonnants d'Ahmed sont exposés au Musée national d'art, d'architecture et de design d'Oslo, en Norvège, jusqu'au 11 octobre 2020; le Musée moderne d'Istanbul à Istanbul, Turquie jusqu'au 18 octobre 2020; la nouvelle galerie Tretiakov à Moscou, Russie jusqu'au 22 septembre 2020; et à la Colección SOLO de Madrid, Espagne.

Faig Ahmed est un artiste textile de renommée mondiale, surtout connu pour ses designs de tapis innovants.

Tapis de Faig Ahmed

«Doubts», 2020 (Images avec l'aimable autorisation de Faig Ahmed)

Il a récemment terminé ses derniers travaux pendant la pandémie COVID-19.

Tapis de Faig Ahmed

«Doubts», 2020 (Images avec l'aimable autorisation de Faig Ahmed)

Admissible Les doutes, ce magnifique tapis comprend des motifs complexes qui se fondent dans une flaque d'eau apparemment visqueuse.

Tapis de Faig Ahmed

«Doubts», 2020 (Images avec l'aimable autorisation de Faig Ahmed)

D'autres pièces de la collection croissante de tapis surréalistes d'Ahmed présentent des distorsions visuelles variées.

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Tapis de Faig Ahmed

Images gracieuseté de Faig Ahmed

Regardez de plus près Les doutes Dans cette vidéo:

Faig Ahmed: Site Web | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Faig Ahmed.

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Rendez le travail à domicile amusant avec ces jolies fournitures de papeterie

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Papeterie par Poketo

Enfin, les fournitures de bureau font peau neuve. La marque créative Poketo ajoute une touche fantaisiste à la papeterie qui égayera votre espace de bureau. Que vous travailliez à domicile ou que vous preniez des notes en classe, ces ustensiles élégants ne manqueront pas d'inspirer vos meilleures performances.

Bien que taper sur un ordinateur soit pratique, cela ne peut pas tout à fait remplacer la satisfaction d'écrire sur papier. Le cahier holographique comprend une couverture resplendissante et 128 pages lignées respectueuses de l'environnement et sans arbre. Et, pour vous assurer que vous avez toujours un ustensile d'écriture à portée de main, assurez-vous de l'associer à l'un des élégants ensembles de stylos Poketo. Les stylos Prism Rollerball sont conçus avec un corps prismatique spécial et une pointe fine de 0,4 mm pour rendre l'écriture non seulement un jeu d'enfant, mais un plaisir. Vous préférez le stylo à bille fidèle? Poketo a ça aussi. Leur ensemble Classic Slim Pen comprend quatre stylos à pointe fine dans une gamme de finitions métalliques.

Aucun bureau n'est complet, cependant, sans une agrafeuse et une paire de ciseaux fidèle. Assurez-vous que les vôtres correspondent aux ciseaux et à l'agrafeuse en acrylique irisés. Ces deux fournitures de bureau présentent un corps arc-en-ciel éblouissant qui scintille sous tous les angles. Non seulement ils garderont votre bureau bien rangé, mais ils égayeront également votre flux de travail.

Faites défiler vers le bas pour voir ces fournitures de papeterie et dirigez-vous vers My Modern Met Store pour vous offrir un ensemble.

Égayez votre espace de travail avec cette jolie papeterie!

Ciseaux en acrylique irisés

Papeterie par Poketo

Poketo | 22 $

Agrafeuse acrylique irisée

Papeterie par Poketo

Poketo | 26 $

Cahier holographique

Papeterie par Poketo

Poketo | 20 $

Stylos à bille Prism (Ensemble de 5)

Papeterie par Poketo

Poketo | 24 $

Stylos à bille Slim Classic (Ensemble de 4)

Papeterie par Poketo

Poketo | 28 $

Poketo: Site Web | Facebook | Instagram

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9 des meilleurs pinceaux pour les artistes de tous niveaux

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Meilleurs pinceaux pour artistes

Photo: Photos de Chamille White / Shutterstock
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Pour la plupart des peintres, le pinceau parfait est un outil essentiel qui aide à donner vie à leur travail. Que vous travailliez avec des peintures à l'huile, à l'acrylique ou à l'aquarelle, le bon pinceau vous aidera à exécuter votre vision créative avec facilité.

Mais avec autant de pinceaux d'artistes sur le marché, il peut être difficile de comprendre par où commencer. Des différentes formes et tailles aux poils synthétiques ou naturels, il y a beaucoup de choix à faire. Cependant, une fois que vous aurez une idée des différentes utilisations de ces pinceaux, vous serez en mesure de faire votre choix de manière experte.

Pour vous aider à démarrer, nous avons décomposé certains des types de pinceaux courants que les artistes utilisent, ainsi que rassemblé nos ensembles de pinceaux préférés pour vous permettre d'expérimenter et de découvrir ce qui fonctionne pour vous.

Forme du pinceau

Formes de pinceau

Photo: Image Vinegartom via Wikipedia

Il existe de nombreuses formes de pinceaux parmi lesquelles choisir. Ce que vous déciderez dépendra non seulement de votre médium, mais également des techniques de peinture que vous utiliserez. Certains pinceaux fonctionnent mieux avec des peintures corporelles épaisses que des pigments plus fluides et d'autres sont le contraire. Il existe des pinceaux qui aideront à créer des lignes fines et d'autres qui sont utilisés pour donner de la texture. Pour comprendre ce qui fonctionnera pour vous, examinons certaines des formes de pinceaux les plus courantes.

  • Rond – Idéal pour ajouter des détails fins, les pinceaux ronds sont un rassemblement serré de poils avec une pointe ronde ou pointue. Les brosses rondes sont idéales pour dessiner et remplir des zones plus petites, ainsi que pour le dessin au trait. En modifiant la pression sur la brosse, il est facile de passer des lignes fines aux lignes épaisses. Les pinceaux ronds fonctionnent mieux avec des peintures plus minces.
  • Plat – Polyvalents avec des poils longs ou moyens, les pinceaux plats peuvent être utilisés pour tout, du remplissage de grands espaces à la création de traits audacieux, d'empâtements ou de lavages. En utilisant le bord du pinceau, il est également possible de créer des lignes fines.
  • Brillant – Un pinceau brillant est un pinceau plat à poils courts avec des bords légèrement incurvés vers le centre. Avec des poils plus courts et plus rigides qu'un pinceau plat, ces pinceaux fonctionnent bien avec les peintures corporelles lourdes lors de l'empâtement et avec des peintures minces pour aider à enfoncer le pigment dans la toile. Cependant, ils ne sont pas bons pour le mouillé sur mouillé, car leurs poils rigides peuvent tirer la sous-couche de peinture.
  • Aveline – Cette brosse plate aux bords bombés peut être à poils moyens ou longs. Les pinceaux Filbert prennent le meilleur des pinceaux ronds et plats, ce qui signifie qu'ils peuvent être utilisés pour les détails ainsi que pour la couverture.
  • Ventilateur – Les poils évasés d'un pinceau en éventail peuvent aider à créer des effets de texture intéressants sur les arbres, les nuages ​​et d'autres éléments naturels. Les poils naturels rendent ce pinceau particulièrement efficace pour estomper, plumer et lisser, tandis que les poils synthétiques fonctionnent bien pour la texture.
  • Angle – Les pinceaux angulaires sont plats avec – vous l'avez deviné – un bord incliné. Ils sont particulièrement utiles pour créer des lignes courbes et remplir les coins où la pointe peut facilement atteindre. Mais ils sont également utiles pour appliquer de la peinture sur de plus grandes surfaces, ce qui en fait un autre outil polyvalent.
  • Balai – Les brosses à vadrouille sont de plus grandes tailles et ont des poils doux avec un bord arrondi. Ils sont particulièrement utiles pour les aquarellistes, car ils sont parfaits pour créer des lavis de couleur. Pour ceux qui travaillent en couches, les brosses à vadrouille peuvent être utilisées pour appliquer une fine glaçure de couleur sur les couches qui sèchent.
  • Gréeur – Ces pinceaux ronds longs et fins fonctionnent bien avec une peinture fluide. Utilisés à l'origine pour peindre le gréement des navires dans les peintures, ils sont les beaux paquebots du monde des pinceaux. Brosses Rigger, également appelées brosses liner, faites de longs traits continus qui sont utiles pour peindre des détails fins comme des branches, ainsi que pour le lettrage et la calligraphie.

Types de poils

Différents types de pinceaux d'artiste

Photo: Photos de Cafe Racer / Shutterstock

Les poils sont disponibles en différentes longueurs – longues, moyennes et courtes – selon la forme du pinceau et son utilisation. En général, les poils moyens ou longs fonctionnent bien avec les peintures fluides et, selon la forme, peuvent être utilisés pour des détails fins ou une couverture. Les poils courts peuvent être particulièrement utiles lorsque vous utilisez des techniques telles que le pointillé ou si vous voulez un contrôle complet sur vos coups de pinceau.

Quelle que soit la longueur, les poils sont faits de différents matériaux, naturels ou synthétiques.

Brosses naturelles sont divisés en deux catégories, les cheveux doux et les poils de porc. Dans le haut de gamme, les brosses à poils doux sont fabriquées à partir de martre, tandis que les brosses en poils de chameau sont à l'extrémité inférieure, mais ne sont pas réellement fabriquées à partir d'un chameau. Le plus souvent, ces soies sont faites de bœuf, de poney, de chèvre, de mangouste ou de blaireau. Au lieu de cela, les poils de porc sont plus rigides, plus solides et peuvent contenir beaucoup de peinture.

Pinceaux synthétiques sont généralement en nylon ou en polyester. Non seulement ils sont plus économiques, mais ils sont plus faciles à nettoyer. En revanche, ils n'absorbent pas autant de pigments que les pinceaux naturels et ne sont pas aussi doux.

Meilleurs ensembles de pinceaux pour artistes

Maintenant que vous connaissez les types de pinceaux disponibles, examinons les meilleurs jeux de pinceaux pour vous aider à commencer à peindre avec style.

Meilleurs pinceaux pour étudiants

Meilleurs pinceaux pour étudiants

Brosses Blick Scholastic Golden Taklon, lot de 5 | 12 $

Pinceaux acryliques abordables

Pinceaux à peinture acrylique Liquitex

Brosses Liquitex Basics, lot de 6 | 7,34 $

Meilleur ensemble de pinceaux en poils de porc

Ensemble de pinceaux en poils de porc

Brosses à poils purs Chungking naturels d'Utrecht, ens. De 4 | 31,76 $

Meilleurs pinceaux à l'huile

Ensemble de pinceaux à peinture à l'huile Richeson

Brosses à huile Richeson Grey Matters, manche long, lot de 6 | 39,29 $

Meilleur paquet de brosses artisanales

Ensemble de valeur de brosses artisanales

Blick Essentials, ensemble de 25 | 8,99 $

Meilleur ensemble de pinceaux de voyage

Ensemble de pinceaux de voyage pour artistes

Pinceaux de voyage Richeson Plein Air, ensemble de 7 | 44,69 $

Meilleur ensemble de pinceaux aquarelle de luxe

Coffret pinceaux synthétiques Da Vinci

Da Vinci Casaneo et Cosmotop Spin Coffret en bois pour pinceaux synthétiques | 68,31 $

Meilleur ensemble de pinceaux de sable

Old Holland Kolinsky Sable Brush Ease

Old Holland Kolinsky – Chevalet à brosse en sable, ensemble de 12 | 182,99 $

Meilleurs pinceaux naturels fabriqués à la main

Pinceaux Escoda Sable Naturel

Escoda Grafilo Kolinsky Tajmyr Sable Brushes, lot de 6 | 236,27 $

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Un photographe documente comment les gens vivent dans des chambres louées exiguës à Séoul

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Homme dans un Goshiwon

Séoul est l’une des villes les plus chères du monde. Ces prix élevés font qu’il est difficile pour de nombreuses personnes de trouver un logement abordable. En conséquence, une alternative à l'appartement conventionnel est apparue. Appelé goshiwons, ce ne sont pas des appartements mais des chambres minuscules suffisamment grandes pour accueillir un lit double et quelques effets personnels précieux. Le photographe Sim Kyu-Dong a présenté ces unités – et les personnes qui les habitent – dans une série d'images fascinantes.

Les Goshiwons peuvent être un endroit bon marché pour un étudiant ou une option de logement pour quelqu'un qui n'a pas les moyens de se payer un appartement et qui pourrait autrement être sans-abri. Il n'y a pas de dépôt requis pour vivre dans un logement; c'est différent d'un studio à Séoul, où il faudrait trouver de l'argent avant d'emménager. De plus, il y a une certaine intimité. Une chambre a généralement un lit, un bureau et un placard qui permettent à quelqu'un de garder ses affaires en sécurité et d'espace pour manger et travailler. Mais les installations, comme la salle de bain, sont partagées avec d'autres résidents.

Comme leurs homologues plus grands, un goshiwon varie en fonction de qui y vit. Certaines personnes sont propres et bien rangées tandis que d'autres ont creusé juste assez d'espace pour qu'elles puissent s'asseoir et rien d'autre. La pièce peut avoir une fenêtre (moyennant un supplément) et du papier peint pour donner à la pièce une atmosphère plus chaleureuse. Faites défiler vers le bas pour voir comment les gens ont choisi de vivre dans leur goshiwon.

Le photographe Sim Kyu-Dong raconte les personnes qui vivent dans goshiwons, qui sont de minuscules chambres à louer à Séoul.

Homme sur un lit dans un GoshiwonHomme dans un GoshiwonHomme sur un lit dans un GoshiwonHomme mangeant dans un GoshiwonHomme sur un lit dans un GoshiwonHomme dans un GoshiwonHomme dans un GoshiwonHomme dans un GoshiwonSim Kyu-Dong: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Sim Kyu-Dong.

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L'artiste brode le drapeau américain sur la couverture du magazine TIME comme un appel au changement [Interview]

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Couverture du magazine TIME par Nneka Jones

L'artiste Nneka Jones est occupée depuis l'obtention de son diplôme universitaire il y a quatre mois. Elle a été reconnue – et à juste titre – pour ses portraits mettant en lumière des filles et des femmes noires qui ont été victimes d'injustices. Les images brodées sont puissantes et utilisent des motifs circulaires pour symboliser la façon dont les sujets sont des cibles au sein de notre société. Le dernier projet de Jones – la couverture convoitée pour TEMPS magazine – adopte une autre approche conceptuelle, cette fois en l'appliquant au drapeau des États-Unis.

La broderie de Jones présente les étoiles et les rayures qui parcourent les trois quarts de la couverture du magazine. En haut du drapeau, les mailles sont serrées. Si ce n’était pas le bas du drapeau, qui encadre le titre du magazine et montre des points cousus plus lâches et une aiguille isolée, vous ne réaliserez peut-être pas que l’image a été créée avec du fil.

Tout, des choix de couleurs aux points de suture, a un sens. «J'utilisais le drapeau traditionnel comme base pour quelque chose qui devait symboliser et incarner un avenir optimiste où tout le monde a une chance juste et égale», a déclaré Jones à My Modern Met. «L'objectif artistique n'était pas de détruire le drapeau ou de le déshonorer de quelque manière que ce soit, mais d'utiliser le même drapeau que tout le monde a loué afin de souligner les inégalités et les disparités qui existent actuellement au sein de la nation et un appel au changement afin de parvenir à un meilleur futur."

Nous avons eu la chance de parler davantage avec Jones de sa couverture de TEMPS magazine et apprenez-en plus sur la signification de cette illustration frappante. Faites défiler vers le bas pour lire notre interview exclusive.

Nneka Jones brodant le drapeau américainComment le TEMPS commission d'un magazine?

Être commandé par TEMPS magazine pour produire des illustrations de couverture est tout surréaliste. Victor Williams, directeur artistique chez TEMPS j'ai vu mon travail sur Instagram lors des manifestations de Black Lives Matter. Il a remarqué le portrait que j'avais réalisé de George Floyd et après avoir parcouru mon Instagram (@artyouhungry), il a remarqué que la plupart des portraits que je fais sont brodés à la main et non peints. Après m'avoir contacté par e-mail, il m'a informé qu'il y avait une mission potentielle avec laquelle il voulait que je collabore TEMPS pour. J'ai été choqué et j'ai eu l'impression d'être victime d'une arnaque, alors j'ai fait mes recherches sur lui (il ne savait pas grand-chose) et une fois que j'ai confirmé qu'il était réel, j'ai accepté!

Comment avez-vous eu l'idée de cette pièce?

Williams et moi avons «scié» des idées après qu'il m'ait donné les détails généraux du projet. Le but artistique n'était pas de détruire le drapeau ou de le déshonorer de quelque manière que ce soit, mais d'utiliser le même drapeau que tout le monde a loué afin de souligner les inégalités et les disparités qui existent actuellement au sein de la nation et un appel au changement afin de parvenir à un avenir meilleur. .

Pour qu'un avenir plus inclusif et égal existe, les Noirs et les personnes de couleur doivent avoir des chances égales d'accéder à des rôles de leadership, d'être des visionnaires, des créatifs, des entrepreneurs, etc. Cela signifiait que j'utilisais le drapeau traditionnel comme base pour quelque chose qui devait symboliser et incarner un avenir optimiste où chacun a une chance juste et égale. Une fois que nous nous sommes mis d'accord sur une image, il ne me restait plus que 24 heures pour broder à la main le drapeau américain qui serait sur la couverture de TEMPS Les numéros du magazine du 31 août au 7 septembre sont organisés par Pharrell Williams.

Votre image laisse l'aiguille coincée dans le tissu. Qu'est-ce qui a inspiré cette décision?

En scannant l'image brodée à la main de haut en bas, le haut a des points très serrés avec du fil noir de sorte qu'il est presque impossible de voir la toile brute derrière. En descendant la toile cependant, on remarquera que les points deviennent plus visibles, lâches et bruts.

Ce symbolisme représente la refonte de l'Amérique pour refléter une nation qui est plus unie, mais sachant que c'est quelque chose qui nécessite du temps et des investissements. Ce n'est pas quelque chose qui se produira du jour au lendemain, et l'aiguille est donc laissée dans la toile à droite, soulignant le «travail en cours» pour une meilleure nation et une chance équitable pour les Noirs et les personnes de couleur.

Nneka Jones brodant le drapeau américainVotre travail se concentre sur les portraits. Comment était-ce de se concentrer sur le drapeau, un symbole, plutôt qu'une personne?

Tout au long de mon parcours artistique, j'ai toujours été fasciné par les portraits et la capture de l'essence de quelqu'un, simplement en me concentrant sur leurs principaux traits du visage. Cependant, avec le TEMPS commission, j'ai été obligé de sortir de ma zone de confort, non seulement avec la limitation de temps, mais aussi avec le changement de sujet et d'images. Cela m'a permis de comprendre qu'en tant qu'artiste, l'art de l'activisme se présente sous toutes les formes, couleurs et symboles. Ce n'est pas parce que je n'effectuais pas un portrait brodé à la main que je ne saisis pas l'essence d'un avenir meilleur pour l'Amérique.

Par conséquent, cette pièce marque une étape importante dans ma carrière artistique car ce n'est pas seulement la première pièce brodée que j'ai créée en moins de 24 heures, elle a repoussé les limites de mon artiste et m'a permis d'explorer le symbolisme sous un autre jour et pour une bonne cause. .

Le drapeau change de couleur. Pouvez-vous expliquer ce que cela signifie?

Les couleurs traditionnelles du drapeau américain sont censées symboliser et apporter l'unité, la justice et la fierté de la nation américaine. Avec l'actualité, surtout au cours des derniers mois, il est clair qu'il existe des disparités et des divisions qui doivent être abordées afin de refléter cette fière image du drapeau. Les points très serrés utilisant du fil noir en haut sont symboliques du rapprochement de tous les Noirs et des personnes de couleur et de l'élévation des visionnaires, des créatifs et des dirigeants noirs. Il s’agit de montrer la force du nombre, reflétée par les milliers de personnes qui ont défilé dans les rues, exigeant justice et appelant à une nation plus égalitaire.

Cette «noirceur» n'est pas une diffamation du drapeau, mais un symbole d'optimisme pour la refonte de l'Amérique. La transition vers le rouge montre que ce ne sont pas seulement les efforts des Noirs et des personnes de couleur qui comptent, mais la nation dans son ensemble, et pour remodeler et maintenir quelque chose de nouveau, tout le monde doit être d'accord.

Nneka Jones brodant le drapeau américainVous avez récemment obtenu votre diplôme universitaire et avoir une illustration sur la couverture d'un grand magazine est une grande réussite. Comment avez-vous vécu ce tourbillon?

Prendre la décision de poursuivre une carrière dans les arts était difficile, mais cela en valait vraiment la peine. Je suis extrêmement heureux d'avoir réalisé ma passion et développé un plan pour travailler vers ma carrière de rêve. L'Université de Tampa m'a fourni une base solide dans les arts et m'a offert de nombreuses opportunités de construire mon portefeuille artistique à travers des expositions, des festivals, des spectacles étudiants, des stages, etc. Cela a ouvert la voie sur laquelle je suis maintenant, de manière indépendante en tant qu'artiste à plein temps, mais je n'aurais jamais pensé que mon éducation et ma persévérance m'auraient donné l'opportunité d'atterrir sur le couvert de TEMPS magazine juste quatre mois après avoir obtenu son diplôme. J'espère continuer à travailler vers mon rêve de devenir un artiste de renommée internationale, mon prochain objectif étant une exposition personnelle.

Y a-t-il autre chose sur lequel vous travaillez et dont vous pouvez nous parler?

Je suis actuellement enthousiasmé par le lancement de mon premier livre, Vérité ciblée, qui compile toutes les pièces brodées à la main dans mon Cible et Cibles variées série, ainsi que met en lumière mon parcours et ma découverte de la broderie. Ce livre est parfait pour les artistes en herbe et ceux qui aiment juste l'art de la broderie car il donne également des images en gros plan et haute définition de mon travail. Cela peut être pré-commandé sur la boutique de mon site Web.

Nneka Jones: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Nneka Jones.

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L'artiste sculpte la pipe «Terminator» et Arnold Schwarzenegger demande à l'acheter

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Lorsque l'artiste sculpteur de tuyaux Max (de Radon Weber) a commencé à faire un Terminator– pipe inspirée pour l'anniversaire d'Arnold Schwarzenegger, il n'aurait jamais deviné que sa création finirait entre les mains de son icône. Cependant, c’est exactement ce qui s’est passé. Le talentueux menuisier a publié des photos de sa pipe incroyablement complexe sur Reddit, où l'acteur de 73 ans et ancien gouverneur de Californie l'a trouvée et a laissé un commentaire, demandant à l'acheter.

Après avoir soigneusement évalué le savoir-faire de Max, il n'est pas surprenant que Schwarzenegger veuille acquérir la pipe. Doté d'une réplique magnifiquement sculptée de la tête du Terminator, il capture l'assassin cyborg avec des détails incroyables. "Sensationnel. C'est fantastique. C'est beau », a écrit Schwarzenegger sur Reddit. «Voulez-vous me vendre ça?» Un Max très surpris et ravi a répondu, disant qu'il préférerait offrir la pipe à le Terminator légende, mais Arnie voulait renvoyer quelque chose en retour. «Si vous insistez pour me le donner, j'insiste pour vous renvoyer une photo signée de moi qui l'utilise», a déclaré Schwarzenegger. "Vous pouvez m'envoyer un message et je vous donnerai les détails."

Max a envoyé la pipe à Schwarzenegger et, avant longtemps, la star hollywoodienne a envoyé une photo signée de lui en train de la fumer en retour. «C'est probablement le plus beau jour de ma vie», a écrit Max sur Instagram en recevant la photo. «Je suis très content et ce n'est même pas une question d'argent ou de commandes. C'est une légende et j'ai pu le toucher, c'est un grand honneur pour moi. La photo était signée: «À Radon, merci pour la bonne pipe! Arnold Schwarzenegger." L'acteur a ensuite commenté à nouveau sous la photo, écrivant: «J'adore ça. Vous êtes vraiment talentueux et je ne saurais trop vous remercier! »

Découvrez Max's Terminator pipe ci-dessous, et en savoir plus sur son portfolio sur Instagram et Etsy.

L'artiste du bois Max (de Radon Weber) a sculpté cet incroyable Terminator– pipe inspirée pour l'anniversaire d'Arnold Schwarzenegger.

J'ai sculpté cette pipe spécialement pour l'anniversaire d'Arnold de r / Damnthatsintéressant

L'acteur légendaire l'a trouvé sur Reddit et a laissé un commentaire, demandant à l'acheter. Cependant, Max a décidé de l'envoyer gratuitement.

En retour, Arnie a envoyé une photo signée de lui fumant la pipe.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=W_xjMku7xQQ (/ incorporer)

Radon Weber: Facebook | Instagram | YouTube | Etsy

Toutes les images via Radon Weber.

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T-shirts Cool Graphic pour femmes

Cet article est sponsorisé par Fine Art America. Nos partenaires sont triés sur le volet par l’équipe de My Modern Met car ils représentent le meilleur en matière de design et d’innovation.

Les vêtements sont plus que des vêtements à porter, c'est aussi le reflet de votre personnalité. Alors pourquoi ne pas faire une déclaration en portant quelque chose spécialement conçu par un artiste? Si cela semble être un défi, Fine Art America vous facilite la tâche grâce à leurs T-shirts graphiques conçus par des artistes indépendants.

Ils ont des centaines de milliers de t-shirts uniques dans tous les styles, des coupes athlétiques pour hommes aux t-shirts à col en V et à col rond pour femmes. Et comme chaque artiste apporte son propre style, il y aura certainement quelque chose qui attirera votre attention. Par exemple, la boutique de l'illustratrice Olga Shvartsur est remplie d'aquarelles colorées et de portraits d'icônes de la culture pop. Si vous avez un style plus rétro, découvrez les offres de Nic Squirrell, qui ont une atmosphère moderne du milieu du siècle.

Des animaux et des fleurs aux motifs abstraits, chaque motif a été spécialement créé pour faire une déclaration. Mais si vous souhaitez personnaliser les choses, Fine Art America vous permet de choisir parmi six couleurs de t-shirts différentes. Vous pouvez même penser de façon saisonnière, car vous pouvez également commander des débardeurs, des t-shirts à manches longues ou, s'il fait vraiment froid, des pulls molletonnés.

Prêt à remplir votre garde-robe avec une nouvelle mode? Nous avons organisé notre liste des cinq meilleurs créateurs de t-shirts pour femmes sur Fine Art America pour vous aider à démarrer. Et, si vous ne trouvez pas ce que vous cherchez, vous pouvez toujours créer votre propre T-shirt personnalisé en téléchargeant simplement votre dessin ou photo préféré.

Voici cinq meilleurs artistes indépendants qui créent des T-shirts graphiques uniques pour améliorer votre style.

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L'illustrateur indépendant hongrois Balazs Solti travaille comme artiste à plein temps depuis 10 ans. Son expérience dans la création de t-shirts pour l'industrie de la mode transparaît dans son travail pour Fine Art America. On aime particulièrement ses illustrations d'animaux, qui ajoutent un peu de fantaisie à ses tee-shirts.

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L'artiste autodidacte Olga Shvartsur est connue pour ses aquarelles évocatrices. Pour ses t-shirts, elle allie ses talents à son amour de la culture pop pour affronter des personnages familiers de l'histoire, de la télévision, du cinéma et des jeux vidéo.

Arbre de yoga unique pour femmes

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T-shirt Albert Einstein | 23,99 $

T-shirts rétro flair

L'artiste et illustrateur britannique Nic Squirrell est connu pour son style graphique audacieux. Cela se traduit bien par ses dessins de t-shirts colorés, qui ont un peu une sensation rétro.

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L'artiste aquarelle Hailey Herrera travaille avec des couches de couleurs luxuriantes pour créer ses images de paysages et d'animaux sauvages. Basée au Texas, elle est inspirée par la beauté de son environnement et cherche à en apporter une dans son art.

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Carte bleue du Texas | 30 $

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L'artiste canadien Eric Fan est connu pour ses créations surréalistes et fantaisistes qui vous feront regarder deux fois. Il est également co-auteur, avec son frère Terry, de plusieurs livres pour enfants.

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Rencontrez les coléoptères T-shirt | 25 $

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Toutes les images via Fine Art America.

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Premier folio de Shakespeare

Page de titre de Shakespeare Premier folio (1623). (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Les écrivains en herbe se demandent souvent par où commencer. Amour, souffrance, perte, humour – tous les artistes tentent de capturer l'expérience humaine. Cela peut être une tâche ardue pour les romanciers novices et les jeunes poètes. Pour l'inspiration et les conseils, les débutants peuvent se tourner vers les paroles de romanciers légendaires. Pour les écrivains expérimentés, la sagesse de sommités littéraires telles que Maya Angelou, Gabriel Garcia Marquez et J.D. Salinger offre une chance de méditer sur le métier. Perspicaces par leur profession, les auteurs réfléchissent à l'écriture et à la vie bien avant l'époque d'Homère. Découvrez quelques-unes de leurs meilleures citations.

Auteurs au début

«Vous ne commencez pas par écrire de bonnes choses. Vous commencez par écrire de la merde et vous pensez que ce sont de bonnes choses, puis progressivement vous vous améliorez. C'est pourquoi je dis que l'un des traits les plus précieux est la persévérance. – Octavia E. Butler

"Le lyf si court, le métier si long à lerne." – Geoffrey Chaucer

«Je voulais être écrivain, alors je suis devenu un. Comment? J'ai écrit les choses. – Ariel Gore

Portrait et vie de Chaucer

Portrait de Chaucer du XVIe siècle Portrait et vie de Chaucer. (Photo: Wikimedia Commons (CC0 1.0))

Auteurs sur la technique

"La route de l'enfer est pavée d'adverbes." – Stephen King

"La concision est l'âme de l'esprit." – William Shakespeare

«Il y a un temps pour beaucoup de mots, et il y a aussi un temps pour dormir.» – Homère

James Baldwin par Allan Warren

James Baldwin photographié par Allan Warren avec une statue de Shakespeare, 1969 (Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Auteurs sur l'art de l'écriture

«L'écriture est vraiment une façon de penser – pas seulement ressentir, mais penser à des choses disparates, non résolues, mystérieuses, problématiques ou simplement douces.» – Toni Morrison

«Tout art est une sorte de confession, plus ou moins oblique. Tous les artistes, s'ils veulent survivre, sont obligés, enfin, de raconter toute l'histoire; vomir l'angoisse. – James Baldwin

«L'acte d'écrire nécessite un replongement constant dans l'ombre du passé où le temps plane comme un fantôme. – Ralph Ellison

Ralph Ellison

Auteur et professeur Ralph Ellison, 1961. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

«La fantaisie est une évasion, et c'est sa gloire. Si un soldat est emprisonné par l'ennemi, ne considérons-nous pas qu'il est de son devoir de s'échapper ?. . .Si nous apprécions la liberté d’esprit et d’âme, si nous sommes partisans de la liberté, alors il est de notre devoir évident de s’échapper et d’emmener autant de personnes que possible avec nous! – J.R.R. Tolkien

«Le stylo est la langue de l'esprit.» – Miguel de Cervantes Saavedra

«L'écriture soulage ma souffrance… Lorsque vous utilisez des mots, vous pouvez garder votre esprit vivant. L'écriture est ma façon de réaffirmer ma propre existence. – Gao Xingjian

Miguel de Cervantes Saavedra

Portrait à l'huile de Miguel de Cervantes Saavedra, auteur de don Quichotte. Huile sur panneau, c. 1600, Real Academia de la Historia, Madrid. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Auteurs à la recherche de votre histoire

"Il n'y a pas de plus grande agonie que de porter une histoire inconnue en vous." – Maya Angelou

"Ce qui compte dans la vie, ce n'est pas ce qui vous arrive, mais ce dont vous vous souvenez et comment vous vous en souvenez." – Gabriel Garcia Marquez

«Écrivez ce qu'il ne faut pas oublier.» – Isabel Allende

«Même le silence / a une histoire à vous raconter. / Écoutez. Ecoutez." – Jacqueline Woodson

Gao Xingjian

Peintre, photographe et écrivain, Gao Xingjian a remporté le prix Nobel de littérature 2000. Montré ici à la Galerie Simoncini à Luxembourg. (Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0 LU))

Auteurs sur la vie

«Des souvenirs vraiment heureux vivent toujours, brillants. Au fil du temps, un par un, ils reviennent à la vie. – Banane Yoshimoto, Cuisine

«Plus je vieillis, plus je suis conscient de la manière dont de très petites choses peuvent changer le monde. De petites choses minuscules, mais le monde est composé de petites choses, n'est-ce pas? – Sandra Cisneros

"Je n'ai pas demandé. Plus tard, je me suis senti mal à ce sujet. Je savais, même alors, que chaque fois que j'acquiesçais dans l'ignorance, je perdais une opportunité, trahissais l'émerveillement en moi en privilégiant l'apparence de savoir sur le travail de découverte. – Ta-Nehisi Coates

«Le fait est toujours évident beaucoup trop tard, mais la différence la plus singulière entre le bonheur et la joie est que le bonheur est un solide et la joie un liquide. – J.D. Salinger

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L'Allemagne acquiert un «livre de l'amitié» vieux de 400 ans rempli de signatures de rois et d'empereurs

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Livre d'amitié de pages de fleurs

Artiste inconnu, représentation en double page de fleurs, coquillages et insectes, dans un cadre de coquillage, vers 1590/1595. De la «Große Stammbuch» de Philipp Hainhofer. (Photo: Scriptura Limited / The Herzog August Bibliothek Wolfenbüttel (HAB))

La bibliothèque allemande Herzog August Bibliothek Wolfenbüttel (HAB) a récemment acquis la Große Stammbuch de Philipp Hainhoferjust – un «livre d'amitié» vieux de 400 ans contenant les signatures des empereurs, des rois et des princes – pour environ 3,3 millions de dollars. Les chercheurs pensaient que le manuscrit unique en son genre avait été perdu jusqu'à ce qu'il réapparaisse en public en 2006. Les «livres d'amitié» de ce genre sont similaires aux annuaires actuels. En réalité, Große Stammbuch tire son nom du latin Album Amicorum, qui est un prédécesseur direct du livre d'autographes moderne. Ces types de souvenirs étaient populaires parmi les étudiants universitaires au 16ème siècle. Selon le HAB, environ 25000 documents Stammbücher (littéralement «livres de famille») existent dans les collections du monde entier.

Hainhofer, un commerçant qui était surtout connu pour son cabinets de curiosités, a commencé à collecter du contenu pour son Große Stammbuch dans ses jours d'université. Entre 1596 et 1647, il remplit 247 pages d'illustres signatures. Alors qu'il travaillait comme diplomate et marchand d'art basé à Augsbourg, en Allemagne, Hainhofer a rencontré de nombreux aristocrates et artistes renommés. Hainhofer commandait des œuvres d'art pour illustrer les pages entourant les signatures importantes. Selon le HAB, le Große Stammbuch est devenu largement connu, et la curiosité pour le livre a permis à Hainhofer d'accéder aux cercles politiques d'élite. Aujourd'hui le Große Stammbuch est considéré comme le meilleur exemple de son genre.

Parmi les signataires inclus figurent l'empereur romain germanique Rodolphe II et Christian IV, roi du Danemark et de Norvège. Ces deux personnages puissants du début de l'Europe centrale moderne, les pages portant la signature de chaque souverain sont richement peintes. Rudolph II est représenté dans une scène de portrait et de couronnement de l'artiste Daniel Fröschl. La page de Christian IV est plus simple avec seulement un blason délicatement peint. Les femmes puissantes de l'époque sont également représentées. En 1618, Elizabeth Stuart, électrice du Palatinat, signe le livre de Hainhofer. Sa marque repose au-dessus de deux gros putti (chérubins) tenant ses armoiries.

L'achat de Hainhofer Große Stammbuch expose le manuscrit au public pour la première fois en 400 ans. Le HAB prévoit d'organiser plusieurs expositions centrées sur l'œuvre. La bibliothèque numérisera également le livre pour rendre ses œuvres d'art et son histoire fascinante accessibles à tous via leur site Web. Björn Thümler, ministre de la Science et de la Culture de Basse-Saxe, a décrit dans un communiqué de presse la joie qu’apporte l’achat du livre. Il a noté: «Toutes les personnes impliquées ont déployé tous leurs efforts pour apporter le chef-d'œuvre de l'histoire de l'art et de l'histoire culturelle au HAB de Wolfenbüttel. Le duc August le Jeune lui-même avait déjà tenté de le faire en 1648 après la mort de Hainhofer. Le retour du Album Amicorum à l'Allemagne n'est pas seulement dans l'intérêt de l'État de Basse-Saxe, mais de l'Allemagne dans son ensemble, car elle garantit que ce trésor culturel exceptionnel sera accessible en permanence au public.

Après 400 ans, Hainhofer Große Stammbuch sera ramené en Allemagne et réuni avec ses autres papiers conservés au HAB.

La Bibliothèque Herzog August Wolfenbüttel (HAB) en Allemagne a récemment acheté un livre d'autographes vieux de 400 ans connu sous le nom de «livre d'amitié». Ce Große Stammbuch de Philipp Hainhofer a été considérée comme perdue jusqu'à sa réapparition en 2006.

Livre d'amitié le Große Stammbuch de Philipp Hainhofer

Le livre de l'amitié, ou «Große Stammbuch» de Philipp Hainhofer.

De nombreux rois, empereurs et princes ont signé le livre lors des voyages de Hainhofer en tant que diplomate et marchand d'art.

Livre d'amitié de l'empereur romain germanique Rudolf II Hainhofer

Page illustrée par Daniel Fröschl, couronnement de Rudolf II, empereur romain germanique, entouré de six électeurs, avec signature personnelle, avant 1612. (Photo: Scriptura Limited / Herzog August Bibliothek)

Hainhofer a commandé des peintures et des illustrations pour accompagner les signatures qu'il a recueillies.

Livre d'amitié Hainhofer

Pages d'autographes montrant août II de Braunschweig-Lüneburg (1613, à droite) et Ursula duchesse de Württemberg (1614, à gauche) du livre de l'amitié, ou «Große Stammbuch» de Philipp Hainhofer.

Le HAB prévoit d'afficher le livre de l'amitié dans des expositions et en ligne. Le processus de numérisation rendra le livre accessible au public pour la première fois.

Livre d'amitié Hainhofer Poème latin

Poèmes latins adressés au livre et au lecteur, dans un cadre peint d'animaux dansants sautant par-dessus des vrilles de fruits et de fleurs, des oiseaux au-dessus et des poissons en dessous. (Photo: Bibliothèque Herzog August)

h / t: (Colossal, The Guardian)

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Rare ancienne race de chiens chanteurs repérée dans la nature après 50 ans

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Chante de chien chantant de Nouvelle-Guinée

Photo: Photos de Blanka Berankova / Shutterstock

Cela fait 50 ans que le Chien chanteur de Nouvelle-Guinée a été repéré à l'état sauvage; cependant, les chercheurs ont récemment fait une découverte surprenante. Ces chiens rares ne se trouvent généralement qu'en captivité dans des zoos ou des centres de conservation, mais une expédition dans une région éloignée de Papouasie a repéré ces chiens musicaux. Après les avoir observés pour la première fois en 2016, l'équipe est revenue en 2018 pour collecter des échantillons d'ADN afin de confirmer leurs découvertes.

Cette race de chien extrêmement rare est connue pour ses vocalisations et ses hurlements uniques. Originaire des hautes terres de Nouvelle-Guinée, il est étroitement lié au dingo. Dans les années 1970, quelques chiens sauvages ont été capturés et les 200 autres chiens chanteurs captifs de Nouvelle-Guinée sont leurs descendants. Malheureusement, en raison du petit nombre de chiens sauvages capturés, ces chiens chanteurs de Nouvelle-Guinée trouvés en captivité sont sévèrement consanguins.

En 2016, des chercheurs de la New Guinea Highland Wild Dog Foundation ont trouvé 15 chiens sur des terres protégées près d'une mine d'or et de cuivre. Deux ans plus tard, ils ont bravé la haute altitude, les conditions météorologiques imprévisibles et les terrains extrêmes pour recueillir des échantillons de sang, de poils et de tissus et pour effectuer un examen de santé sur les chiens. Ils ont également attaché un collier GPS à deux des chiens afin d'en savoir plus sur leurs habitudes.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=qhMqh9zHUBc (/ embarqué)

Ce qu'ils ont découvert en analysant l'ADN des chiens sauvages était un chevauchement génétique de 70% entre les chiens sauvages et les chiens captifs. La différence peut être expliquée en se rappelant que la diversité génétique a été perdue chez les chiens chanteurs captifs de Nouvelle-Guinée en raison de la consanguinité. Il faut également tenir compte du fait que la population sauvage peut également se croiser avec des chiens du village.

«Ils semblent le plus liés à une population de chiens chanteurs de Nouvelle-Guinée, issus de la biologie de la conservation, descendants de huit chiens amenés aux États-Unis il y a de très nombreuses années», a déclaré Elaine Ostrander, généticienne au US National Human Genome Research Institute co-auteur de l'étude. «Les chiens de conservation sont super consanguins; (il) a commencé avec huit chiens, et ils ont été élevés les uns aux autres, élevés les uns aux autres et élevés les uns aux autres pendant des générations – ils ont donc perdu beaucoup de diversité génétique.

Couple de chien chantant de Nouvelle-Guinée

Photo: Photos de InBetweentheBlinks / Shutterstock

Cette découverte passionnante aidera à reconstituer le puzzle de la domestication des chiens en Océanie, car la taxonomie de la race a été en grande partie un mystère jusqu'à présent. Les parents domestiques les plus proches de cette race ancienne ne sont que très éloignés des chiens domestiques, les Akita et les Shiba Inu. Mais on pense que même cette scission s'est produite il y a 3500 ans lorsque les humains ont amené les ancêtres de ces races en Océanie.

Les chercheurs continueront sûrement leurs études pour aider à percer le mystère de la race et tenter de trouver des réponses aux questions derrière la scission entre les chiens sauvages et domestiques.

h / t: (CNN, The New York Times)

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Jeanette Epps sera la première femme noire à rejoindre ses collègues astronautes sur l'ISS

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Jeanette Epps en uniforme d'astronaute

Photo: NASA

En 2018, l'astronaute Jeanette Epps était prête à se lancer dans une mission d'exploration spatiale pionnière en étant la première femme noire à résider sur la Station spatiale internationale (ISS). La formation d'Epps en Russie et au Kazakhstan a été un succès, et elle était prête à partir quand elle s'est soudainement retrouvée éloignée de la mission. Elle n'avait pas de problèmes de santé ou de problèmes familiaux qui l'auraient empêchée de participer à la mission, mais, malheureusement, ses rêves de voyage dans l'espace ont été mis en attente car sa place dans la mission a été remplacée par Serena M. Auñón-Chancelier . La raison de cet échange n'a jamais été expliquée directement; mais, malgré ce revers, Epps a persisté et est restée fidèle à ses ambitions et se retrouve à nouveau invitée à rejoindre l'équipage de l'ISS en 2021.

Le voyage dans l’espace de l’année prochaine sera une première pour Epps. L'exploration spatiale était quelque chose dont elle rêvait depuis qu'elle n'avait que neuf ans. Son frère l'a encouragée à poursuivre ses ambitions et elle est diplômée du Collège LeMoyne, avec un diplôme en physique, puis a poursuivi et obtenu un doctorat en génie aérospatial. Epps a également travaillé pour la CIA en tant qu'officier du renseignement technique. Une recherche d'astronautes de la NASA est tombée sur le point de vue d'Epps – par l'intermédiaire d'un ami – et elle était ravie et a commencé sa formation d'astronaute.

Epps est consciente qu'elle envoie un message percutant aux jeunes filles et surtout aux jeunes filles de couleur en étant dans le domaine de l'exploration spatiale. «En tant que steward, je veux bien faire cet honneur», a déclaré Epps. «Je veux m'assurer que les jeunes savent que cela ne s'est pas produit du jour au lendemain. Il y a eu beaucoup de travail, beaucoup d'engagement et de cohérence. C'est une tâche ardue à entreprendre. »

L'année prochaine, Jeanette Epps prévoit de décoller dans un vaisseau spatial Boeing CST-100 Starliner. Il y a quelques vols d'essai d'ici là, mais Epps est ravi de rejoindre l'équipage pour un séjour de six mois, le plus long qu'un astronaute afro-américain soit resté à la station en tant que membre d'équipage de longue date. Une fois de plus, Epps reste concentrée et se souvient qui la regarde et apprend d'elle.

«Tant de jeunes filles ont besoin de voir quelqu'un qui leur ressemble faire des choses qu'elles n'auraient jamais pensé pouvoir faire», explique Epps. "Je suis ici. Je fais beaucoup de ces choses que vous n'auriez jamais pensé pouvoir faire.

L'astronaute de la NASA Jeanette Epps est la première femme noire à monter à bord de la Station spatiale internationale.

Dr Jeanette Epps

Photo: NASA / JSC / Robert Markowitz via Wikimedia Commons (domaine public)

Elle se joindra à des collègues astronautes pour une expédition de six mois à bord de l'ISS.

L'astronaute Jeanette Epps se dirige vers la Station spatiale internationale

Photo: Photos de 3DSculptor / Shutterstock

Jeanette Epps: Site Web | Instagram | Twitter
NASA: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube

h / t: (soie dentaire)

Toutes les images via la NASA.

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Cette chambre d'hôtel «Wizard of Oz» possède sa propre route de briques jaunes

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Chambre d'hôtel sur le thème du magicien d'Oz par The Roxbury

Il n’y a pas d’endroit comme à la maison, mais pour Magicien d'Oz Ventilateurs; cette chambre d'hôtel à thème est la meilleure chose à faire. Le magicien des émeraudes La salle du Roxbury à New York est inspirée du film classique de 1939, et les concepteurs ont tout mis en œuvre pour transporter les invités dans le monde merveilleux d'Oz. Décoré avec des teintes variées et riches de vert et d'or scintillant, il présente une vraie route de briques jaunes et même une paire de chaussons rouge rubis.

«Le but est de se détourner du minimalisme hôtelier moderne typique pour devenir une sorte de maximalisme», déclarent The Roxbury sur leur site Web. «Tant que la propreté et le confort ne sont jamais négligés et qu'il y a toujours un clin d'œil à l'élégance et à la qualité, nous avons appris que, comme nous, la plupart des gens ont faim de quelque chose de différent. Quelque chose d'unique. Quelque chose de pas taupe. Le Roxbury offre certainement une expérience qui ne ressemble à aucun autre hôtel. Même la salle de bain correspond au thème fantastique, avec une murale de champ de pavot venimeux qui ne manquera pas de vous endormir pendant que vous vous préparez pour le lit.

«Ce n’est pas bien au-dessus des cheminées, mais vos problèmes vont fondre comme des gouttes de citron dans cette pièce», déclare The Roxbury. "Oui, mes amis, une route de briques jaunes traverse le centre de la pièce (à côté du lit king-size et du canapé-lit) jusqu'à ce qu'elle rejoigne une peinture murale de notre version de la ville d'émeraude."

Découvrez les photos de Le magicien des émeraudes ci-dessous et découvrez comment réserver un séjour sur le site Web de The Roxbury. L'hôtel dispose également d'autres chambres à thème, y compris celles inspirées des années 60 Mod Pod et l'envoûtant Le nuage de Samantha chambre.

Le magicien des émeraudes La chambre d'hôtel du Roxbury transporte les clients dans le monde merveilleux d'Oz.

Chambre d'hôtel sur le thème du magicien d'Oz par The Roxbury

Il présente une vraie route de briques jaunes qui mène à une peinture de la taille d'un mur de la ville d'émeraude.

Chambre d'hôtel sur le thème du magicien d'Oz par The Roxbury

Il y a même une murale de champ de pavot toxique dans la salle de bain.

Chambre d'hôtel sur le thème du magicien d'Oz par The RoxburyThe Roxbury: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de The Roxbury.

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Art byzantin: découvrez les caractéristiques éblouissantes de cette période moins connue

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Art byzantin

Mosaïque byzantine à Ravenne, Italie (Photo: Stock Photos from Inguaribile VIaggiatore / Shutterstock)

Bien que pas aussi célèbre que la Renaissance italienne ou nordique, Art byzantin a été une période importante dans l'histoire de l'art occidental. Connu pour ses mosaïques extravagantes et son utilisation éblouissante de l'or, ce style est profondément lié à la montée du christianisme en Europe, de nombreuses peintures murales décorant encore les églises de la Méditerranée.

L'art byzantin a émergé après l'empereur Constantin I (vers 272 – 337 de notre ère) déclara la tolérance pour le christianisme dans l'ancien empire romain en 313 de notre ère.En 330, il déplaça la capitale de Rome à Byzance, qui fut rebaptisée Constantinople (aujourd'hui Istanbul) en son honneur. Les artisans romains ont ensuite été transférés dans la ville pour décorer les églises chrétiennes dans une variante de l'ancienne tradition de la mosaïque romaine. Le style s'est épanoui pendant des centaines d'années, se répandant dans la Turquie, l'Italie et l'Espagne modernes. L'art byzantin a continué dans le 15ème siècle jusqu'à ce que Constantinople tombe aux mains de l'empire ottoman en 1453.

Ce style d'art médiéval étincelant a eu des effets durables sur l'histoire de l'art occidental, inspirant des artistes même des centaines d'années plus tard, comme le peintre El Greco. Les touristes peuvent toujours voir certaines de ses mosaïques les plus célèbres dans la basilique Sainte-Sophie et dans certaines parties de l'Italie.

Ici, nous identifions quelques-unes des principales caractéristiques de l'art byzantin.

Découvrez les principales caractéristiques de l'art byzantin

Iconographie religieuse

Mosaïque byzantine

Mosaïque byzantine du Christ Pantocrator dans la basilique Sainte-Sophie, Istanbul, Turquie (Photo: Dianelos Georgoudis via Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

En raison de ses origines, l'art byzantin est presque exclusivement représenté sujets religieux, comme la Vierge Marie, Jésus et des scènes de la Bible. Ce sujet a également été encouragé par l'église, qui détenait une grande quantité de richesse et d'influence dans la société byzantine. L'une des mosaïques les plus célèbres de cette période peut encore être vue dans le Sainte-Sophie et dépeint le Christ comme le Pantocrator, ou le dirigeant de l'univers.

Mosaïques

Art byzantin

Mosaïque byzantine de l'empereur Justinien à Ravenne, Italie (Photo: Stock Photos from mountainpix / Shutterstock)

Comme les Romains, les artistes byzantins ont élaboré mosaïques en utilisant des milliers de tesselles—Petits morceaux de verre, pierre, céramique et autres matériaux. Cependant, les Byzantins ont développé la forme d'art en incorporant des matériaux plus opulents dans leurs conceptions, comme feuille d'or et pierres précieuses.

Imagerie stylisée

Art byzantin

Mosaïque byzantine de l'église de Hagios Demetrios à Thessalonique, vers la fin du 7e ou début du 8e siècle (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Art byzantin préféré imagerie stylisée sur les représentations naturalistes. Le but de leur art était d'inspirer un sentiment d'émerveillement et d'admiration pour l'église. De cette manière, leur utilisation de figures gracieuses et flottantes et de tesselles dorées soulignait le caractère d'un autre monde des sujets religieux.

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Regardez un casting d'insectes prendre leur envol dans cette vidéo au ralenti extrême filmée à 3200 FPS

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Papillon de l'érable rose

La teigne rose de l'érable prend son envol.

L'été est plein d'insectes, alors que les mites planent autour des lumières du porche et que les lucioles s'illuminent la nuit. Bien que vous ayez probablement vu ces créatures au passage, des séquences vidéo fascinantes vous feront acquérir une toute nouvelle appréciation pour elles. Le biologiste de recherche basé en Caroline du Nord, le Dr Adrian Smith, capture ces insectes et d'autres en vol extrêmement lent. Les images présentent des créatures de huit ordres taxonomiques alors qu'elles décollent, voltigent et atterrissent dans un minuscule «studio». Le résultat est un ballet d'insectes plein de grâce et de beauté inattendues.

Le Dr Smith a préparé le terrain pour les différentes espèces en installant une lumière noire dans son sous-sol. Ensuite, il a filmé les créatures à 3200 images par seconde. Certains des insectes incluent la luciole orientale familière, qui est techniquement un coléoptère. En préparation du vol, il doit lever ses élytres (ailes antérieures dures) pour libérer ses ailes postérieures translucides. Les lucioles battent ces ailes 62 fois par seconde pour rester à flot. Un autre des insectes les plus courants est la teigne de l'érable rose. Comme le dit le Dr Smith, l'espèce est «clairement le meilleur papillon de nuit». Caricaturaux et moelleux, ils sont l'ours en peluche du monde des mites. «Cela ressemble à un muppet volant», remarque le Dr Smith.

La lumière noire a également attiré quelques mouches rares. Dans la vidéo, la mouche géante (également connue sous le nom de mouche du saumon) montre ses mouvements spéciaux d'ailes. Les scientifiques émettent l'hypothèse que ces mouvements auraient permis à des mouches préhistoriques de survoler les surfaces de l'eau avant d'effectuer un véritable vol aérien. Malgré le nom de la mouche géante, la mouche est en fait le plus grand visiteur enregistré. Ses ailes antérieures mesurent 37,6 mm et battent 11 fois par seconde. C'est remarquablement peu de battements pour un si gros insecte.

Regardez la vidéo ci-dessous et soyez enchanté par ce que vous voyez.

Le chercheur Adrian Smith a filmé des insectes rares volant à 3 200 images par seconde dans des images au ralenti extrême.

Papillon lichen peint

La teigne du lichen peint roule le bout de ses ailes pendant qu'elle vole.

Regardez les lucioles, les papillons de nuit et les pucerons prendre leur envol dans cette vidéo.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=Cnn9CfsYJqc (/ incorporer)

Dr Adrian Smith: Site Web | YouTube | Twitter
h / t: (PetaPixel, Colossal)

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L'histoire de Kathrine Switzer: la légende de la course à pied qui a couru le marathon de Boston lorsque les femmes n'étaient pas autorisées

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Il y a un peu plus de 50 ans, Kathrine Switzer a fait un pas audacieux en soumettant son formulaire pour participer au marathon de Boston. Ses initiales lisaient K.V. Switzer (une pratique courante lors de la signature de son nom), ce qui lui a permis de rester ambiguë entre les sexes jusqu'au jour de la course. Au cours des 70 dernières années, le marathon de Boston était un événement exclusivement masculin et sa présence ne passera pas inaperçue. À une époque où les athlètes féminines se heurtaient à de multiples restrictions et railleries, la Switzer a sprinté vers l'occasion. Bien qu'elle ne soit pas la première femme à courir la course (l'année précédente, Roberta Gibb avait secrètement participé – non enregistrée – cachée derrière un sweat-shirt ample à capuche), elle était déterminée à être ouverte avec son apparence et provocante en sa présence. .

Il y avait une idée largement répandue que les femmes dans les sports n'étaient pas attrayantes; ou comme le raconte Switzer, «L'idée de courir sur de longues distances a toujours été considérée comme très discutable pour les femmes car une activité ardue signifie que vous auriez de grandes jambes, une moustache et que votre utérus allait tomber. Dans un effort pour contrer cette notion absurde, elle portait intentionnellement des boucles d'oreilles et du rouge à lèvres pour la course.

Avant la course, l'entraîneur de Switzer, Arnie Briggs, a estimé que la course était trop dure pour une «femme fragile» et qu'elle aurait besoin de lui prouver qu'elle serait prête à relever le défi. Switzer a fait exactement cela et a accompagné Briggs et son petit ami de l'époque Tom Miller à la compétition. Quand Switzer est arrivée, elle a reçu le dossard 261 et a commencé avec force et force. Alors que les autres participants à la course étaient enthousiasmés et impressionnés par la présence de Switzer, le directeur de course, Jock Semple, n’était pas pour le moins qu'on puisse dire. Un Semple enragé a poursuivi Switzer et l'empêche de force de continuer. Dans ses mémoires, Switzer décrit les événements inoubliables qui ont suivi: «Instinctivement, j'ai secoué la tête rapidement et j'ai regardé droit dans le visage le plus vicieux que j'aie jamais vu. Un grand homme, un homme énorme, aux dents dénudées était sur le point de bondir, et avant que je puisse réagir, il m'a attrapé l'épaule et m'a jeté en arrière en criant: «  Foutez le camp de ma course et donnez-moi ces chiffres! ''

Les médias de l'époque ont photographié l'épreuve et sa conclusion. Semple a ensuite fait tomber l'entraîneur de Switzer Arnie Briggs au sol, mais a rencontré son match en affrontant le petit ami de Switzer, Miller, qui était un ancien joueur de football et lanceur de marteaux de 235 livres. L’interférence de Semple a été rapidement interrompue. Après l'épreuve, Switzer a heurté un mur émotionnel et physique, mais elle a heureusement commencé à réfléchir à ce qui était en jeu. «Je savais que si j'arrêtais, personne ne croirait jamais que les femmes ont la capacité de courir plus de 26 milles», raconte-t-elle. «Si j'arrêtais, tout le monde dirait que c'était un coup de pub. Si j'arrêtais, cela ferait reculer le sport féminin, bien en arrière, plutôt qu'en avant. Si j'arrête, je ne dirigerai jamais Boston. Si j'arrêtais, Jock Semple et tous ceux comme lui gagneraient. Ma peur et mon humiliation se sont transformées en colère.

Switzer a terminé la course en 4 heures et 20 minutes. Elle a ensuite remporté le marathon de New York en 1974 et a été nommée coureuse de la décennie par Magazine du monde des coureurs. Elle a été intronisée au National Women's Hall of Fame en 2011. En 2017, Switzer a de nouveau couru le marathon de Boston à l'âge de 70 ans. Elle portait son même numéro de course 261 et a terminé à seulement dix minutes de sa première course en 1967. La persévérance de Switzer et la conduite ont ouvert la voie aux futures générations de coureuses, mais continuent à offrir inspiration et espoir.

Kathrine Virginia Switzer: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (LA Times)

Toutes les images via Kathrine Switzer.

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L'artiste de broderie «peint» des paysages expressifs à l'aide d'une aiguille et d'un fil

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Art de la broderie par Jura Gric

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L'artiste lituanienne Jūra Gric capture les riches couleurs de la forêt dans son art de la broderie exquis. Elle utilise une aiguille et du fil pour faire une variété de points expressifs qui ressemblent à des coups de pinceau peints. En conséquence, chacun de ses cerceaux terminés est comme un portail vers un cadre captivant différent.

«J'étais naturellement attiré par les lieux solitaires et la nature, les animaux sont devenus ma source de réconfort et d'inspiration», explique Gric à My Modern Met. «Quand je crée des peintures de broderie, j'ai l'impression de laisser mon enfant intérieur décider de ce qui est beau et significatif, sans jugement.» Elle trouve l'inspiration de ses chefs-d'œuvre cousus dans le paysage verdoyant de la Lituanie. De nombreuses œuvres de Gric représentent des zones densément boisées, des prairies verdoyantes et des lacs. Parfois, ces scènes naturelles sont accompagnées d'un cerf solitaire ou d'une figure humaine. Dans l'un de ses cerceaux les plus récemment achevés, l'artiste a cousu une cabane en rondins qui brûle de l'intérieur, la fumée s'élevant et s'enroulant dans le ciel.

Cette attention méticuleuse aux détails est ce qui rend la peinture au fil de Gric si fascinante à regarder. Tous ses designs sont remplis de points complexes qui créent une lumière et des ombres en trois dimensions. «Les travaux d'aiguille peuvent prendre beaucoup de temps, mais tous les détails et textures complexes expliquent pourquoi j'ai été si attiré par la broderie au départ», poursuit Gric. «Pour l'instant, j'essaie de ne pas créer de raccourcis ni de fusionner la broderie avec d'autres supports. J'adopte une approche plus traditionnelle, je laisse la broderie briller d'elle-même comme un merveilleux médium artistique qu'elle est.

Vous pouvez acheter l'art de la broderie de Gric via sa boutique Etsy et voir des designs plus incroyables en la suivant sur Instagram.

L'artiste brodeur Jūra Gric «peint» des paysages expressifs à l'aide d'une aiguille et d'un fil.

Art de la broderie par Jura GricArt de la broderie par Jura GricArt de la broderie par Jura GricArt de la broderie par Jura GricArt de la broderie par Jura GricArt de la broderie par Jura GricJūra Gric: Etsy | Instagram
h / t: (sac en papier brun)

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Jūra Gric.

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9 fournitures essentielles pour faire de l'école virtuelle un jeu d'enfant

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Meilleures fournitures scolaires virtuelles

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L'année 2020 s'annonce comme une année unique. Tant de choses ont changé et l'école n'est pas différente. Avec de nombreux étudiants apprenant à domicile via l'école virtuelle, il y a des ajustements à faire. L'apprentissage peut paraître différent et peut être plus difficile pour certains, mais il n'y a aucune raison pour laquelle les parents ne peuvent pas aider leurs enfants à faire de cette année scolaire une expérience positive.

Faire participer les enfants à une routine et s'assurer qu'ils disposent d'un espace calme et dédié pour participer à leur cours en ligne est essentiel. Mais il est tout aussi important de s'assurer qu'ils ont tout ce dont ils ont besoin pour mener à bien leurs projets à domicile et leurs devoirs. Ainsi, même si certaines fournitures scolaires seront similaires aux années passées, il peut y avoir quelques éléments essentiels supplémentaires qui peuvent aider à rendre la vie de votre famille plus facile.

Nous avons dressé notre liste des meilleures fournitures pour l'école virtuelle en pensant aux jeunes apprenants. Les enfants plus âgés peuvent avoir besoin de papeterie plus basique, tandis que les plus jeunes apprécieront certainement plus de fournitures d'art et d'artisanat. Ajustez vos besoins en fonction de l'âge de votre enfant, mais consultez notre liste de base pour vous aider à démarrer.

Découvrez 9 fournitures scolaires essentielles pour faire de l'école virtuelle un jeu d'enfant.

Écouteurs de qualité

Écouteurs filaires pour enfants

JLab | 19,99 $

Organisateur de bureau LEGO DOTS

Organisateur de bureau LEGO

LEGO | 19,99 $

Reliures colorées à trois anneaux

Classeurs à trois anneaux

Yoobi | 19,99 $

Cahiers de composition

Ensemble de cahier de composition

Yoobi | 10,19 $

Organisateur mural suspendu

Organisateur mural suspendu

mDesign | 11,99 $

Tableau blanc et tableau noir de bureau double

Tableau blanc et tableau noir de bureau

Boutique DasKid | 25,99 $

Kit de fournitures scolaires de base

Kit de fournitures scolaires de base

Art Sargent | 18,93 $

Cahiers à spirale à un sujet

Cahiers colorés à un sujet

Yoobi | 11,43 $

Bureau d'étude réglable pour enfants

Bureau d'étude réglable pour enfants

Gymax | 399,99 $

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La prochaine exposition «Les aventures d’Alice au pays des merveilles» enverra les spectateurs «à travers le miroir»

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Art conceptuel par Mary Blair pour Disney

Concept art par Mary Blair pour l'adaptation de Walt Disney en 1951 d'Alice au pays des merveilles (c) Disney

Une nouvelle exposition intitulée Alice: plus curieuse et curieuse ouvrira en mars prochain au Victoria and Albert Museum de Londres. Mise en scène par le célèbre concepteur de théâtre Tom Piper, l'exposition documente 157 ans de fascination généralisée pour Lewis Carroll. Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles. Le célèbre conte pour enfants, publié en 1865 (et sa suite, intitulée À travers le miroir et ce qu'Alice y a trouvé, sorti en 1871) présente une troupe de personnages et un monde imaginaire illustre qui ont inspiré de nombreux artistes pendant des siècles, y compris ceux dont le travail apparaît dans l'exposition – Tim Burton, Salvador Dalí et la designer Vivienne Westwood.

Parmi les plus de 300 objets exposés dans l'exposition d'art figurent les illustrations originales du livre de l'illustrateur John Tenniel. Dessinateur prodigieux de la période victorienne, Tenniel collabore avec Carroll à sa première édition. Ses dessins originaux d'Alice, du Dodo et d'autres personnages ont aidé à définir leurs apparitions désormais célèbres. Les visiteurs pourront également voir des photographies de la «vraie» Alice. Enfant d'un doyen à Oxford, Alice Liddell était courageuse et vive. Carroll (de son vrai nom Charles Lutwidge Dodgson) a diverti la jeune Alice et ses deux sœurs avec des histoires fantastiques, dont l'une est devenue Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles.

Autres personnages de pays des merveilles sont tout aussi célèbres qu'Alice. Le chapelier fou, la reine de cœur et le chat du Cheshire apparaissent à travers des lentilles modernes. Par exemple, dans la véritable esthétique des années 1960, une affiche psychédélique conçue par Joseph McHugh représente un chat du Cheshire aux yeux rouges. L'exposition comprendra également des images de interprétations dramatiques modernes du conte. Les costumes du film Tim Burton 2010 et du ballet de Christopher Wheeldon (interprété en 2011 par le Royal Ballet de Londres) démontrent la pertinence durable des personnages de Carroll. L'art conceptuel original de Walt Disney créé pour le film d'animation de 1951 sera également présenté.

Devenir «curieux et curieux» pour en voir plus? L'exposition Alice: plus curieuse et curieuse sera ouvert au public le samedi 27 mars 2021 au Victoria & Albert Museum de Londres. Les billets seront bientôt mis en vente sur le site Web de V&A. L'exposition se poursuivra jusqu'en décembre 2021 pour laisser suffisamment de temps à tous les visiteurs intéressés pour voir la collection en toute sécurité. Pendant que vous attendez, vous pouvez créer un peepshow victorien en papier avec ce tutoriel V&A conçu par l'artiste Clare Bryan.

Une prochaine exposition au Victoria & Albert Museum de Londres retracera 157 ans d'influence artistique de Lewis Carroll Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles.

Salvador Dali A Mad Tea Party

Salvador Dali, A Mad Tea Party, 1969, Dallas Museum of Art, don de Lynne B. et Roy G. Sheldon, 1999.183.12_2. © Salvador Dali, Fundació Gala-Salvador Dalí, DACS 2019. © Salvador Dali, Fundació Gala-Salvador Dalí, DACS 2019

L'exposition comprend des illustrations originales de John Tenniel, le dessinateur qui a illustré la première édition du roman.

Illustration de John Tenniel Mad Hatters Tea Party

Illustration tirée des aventures d’Alice au pays des merveilles, écrite par Lewis Carroll, illustrée par John Tenniel, première édition publiée, 1866, p.97. Bibliothèque nationale d'art. © Victoria and Albert Museum, Londres. © Victoria and Albert Museum, Londres

Les téléspectateurs verront également des photos de la «vraie» Alice, Alice Liddell.

Alice Liddell comme Pomona par Julia Margaret Cameron

Pomona, photographie de la «vraie» Alice Liddell, par Julia Margaret Cameron, à l'albumine, 1872, Angleterre. Musée no. RPS.1271-2017. © Victoria and Albert Museum, Londres. © Victoria and Albert Museum, Londres

Les personnages de Carroll ont inspiré des générations d'artistes travaillant dans différents médiums et à différentes périodes artistiques.

Chat du Cheshire Poster

«Cheshire Cat», affiche psychédélique, conçue par Joseph McHugh, imprimée par Orbit Graphic Arts, publiée par East Totem West, 1967, Californie, États-Unis. Musée no. E.3796-2004. © Victoria and Albert Museum, Londres

Dessin original lapin blanc par Ralph Steadman

Dessin original du lapin blanc pour la série Alice au pays des merveilles, Ralph Steadman, 1967. © Ralph Steadman Art Collection, 2019. Tous droits réservés. © Collection d'art Ralph Steadman, 2019

Dorothea Tanning Eine Kleine Nachtmusik

Dorothea Tanning, Eine Kleine Nachtmusik, 1943. © ADAGP, Paris et DACS, Londres 2019. © ADAGP, Paris et DACS, Londres 2019

Impression de Peter Blake à partir de la Suite illustrant

Impression de Peter Blake à partir d'une suite illustrant «À travers le miroir et ce qu'Alice y a trouvé». 1970. © Peter Blake. Tous droits réservés, DACS 2019. © Peter Blake. Tous droits réservés, DACS 2019

Des œuvres modernes de Tim Burton, Anna Gaskell, Salvador Dalí et la designer Vivienne Westwood seront également exposées.

Quinten Massys une vieille femme ou la vilaine duchesse

Quinten Massys. Une vieille femme («La vilaine duchesse»). © La National Gallery, Londres. Légué par Mlle Jenny Louisa Roberta Blaker, 1947. (L'image a été recadrée pour être utilisée ici.)

Remplacer # 25 par Anna Gaskell

Override # 25 (Override), artiste Anna Gaskell, Solomon R. Guggenheim Museum (c) avec l'aimable autorisation de la Galerie Gisela Capitain, Cologne

Override # 26 par Anna Gaskell

Override # 26 (Override), artiste Anna Gaskell, Solomon R. Guggenheim Museum (c) avec l'aimable autorisation de la Galerie Gisela Capitain, Cologne

Cette exposition présentera également les nombreuses adaptations dramatiques de Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles, y compris les productions cinématographiques et scéniques.

Johnny Depp Mad Hatter de Colleen Atwood, Costume pour Tim Burton

Costume Mad Hatter conçu par Colleen Atwood pour l'adaptation 2010 d'Alice au Pays des Merveilles par Tim Burton, porté par Johnny Depp (c) 2010 Disney

Alice's Adventures In Wonderland 25 février 2011

Zenaida Yanowsky comme la reine rouge dans le ballet de Christopher Wheeldon Alice's Adventures in Wonderland. Le Ballet royal. © ROH, Johan Persson, 2011. Décors et costumes de Bob Crowley. © ROH, Johan Persson, 2011. Décors et costumes de Bob Crowley.

Le roman de Carroll reste culturellement pertinent plus d'un siècle après sa première popularité.

Photo par Ashraf Hendricks

Photographie prise lors d'une manifestation contre Jacob Zuma, Le Cap, 7 avril 2017 (c) Ashraf Hendricks, GroundUp

L'exposition devrait ouvrir ses portes en mars 2021 et les billets seront bientôt disponibles.

VIKTOR & ROLF HAUTE COUTURE AUTOMNE / HIVER 2016

Viktor & Rolf Haute Couture Automne-Hiver 2016 – Vagabonds. Crédit photo Équipe Peter Stigter.

Victoria and Albert Museum: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos du Victoria and Albert Museum.

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10 faits amusants sur Corgis, le chiot de la taille d'une pinte qui regorge d'énergie

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Trois corgis assis sur une route

Photo: Photos de Vera Reva / Shutterstock

Qui n'aimerait pas un Corgi gallois? Ces adorables cabots sont amicaux, énergiques et tout simplement drôles. De leurs mégots mignons – qui ont engendré leur propre pâtisserie – à leur nature bavarde, les corgis occupent une place particulière dans le cœur des amoureux des animaux.

Originaire du Pays de Galles, c'est aujourd'hui l'une des races de chiens les plus populaires aux États-Unis. Leur intelligence les rend faciles à entraîner et ces chiens énergiques adorent sortir et devenir actifs. Pesant environ 30 livres et mesurant en moyenne environ 12 pouces de hauteur, ils sont très adaptables que vous ayez un appartement ou une grande cour.

Bien que nous sachions tous que les corgis sont mignons, il y a beaucoup plus chez ce chien que ce que l'on voit. Lisez la suite et découvrez ce qui fait du corgi une race de chien spéciale et découvrez pourquoi ces chiens fascinent le public depuis des décennies.

Faites défiler vers le bas pour apprendre 10 faits amusants sur les corgis bien-aimés.

Pembroke Welsh Corgi et Cardigan Welsh Corgi

Photo: Photos de Welshea / Shutterstock

Il existe deux races différentes.

Alors que les gens les appellent souvent Corgis ou Welsh Corgis, il existe en fait deux races de ce petit paquet d'énergie: le Pembroke Welsh Corgi et Cardigan Welsh Corgi. Le Pembroke est la race la plus populaire, bien que le Cardigan soit considéré comme la race la plus ancienne. Les cardigans sont également légèrement plus grands que les Pembrokes et peuvent être de n'importe quelle couleur.

Les deux races ont été présentées ensemble en compétition jusqu'en 1934, lorsque le Kennel Club les a finalement reconnues comme des races distinctes.

Leur nom reflète leur taille.

Mesurant seulement 10 à 13 pouces de hauteur, ces petits chiens ont un nom qui reflète leur stature. En gallois, cor signifie nain tandis que gi est une forme du mot chien, donc leur nom se traduit littéralement par «chien nain».

Corgi souriant

Photo: Photos de Chutima Chaochaiya / Shutterstock

Ils ont une histoire ancienne.

Comme Pembroke Welsh corgis et Cardigan Welsh corgis sont des races différentes, ils ont des histoires différentes. Le Cardigan a été introduit au Pays de Galles par les Celtes vers 1200 avant notre ère. Cet ancêtre de la race moderne est également lié au teckel.

On pense que le corgi gallois de Pembroke a été introduit par des tisserands flamands vers 1100 CE. L'ancêtre des Pembroke appartient au même groupe qui est responsable des Samoyèdes et des Poméraniens.

Il y a une légende autour de leur évolution.

Au Pays de Galles, il existe une légende pour expliquer l'histoire du corgi Pembroke Welsh, et cela implique des fées! Une légende populaire affirme que ces chiens «enchantés» étaient des cadeaux laissés par les fées. En fait, selon la légende, ces corgis travaillaient dur en tirant des entraîneurs de fées et en élevant du bétail pour les fées.

Welsh Corgi prêt à troupeau de moutons

Photo: Photos de Nadezhda V. Kulagina / Shutterstock

Les corgis sont des éleveurs.

Bien que vous ne le réalisiez peut-être pas par leur taille, les corgis sont en fait des chiens de berger. En fait, c'est la plus petite race du groupe d'élevage. Plus précisément, ils ont été élevés pour travailler avec du bétail et les ont maintenus en mouvement en mordillant leurs sabots. Cela en fait des talons et leur petite taille a travaillé à leur avantage dans cette position. Leur agilité, associée au fait qu'ils sont au ras du sol, signifie qu'ils pouvaient faire leur travail efficacement sans se faire piétiner.

Bien sûr, si vous avez un corgi à la maison, vous avez peut-être remarqué que leur instinct de pincement du talon s'est manifesté, surtout s'ils vous voient courir. Aucune crainte, les corgis peuvent être entraînés hors de cette habitude, surtout si vous commencez jeune.

Ils sont très intelligents.

Les corgis ne sont pas seulement mignons et courageux, ils sont aussi très intelligents. En fait, sur 110 races classées par QI canin, le corgi Pembroke Welsh est arrivé 11e. Le corgi Cardigan Welsh n'était pas trop loin derrière, se classant 26e.

Bien que cette intelligence soit un atout pour la formation, cela peut également signifier que ces chiens peuvent parfois déjouer leurs propriétaires si vous ne faites pas attention. Les corgis sont également connus pour leur volonté, une formation précoce et cohérente est donc la clé pour exploiter leur intelligence de la bonne manière.

Welsh Corgi en cours d'exécution après un ballon sur la plage

Photo: Stock Photos de MDavidova / Shutterstock

La reine Elizabeth est une grande fan.

Bien qu'il existe de nombreux amateurs de corgi dans le monde, personne ne domine le plus grand fan de corgi du monde, la reine Elizabeth II. Son penchant pour Pembroke Welsh corgis remonte à son enfance. Ses parents, le roi George VI et la reine Elizabeth la reine mère, possédaient tous deux des corgis. La reine Elizabeth II lui a été offerte pour la première fois en 1933 par son père alors qu'elle n'avait que sept ans.

Depuis lors, elle possède plus de 30 corgis, bien qu'elle ait arrêté de les élever en 2015 afin qu'aucun ne soit laissé pour compte après sa mort. Actuellement, la reine n'a pas de corgis de race. Après la mort de Willow en 2018, elle n'a plus que deux dorgis (mélanges teckel-corgi) nommés Vulcan et Candy.

Au fil des ans, l'amour de la reine pour les corgis a élevé le niveau de popularité de la race. Il y a des statues d'elle avec ses toutous bien-aimés et une pièce de monnaie émise pendant le jubilé d'or représente la reine et ses corgis. Ils sont également le sujet du film d'animation 2019, Le corgis de la reine.

Adorable Pembroke Welsh Corgi

Photo: Photos de Gorodisskij / Shutterstock

Ils sont très bavards.

Pour un chien si petit, les corgis ont un gros aboiement. Leurs vocalisations fortes et profondes se sont avérées utiles lorsqu'ils étaient en troupeau, car ils utilisaient leur aboiement fort pour maintenir le bétail en mouvement. Et, comme ils sont assez alertes et de bons chiens de garde, ils utiliseront leur voix chaque fois qu'ils auront l'occasion de faire savoir à leurs propriétaires ce qui se passe.

Compte tenu de leur extrême intelligence, ils ont beaucoup à communiquer. Et, contrairement à certaines autres races qui peuvent gémir ou hurler, les corgis aboyeront pour faire passer leur message.

Beaucoup ne sont pas nés sans queue.

Selon les normes de la race, les corgis Pembroke Welsh ne devraient pas avoir de queue. Et tandis que certains corgis naîtront sans queue, la majorité obtiennent ce look en raison de l'amarrage de la queue qui se produit lorsqu'ils sont âgés de quelques jours.

La caudale est interdite au Royaume-Uni depuis 2006, sauf si la procédure est jugée médicalement nécessaire par un vétérinaire. Une loi similaire est entrée en vigueur en Australie en 2010 et une grande partie de l'Europe a également interdit cette pratique.

Comme une queue coupée fait partie du standard de la race, certains attribuent à l'interdiction le déclin de la popularité du corgi au Royaume-Uni.

Instagram a aidé à «sauver» la race.

Le corgi Pembroke Welsh est très populaire aux États-Unis, se classant même à la dixième race la plus populaire de 2019 par l'American Kennel Club. Étonnamment, on ne peut pas en dire autant au Royaume-Uni, où l'intérêt pour les races a diminué.

Chaque année, le Kennel Club publie une liste d'espèces indigènes vulnérables, qui répertorie les races qui ont eu moins de 300 inscriptions en un an. Le corgi Pembroke Welsh a été placé pour la première fois sur la liste de surveillance en 2009, ce qui signifie qu'il n'y avait qu'entre 300 et 450 inscriptions. En 2015, le corgi gallois de Pembroke a été placé pour la première fois sur la liste vulnérable, avec seulement 274 inscriptions. Le corgi Cardigan Welsh a été encore pire et est toujours répertorié comme vulnérable avec seulement 126 inscriptions en 2019.

Heureusement, le corgi gallois de Pembroke fait un retour et, à partir de 2019, est complètement hors de la liste. Certains attribuent cela au regain d'intérêt après leur apparition sur Netflix. La Couronne. Mais certainement, leur succès sur les réseaux sociaux (et en particulier Instagram), a aidé à montrer à quel point ces chiots sont adorables.

Une recherche rapide montre que treize hashtags corgi différents contiennent plus d'un million de publications, #corgi enregistrant plus de 10 millions d'images. Les corgis Instagram influents incluent lacorgi, Maxine the Fluffy Corgi, Tibby the Corgi et Ralph the Corgi.

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Jessica Stewart est rédactrice et spécialiste des médias numériques pour My Modern Met, ainsi que conservatrice et historienne de l'art. Elle a obtenu sa maîtrise en études de la Renaissance à l'University College London et vit maintenant à Rome, en Italie. Elle a cultivé une expertise dans le street art qui a conduit à l'achat de ses archives photographiques par l'Encyclopédie italienne Treccani en 2014. Lorsqu'elle ne passe pas de temps avec ses trois chiens, elle gère également le studio d'un artiste de rue à succès. En 2013, elle est l'auteur du livre «Street Art Stories Roma» et a récemment contribué à «Crossroads: A Glimpse Into the Life of Alice Pasquini». Vous pouvez suivre ses aventures en ligne sur @romephotoblog.

Peintures étoilées spectaculaires Explorez les profondeurs infinies de l'espace extra-atmosphérique

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Art de l'espace par Lanchen Designs

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Alors que certains artistes trouvent leur inspiration dans la beauté familière de la nature, d'autres se tournent vers les étoiles. L'artiste Lanchen Mihalic (également appelée Lanchen Designs), basée à Los Angeles, crée des peintures incroyables qui explorent les profondeurs fascinantes de l'espace. Elle décore des toiles de différentes formes et tailles avec des représentations de nébuleuses tourbillonnantes, de galaxies et de planètes.

Le vaste portefeuille de Mihalic examine une myriade de scènes célestes dans une gamme de couleurs fantastiques. «Peindre des nébuleuses abstraites me permet de créer le cosmos que nous n’avons pas encore découvert», dit-elle à My Modern Met. Utilisant de la peinture acrylique et de la résine, l'artiste talentueux associe le noir aux teintes violettes, oranges et bleues pour imiter les profondeurs infinies de l'espace. Ensuite, elle ajoute de nombreuses étoiles blanches pour illuminer le fond abstrait et lui donner vie.

En plus de ses toiles inspirées de l'espace, Mihalic embellit également les chaussures. Des baskets aux talons compensés, elle utilise son pinceau pour transformer le tissu en un portail vers une autre galaxie. «J'espère que mon travail inspirera les autres à continuer à chercher et à explorer au-delà du monde que nous connaissons», poursuit Mihalic.

Vous pouvez acheter l'art spatial de Mihalic via sa boutique Etsy et vous tenir au courant de ses dernières créations en la suivant sur Instagram.

L'artiste Lanchen Mihalic (également appelée Lanchen Designs sur Etsy) crée un art spatial incroyable.

Art de l'espace par Lanchen Designs

Elle utilise de la peinture acrylique pour rendre des scènes qui sont hors de ce monde.

Art de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsPeintures spatialesPeintures de l'espaceArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen Designs

Lanchen décore également les chaussures de nébuleuses colorées…

Art de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen Designs

… Et peint les différentes phases de la lune.

Art de l'espace par Lanchen DesignsArt de l'espace par Lanchen Designs

Découvrez comment Lanchen crée ses peintures de galaxies dans cette vidéo:

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=pKRsbXnn46A (/ incorporer)

Designs Lanchen: Etsy | Facebook | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Lanchen Mihalic.

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5 œuvres emblématiques de David Hockney qui définissent sa longue carrière

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Mieux connu pour ses peintures vibrantes des piscines de Los Angeles, David Hockney est considéré comme l'un des artistes les plus influents du XXe siècle. Le peintre, dessinateur, graveur, scénographe et photographe anglais de 83 ans a apporté une énorme contribution au mouvement Pop Art des années 1960, et il continue de peindre et d'exposer encore aujourd'hui. De ses premières peintures de figures abstraites à ses collages photographiques ultérieurs, le style de Hockney est en constante évolution.

Poursuivez votre lecture pour découvrir cinq œuvres d'art de Hockney qui présentent les différents thèmes et techniques qu'il a explorés tout au long de sa carrière.

Voici cinq œuvres de David Hockney qui montrent comment son style artistique a évolué au fil des ans.

Nous deux garçons ensemble accrochés, 1961

Ce premier travail, intitulé Nous deux garçons ensemble accrochés, a été l’un des premiers clin d'œil à l’homosexualité de Hockney dans son art. Peinte à une époque où l'homosexualité était illégale aux États-Unis et en Grande-Bretagne, la représentation de deux hommes s'embrassant était un choix risqué pour le courageux artiste. Le style gestuel et la palette de couleurs atténuées de la pièce sont loin des compositions polies et colorées de Hockney pour lesquelles il est maintenant connu. Cependant, cette approche abstraite lui a donné un moyen d'aborder les relations homosexuelles d'une manière qui ne révèle pas l'identité de ses sujets.

Hockney peint Nous deux garçons ensemble accrochés vers la fin de sa deuxième année au Royal College of Art. La peinture dérive d'un poème du même titre de l'écrivain américain du XIXe siècle, Walt Whitman. Deux vers du poème ont été griffonnés sur le côté droit, offrant un récit de la scène. La peinture fait également référence à une coupure de journal détaillant un accident d'escalade à l'époque («Deux garçons s'accrochent à la falaise toute la nuit»). Ce double sens a ravi Hockney, qui idolâtre le chanteur pop britannique, Cliff Richard.

Une plus grosse éclaboussure, 1967

Hockney peint Une plus grosse éclaboussure pendant son séjour à l'Université de Californie à Berkeley. Les piscines de L.A. étaient l'un de ses sujets de prédilection et il s'est fait connaître pour ses grandes œuvres emblématiques qui les représentaient dans un style réaliste et vibrant. Cette pièce particulière de 94 × 94 pouces est le résultat de deux peintures plus petites dans lesquelles il a développé l'idée: Un peu d'éclaboussure (1966) et Le Splash (1966). Une plus grosse éclaboussure a été peint avec de la peinture acrylique, qui était un médium artistique relativement nouveau à l'époque. Conceptuellement, son utilisation avait du sens; Hockney avait l'impression que le pigment à séchage rapide était plus adapté pour représenter les paysages chauds et ensoleillés de la Californie que les peintures à l'huile traditionnelles.

Hockney a basé l'éclaboussure de la peinture sur une photographie qu'il a trouvée dans un manuel de piscine. Son objectif était de capturer l'événement d'une fraction de seconde dans une image fixe. La fluidité de l'éclaboussure contraste avec la géométrie rigide de la maison californienne en arrière-plan, ainsi que les bords droits de la piscine et le plongeoir jaune. «J'adore l'idée avant tout de peindre comme Léonard, toutes ses études sur l'eau, les choses tourbillonnantes», écrit Hockney dans son autobiographie. «Et j'ai adoré l'idée de peindre ce truc qui dure deux secondes: il me faut deux semaines pour peindre cet événement qui dure deux secondes.

Collectionneurs américains (Fred et Marcia Weisman), 1968

Les portraits de Hockney de la fin des années 60 offrent un aperçu de l’humeur et de la culture de l’Amérique à l’époque. Dans Collectionneurs américains, Hockney représente ses amis Fred et Marcia Weisman devant leur domicile à Los Angeles. Ils sont entourés de leurs objets d'art précieux, comme une sculpture moderniste et un totem Henry Moore.

La palette de couleurs pastel de la peinture donne à la scène un aspect presque onirique, capturant magnifiquement la lumière du soleil du sud de la Californie. Le couple est aussi rigide que leurs statues de jardin environnantes, donnant une sensation surréaliste et presque comique à la pièce. La peinture défie également les rôles de genre traditionnels; Marcia, une matrone aux formes complètes en peignoir, montre les dents et prend une pose à la fois élégante et puissante. Fred, l'homme de la maison, se tient à l'extrême gauche du tableau, les poings serrés, reflétant la position du totem comme si les deux étaient d'égale importance.

Un Grand Canyon plus grand, 1998

Inspiré par l'échelle monumentale du Grand Canyon, Hockney a commencé à photographier la merveille naturelle en 1982. «Il ne fait aucun doute que le frisson de se tenir sur ce bord du Grand Canyon est spatial», a-t-il dit un jour. «C'est le plus grand espace sur lequel vous pouvez regarder et qui a un avantage.»

Le peintre du XIXe siècle Thomas Moran est l'un des rares artistes à avoir réussi à capturer l'échelle et les détails du Grand Canyon dans leur art. La version de Moran est considérée par beaucoup comme la plus célèbre, mais Hockney voulait contester cela avec sa propre itération. Il a créé Un Grand Canyon plus grand en réponse à la peinture de 111 × 170 pouces de Moran, celle de Hockney est encore plus grande à 106 × 275 pouces. Il comprend 60 petites toiles réunies pour créer une grande vue, ne représentant qu'une partie du canyon. L'œuvre d'art vibrante évoque ce que c'est que de visiter le paysage épique, de voir ses petits détails ainsi que ses vues spectaculaires, le tout en même temps.

Billy + Audrey Wilder, 1981-1982

Au début des années 80, dans le cadre d'une enquête sur le cubisme, Hockney a commencé à expérimenter des collages photographiques. Il a combiné des dizaines de photos Polaroid, prises sous différents angles, pour créer une image complète, ou ce qu'il a décrit comme des «menuisiers». Dans Billy + Audrey Wilder, Hockney a produit un effet vertigineux en représentant les sujets de plusieurs points de vue. Chaque Polaroid individuel est pris séparément mais expérimenté simultanément. «J'étais devant la caméra jour et nuit», explique Hockey, «les menuisiers étaient beaucoup plus proches de la façon dont nous regardons les choses, plus proches de la vérité de l'expérience.

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Vente de la fête du travail à My Modern Met Store: économisez 15% sur tous nos produits créatifs

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Vente de la fête du travail à My Modern Met Store

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Incroyable yacht de luxe conçu sous la forme d'un cygne géant

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Incroyable yacht de luxe conçu sous la forme d'un cygne géant

Concept de yacht de luxe

La plaisance en soi est toujours luxueuse, mais Pierpaolo Lazzarini de Lazzarini Design Studio a pris les choses à un nouveau niveau avec son nouveau concept de yacht. Appel Avanguardia, ce yacht de 450 pieds de long a un design innovant qui rappelle un cygne. Des héliports au garage latéral pour ranger les véhicules, le design innovant regorge de fonctionnalités qui feraient pâmer tout amateur de navigation de plaisance.

Le cœur de la conception est la «tête de cygne» qui fonctionne comme une tour de contrôle et peut ajuster la position du yacht en s'abaissant dans le corps du bateau. Il peut également se replier dans l'eau, formant un pont qui donne accès à la tête. La tête se détache alors et se double d'une offre de 52 pieds.

L'Avanguardia a été conçue comme entièrement électrique, avec des moteurs pouvant la propulser jusqu'à une vitesse de croisière de 18 nœuds. Conçu pour répondre aux besoins de ses passagers, le yacht dispose d'une piscine sur son pont supérieur, de deux héliports, ainsi que d'un pont arrière avec un port pouvant accueillir deux capsules à jet conçues par Lazzarini.

Réparti sur cinq ponts, le luxueux yacht a une capacité de 60 passagers. Bien que l'Avanguardia ne soit actuellement qu'un exercice de concept, Lazzarini Design Studio a déclaré qu'il pourrait être réalisé avec le bon investisseur. Bien sûr, il faudra des poches assez profondes pour que cela se produise – le coût de construction est estimé à 500 millions de dollars.

Avanguardia est un yacht concept de luxe par Lazzarini Design Studio qui ressemble à un cygne.

Concept de yacht de luxeConcept de yacht électriqueConcept de yacht de luxe

Le yacht à propulsion électrique est rempli d'équipements comme une piscine et deux héliports.

Avanguardia Yacht par Lazzarini Design StudioConcept de yacht de luxeConcept de yacht de luxe

La tête de cygne centrale peut être abaissée dans l'eau et se détacher, devenant une tendre.

Avanguardia Yacht par Lazzarini Design StudioAvanguardia Yacht par Lazzarini Design StudioAvanguardia Yacht par Lazzarini Design StudioAvanguardia Yacht par Lazzarini Design Studio

Bien que ce ne soit qu'un concept pour le moment, si un investisseur a suffisamment de poches, cela pourrait devenir une réalité.

Concept de yacht de luxe

Lazzarini Design Studio: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: [designboom]

Toutes les images via Lazzarini Design Studio.

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Technicolor: l’histoire vibrante des premières introductions d’Hollywood aux films en couleur

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Caméra Technicolor 3 bandes

Un appareil photo Technicolor à trois bandes. Musée de l'image en mouvement. Queens, New York. (Photo de Marcin Wichary. Wikimedia Commons (CC BY 2.0))

Au début du 20e siècle, le cinéma et les cinémas ne faisaient que commencer. Des milliers de grandes salles confortables sont apparues en 1915. De nouveaux longs métrages à bobines multiples ont été importés d'Europe et adoptés par la classe moyenne américaine. De nombreux noms de studios légendaires datent de ces premiers jours – Universal (1912), Goldwyn (1916) et Fox (1915) ont été fondés dans le cadre du boom du cinéma. Dans les années 1920, les principaux acteurs de films muets étaient des stars de cinéma au sens moderne du terme – bien rémunérées et reconnues à l'échelle nationale. «Les films» sont rapidement devenus une partie importante de la vie culturelle américaine.

Les débuts de Technicolor

Depuis l'avènement et l'introduction publique du film, le public avait l'habitude de tout voir en noir et blanc. Cela a commencé à changer au début du XXe siècle lorsque Technicolor est entré (et sans doute perturbé) le monde des films en noir et blanc.

À ce stade, une technologie couleur limitée existait pour les films. Les bandes de films peuvent être soigneusement teintes, créant une dominante de couleur sur certains cadres; pendant ce temps, d'autres ont été peints à la main. Cependant, un autre processus appelé Kinemacolor a été introduit dans un film d'essai de 1908. Il projetait des images sur un écran de cinéma à travers des filtres colorés. Cependant, seuls des filtres rouges et verts ont été utilisés, limitant la gamme de couleurs produite. L'équipement de projection était également assez coûteux.

Le golfe entre eux

Un cadre survivant de Le golfe entre eux (1917). (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Les fondateurs et ingénieurs de Technicolor (Herbert Kalmus, Daniel Frost Comstock et W. Burton Wescott) ont cherché à repousser les limites de la cinématographie couleur. Leur premier projet, Le golfe entre (1917), a utilisé une stratégie similaire à Kinemacolor – lumière rouge et verte. Lors du tournage, la lumière rouge et verte a été séparée par un prisme et enregistrée sur deux bobines de film séparées. Décrit par le musée Eastman comme un «processus additif», il nécessitait une projection à travers des filtres de couleur. rouge et vert produit des tons de peau et de la verdure réalistes, mais le ciel et l'eau ne peuvent pas être reproduits de manière réaliste. Comme Kinemacolor, ce processus n'était pas bien adapté au cinéma américain moyen.

Succès précoce à Hollywood

Les films des années 1920 ont commencé à changer à jamais le cours du médium avec l'avènement de deux nouveaux ajouts:son et couleur. Le dialogue synchronisé a été introduit, perturbant l'industrie du cinéma muet, et les premiers longs métrages en couleur ont également été réalisés à cette époque. Cependant, aucun changement dans l'industrie n'a été immédiatement accepté par tous. Les cinéastes et les acteurs ont exprimé leur inquiétude quant au fait que la couleur et le son pourraient devenir criards et détourner l'attention de la narration.

La véritable percée de Technicolor est arrivée en 1922. Filmé en utilisant la méthode du prisme et du filtre pour séparer la lumière rouge et verte sur deux bobines de film, un processus de transfert de couleur a été inventé pour créer une bobine finale colorée. Chacune des deux bobines serait de couleur rouge ou verte, avec des dégradés et de l'ombre. Les deux bobines seraient ensuite collées ensemble pour former une bande qui combinait les couleurs de chaque diapositive. Tout ce qui était nécessaire pour projeter une image couleur était la lumière blanche standard déjà utilisée dans les théâtres.

Malgré le raffinement de ce développement révolutionnaire, le procédé Technicolor était coûteux. Les films des années 1920 qui ont choisi d'utiliser la couleur limitaient souvent le processus coûteux à quelques scènes – souvent des mariages ou des numéros de danse.

Le fantôme de l'Opéra

Numérisation d'une bande de film Technicolor 35 mm à partir de Le fantôme de l'Opéra (1925). (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Dans les années 1930, le potentiel du film couleur a été plus largement accepté. Technicolor a investi du temps dans la recherche de l'impact de la couleur sur l'émotion et dans le développement d'un nouveau processus tricolore qui pourrait fournir un divertissement à spectre complet. Les nouvelles caméras étaient volumineuses, contenant trois bobines séparées. Un prisme divise la lumière en cyan, magenta et jaune (les trois couleurs utilisées par les imprimantes à jet d'encre modernes). Chaque bobine distincte a été utilisée pour créer une copie positive, appelée matrice. Chaque matrice a ensuite été teintée dans sa couleur complémentaire, absorbant le colorant. Ensuite, à travers un processus de imbibition de colorant, une bobine finale de film de gélatine a été pressée sur chaque couleur. Le résultat final a mélangé les couleurs primaires pour créer une image à spectre complet.

Affiche pour Robin des Bois

Affiche pour Les aventures de Robin Hood (1938) citant l'utilisation du procédé Technicolor. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

L'appel des films couleur

Le processus de transfert de teinture a cimenté la domination de Technicolor sur le film couleur pendant plus de deux décennies. Emporté par le vent (1939), Les aventures de Robin Hood (1938) et Disney's Blanc comme neige (1937) ont tous utilisé le procédé. Technicolor a également reçu un crédit pour Le magicien d'Oz en 1939. Le film, réalisé par Victor Fleming, avait beaucoup de ses éléments classiques dictés par les exigences du procédé Technicolor. En fait, les pantoufles rubis emblématiques étaient à l'origine en argent, mais les producteurs ont décidé que le ton du bijou serait meilleur. Les chevaux ont également été teints avec de la poudre Jello pour produire des teintes vibrantes. Les collaborateurs de Technicolor étaient sur le plateau pour garantir les meilleurs résultats. Un tel éclairage de studio a été utilisé que les températures pouvaient augmenter de plus de 100 degrés sur le plateau.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=g9S76vtk4Ro (/ incorporer)

Le magicien d'Oz a marqué un changement dans la manière dont les cinéastes et le grand public se rapportaient à la couleur. Au début, Dorothy vit dans le Kansas aux tons sépia. Sepia était représentatif d'un pays qui sortait à peine de l'ère de la Grande Dépression et du Dust Bowl, mais le tournage n'était en fait pas en noir et blanc. L'ensemble entier – et les costumes de Dorothy – ont été créés dans des tons sépia. Lorsque Dorothy sort de sa maison ravagée par la tornade pour se rendre à Oz, un corps recouvert de sépia la regarde avec émerveillement. Elle s'écarte ensuite, et une Judy Garland aux costumes colorés émerge. Les premières inquiétudes des cinéastes selon lesquelles la couleur pourrait distraire le public se sont avérées incorrectes. La couleur est devenue une partie de l'histoire elle-même et un dispositif narratif important.

Les hommes préfèrent les blondes Marilyn Monroe

Scène tournée en Technicolor de Les hommes préfèrent les blondes (1953) avec Marilyn Monroe et Jane Russel. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Concurrence et innovation

La domination de Technicolor dans la production de films couleur est restée pratiquement incontestée jusqu'aux années 1950. Les films en couleur sont devenus beaucoup plus populaires et des processus moins chers sont devenus disponibles. «Color by Technicolor» est resté la référence, mais Eastmancolor par Kodak et Anscocolor par Ansco proposé des alternatives de tournage moins chères. Plutôt que trois rouleaux, ces méthodes ne nécessitaient qu'une seule bobine de film triple émulsion. Pour rester pertinent, Technicolor a capitalisé sur ses couleurs et sa clarté supérieures. L'entreprise a commencé à convertir des films tournés sur d'autres marques de films en bobines Technicolor prêtes à être distribuées. Dans un exemple de prévoyance d'entreprise, Technicolor a remodelé ses encombrants appareils photo à trois bandes pour les filmer au format cinéma grand écran populaire. Technirama proposait des images couleur compressées de haute qualité qui pouvaient être agrandies par projection.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=7Y8JZ_w9a-k (/ incorporer)

Après près de 50 ans de fonctionnement, le processus de transfert de colorant de Technicolor a finalement cessé d'être utilisé dans les années 1970. Cependant, au cours des années 80, l'entreprise a popularisé un procédé chimique de «rétention d'argent» pour le film connu sous le nom de ENR. De nombreux réalisateurs modernes ont utilisé le processus, et on peut le voir dans des films tels que Steven Spielberg Sauver le soldat Ryan. Le tournage étant numérique dans les studios modernes, Technicolor au 21e siècle a restauré de vieux films et est entré dans de multiples arènes des médias numériques. L'entreprise qui en est venue à définir des couleurs vives et brillantes reste un nom familier.

Héritage

Dirigé par Technicolor, le développement des films en couleur a concerné trois générations de cinéphiles. La technologie cinématographique en évolution rapide date souvent visiblement les films, provoquant la nostalgie ou l'amusement des technologies passées. Technicolor a influencé les films américains pendant un siècle et le nom de l'entreprise a évolué au-delà de lui-même. L'utilisation continue de «technicolor» comme un descripteur de tout ce qui est vibrant et coloré est un témoignage de l'impact durable de leur technologie sur le lexique culturel américain.

Technicolor chantant sous la pluie Poster

Affiche pour Chanter sous la pluie (1952). Technicolor était populaire pour les comédies musicales depuis ses débuts. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

En savoir plus sur l'histoire de Technicolor et les archives cinématographiques du Eastman Museum.

En savoir plus sur Technicolor et Le magicien d'Oz.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=Mqaobr6w6_I (/ incorporer)

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10+ masques Grinch pour avertir les autres de garder leurs distances

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Les masques Grinch

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Si Le grinch était réel aujourd'hui, il serait le roi de la distanciation sociale. Tristement célèbre pour être un ermite, le personnage grognon et à la fourrure verte du Dr Suess vit au sommet du mont Crumpit enneigé, une montagne imposante surplombant Whoville, sans personne d'autre que son chien, Max, pour compagnie. Il n'est donc pas surprenant que de nombreuses personnes soient liées au caractère reclus pendant la pandémie actuelle de COVID-19. C’est l’excuse parfaite pour rester à six pieds de vous, même à Noël.

S'il ne pouvait pas éviter un rassemblement social, il ne fait aucun doute que le Grinch porterait un masque facial. Nous pouvons presque l'imaginer crier après n'importe quel Whovillian pour ne pas porter le leur en public avec: «Maintenant, écoutez-moi, jeune femme!» C’est pourquoi nous avons compilé une collection de revêtements pour le visage inspirés du Grinch pour vous aider à canaliser votre grincheux intérieur. Noël est peut-être encore dans plusieurs mois, mais The Grinch est The Grinch toute l'année, alors laissez-le envoyer un message à ceux qui vous entourent pour qu'ils gardent leurs distances.

Des masques présentant un froncement de sourcils désapprobateur de The Grinch aux masques de visage qui rappellent pas si subtilement aux gens de «sauvegarder», voici plus de 10 masques inspirés du Grinch que vous pouvez acheter maintenant.

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Un adolescent allemand crée des coiffures étonnantes qui ressemblent à des motifs de crochet complexes

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Coiffures tressées par Milena

Vous n'avez pas toujours besoin de fournitures coûteuses pour faire de l'art incroyable. Milena, 17 ans, basée en Allemagne, est devenue célèbre sur Instagram pour ses incroyables tresses. À l'aide d'une tête de mannequin, elle transforme les cheveux du modèle en une variété de motifs fascinants, comme des fleurs, des cœurs et même des motifs en crochet.

Milena se décrit comme une coiffeuse autodidacte qui utilise ses cheveux pour s'exprimer. Parmi les créations les plus populaires de l'artiste figurent ses petits pains à la rose, où les cheveux sont rassemblés en de nombreuses couches qui ressemblent à des pétales de fleurs. Milena tresse également les cheveux longs dans des arrangements complexes qui ressemblent à des textiles tissés. Alors que beaucoup de ses coiffures fascinantes semblent impossibles à créer, la jeune artiste réalise également des tutoriels vidéo sur la façon de faire sa tresse 3D emblématique ainsi que sur la façon de faire sept types de petits pains faciles.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de coiffures fabuleuses de Milena et suivez-la sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations tressées.

Milena, 17 ans, est devenue célèbre sur Instagram pour ses coiffures incroyables.

Elle fait des tresses et des fleurs élaborées avec ses cheveux.

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Regardez cette vidéo pour voir comment Milena fait une tresse ronde 3D:

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Et voyez comment elle fait sept petits pains faciles ici:

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Milena: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Milena.

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Un fermier consacre un demi-acre de sa terre à cultiver de la nourriture pour les oiseaux sauvages affamés

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Oiseau mâle mangeant des graines de millet

Photo: Photos de Bonnie Taylor Barry / Shutterstock

Les oiseaux voraces ne sont généralement pas les visiteurs les plus bienvenus dans une ferme prospère. Il est courant pour les agriculteurs non seulement de hâter leur départ, mais aussi de rendre leur séjour inconfortable. Cependant, un agriculteur de Coimbatore, en Inde, a adopté une approche surprenante et plus hospitalière envers ses invités ailés. Muthu Murugan est un agriculteur profondément passionné par la faune et l'environnement. Au fil des ans, Murugan a observé comment la pénurie d'eau dans la région – en raison du changement climatique – a non seulement affecté négativement les agriculteurs mais aussi la faune. Dans le passé, Murugan avait fait preuve de générosité envers les oiseaux en visite en plaçant des graines supplémentaires sur les frontières de ses terres. Aujourd'hui, l'homme de 62 ans a mis au point un plan pour promouvoir la coexistence des agriculteurs et de la faune en affectant un demi-acre de sa terre à la croissance du sorgho et du mil, essentiellement de la nourriture pour des centaines d'oiseaux sauvages.

Les terres agricoles luxuriantes de Murugan attirent toutes sortes d'oiseaux sauvages, dont certains sont au bord de l'extinction. «Les oiseaux (tels que les Munias à poitrine écailleuse et les Munias à croupion blanche), les paons et les perruches visitent fréquemment la ferme», explique Murugan. «C'est un régal visuel. Pendant la crise, nous sommes tellement occupés à nous occuper des humains que nous oublions souvent les oiseaux et les animaux. Je suis content d'avoir pu faire ma part. Il pense que si davantage d'agriculteurs suivaient son exemple et cédaient une petite partie de leurs terres aux oiseaux sauvages, ils verraient une diminution des raids dans leurs plus grandes zones.

Oiseau mâle mangeant des graines de millet

Photo: Photos de Bonnie Taylor Barry / Shutterstock

Murugan considère également cette méthode de cohabitation comme une préservation de l'histoire naturelle. «C'est notre opportunité de sauver plusieurs espèces de l'extinction», explique-t-il à Asian International News. «Il est dommage que les choses aient tellement changé dans notre pays. De nombreux agriculteurs embauchent des jeunes pour éloigner ces oiseaux. Les agriculteurs d'aujourd'hui ne pensent qu'à gagner de l'argent. » Murugan ajoute: «Nous devons comprendre que les agriculteurs ne bénéficieront que lorsque l'environnement et toutes ses créatures seront pris en charge. Même le gouvernement doit assumer la responsabilité de la bonne santé des oiseaux et des animaux. »

L'utopie d'oiseaux de Murugan sur les millets perlés crée un environnement étonnant et photogénique avec une atmosphère paisible. «Des centaines de minuscules moineaux, perroquets et plusieurs autres oiseaux les mangent tous les jours avec joie», admet Murugan. «J'adore cette atmosphère où un si grand nombre d'oiseaux viennent de longues distances pour manger la nourriture que j'ai cultivée pour eux. Nous prenons tellement de la nature et je crois qu'il est de notre devoir de redonner autant que nous le pouvons. Chaque agriculteur doit sauver un petit lopin de terre pour cultiver de la nourriture pour les oiseaux. »

Bien que Murugan soit conscient que cette méthode de coexistence peut présenter des défis pour les agriculteurs, il maintient sa conviction qu'il est toujours nécessaire et important d'essayer. Il dit: «Il n'est peut-être pas possible pour tous les agriculteurs de cultiver des oiseaux, mais il existe plusieurs façons de permettre aux oiseaux de jouer un rôle intégral dans la préservation de notre biodiversité. Ne les oublions pas. »

Un agriculteur indien nommé Muthu Murugan nourrit de manière désintéressée des centaines d'oiseaux sauvages en cultivant de la nourriture spécialement pour eux sur un demi-acre de sa propre terre.

Le photographe animalier Varun Alagar a visité la ferme pour le travail et a été témoin d'une incroyable variété d'oiseaux.

Site Internet de Varun Alagar Surendran | Instagram
h / t: (La meilleure Inde)

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Une adolescente crée des dessins à la craie pour emmener son petit frère dans des «aventures» à travers le monde

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Art de craie de trottoir

La pandémie mondiale a mis beaucoup de choses en suspens, des sorties spéciales aux grandes vacances; mais pas pour Macaire Everett, 14 ans, et son frère Camden, 9 ans. Grâce à un art charmant à la craie, ils ont pu «aller» dans toutes sortes d'endroits sans jamais quitter leur maison. Pendant la quarantaine COVID-19, l'adolescent a commencé à créer des dessins massifs sur le trottoir. Une fois chacun terminé, son frère s'allongeait par terre et interagissait avec l'art d'Everett.

Everett a commencé ce projet imaginatif car, comme beaucoup d'entre nous, elle avait besoin de trouver quelque chose à faire tout en étant à la maison tout le temps. Tout a commencé par un dessin de ballons dans lequel son frère était «emporté» dans les nuages ​​(semblable à David Blaine). Les jours suivants, il jouait au golf, faisait de la tyrolienne et dansait dans des flaques d'eau. Après environ deux semaines d'art de trottoir cohérent, elle a décidé de le continuer pendant 100 jours. Ces jours sont passés depuis, mais Everett dessine toujours car «il y a plus d'aventures à entreprendre».

Alors, comment trouve-t-elle autant d'idées différentes? «Mon frère et moi parlons beaucoup d'idées pendant le dîner. Il aime «voyager», donc c’est amusant de l’emmener partout », dit-elle à My Modern Met. «Il aime les véhicules, alors quand il me demande de le dessiner avec une voiture ou un hélicoptère, je peux y réfléchir pendant quelques jours avant de décider comment rendre la scène vraiment unique. Par exemple, il a eu l'idée de sauter à la corde, puis j'ai pensé qu'il devrait sauter en double néerlandais et j'ai terminé l'idée après avoir décidé que les meilleurs pour tenir la corde étaient des bébés kangourous. Une fois qu'Everett se met au travail, il peut s'écouler entre deux et quatre heures avant d'avoir terminé.

Faites défiler vers le bas pour voir certains des dessins d'Everett et suivez son travail sur Instagram pour voir où Camden se dirige ensuite.

Macaire Everett, 14 ans, emmène son petit frère Camden dans des «aventures» avec son art de la craie de trottoir.

Art de craie de trottoir

Parfois, Camden fait de la tyrolienne ou explore l'espace extra-atmosphérique…

Art de trottoirArt de trottoirArt de trottoirArt de trottoirArt de trottoirArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirDessin à la craie d'un dinosaure

… Ou visiter des lieux connus dans le monde entier.

Art de craie de trottoirArt de craie de trottoir imaginatifArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirDessin à la craie d'une girafe Art de craie de trottoirArt de craie de trottoir

Mais peu importe «où» il se trouve ou quoi qu'il fasse, une chose est claire: il s'amuse!

Art de craie de trottoirArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirArt de craie de trottoirMacaire Everett: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Macaire Everett.

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La déclaration Black Lives Matter de Dolly Parton est maintenant une peinture murale à Nashville

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Dolly Parton murale au Tennessee par Kim Radford

Lors d'une interview avec la légende de la musique Dolly Parton, la superstar fougueuse a fait un commentaire mémorable concernant les récentes manifestations américaines: «Je comprends que les gens doivent se faire connaître, ressentir et voir, et bien sûr, la vie des Noirs compte. Pensons-nous que nos petites filles blanches sont les seules qui comptent? Non!" Les remarques de Parton ont non seulement fait la une des journaux, mais ont également attiré l’attention de l’artiste Kim Radford qui en a immédiatement puisé une nouvelle inspiration.

La muraliste basée à Nashville fabriquait déjà une œuvre de Parton du côté de la salle de concert The 5 Spot lorsqu'elle est tombée sur un article contenant les paroles de Parton. "J'ai regardé sa citation en particulier et c'était tellement impertinent et un commentaire sensible sur quelque chose (sic) qui a eu beaucoup de friction dans l'air en ce moment », a déclaré Radford à un journaliste local. «Et elle a juste traité ça comme Dolly: avec amour. Et c'était tout simplement parfait. Radford a ensuite incorporé la citation dans son projet. La peinture murale animée présente un Parton au sourire éclatant et ses cheveux blonds bouclés plus grands que nature. Parton est également entourée de fleurs et d'étincelles, mais au-dessus d'elle repose son commentaire sur les manifestants. Le commentaire est affiché de manière aérienne avec un papillon bloquant commodément le juron à l'intérieur.

Radford admet que tout était une «heureuse coïncidence» et ne pouvait tout simplement pas s’empêcher d’ajouter davantage d’essence de Parton à la peinture murale. «Je voulais que ce soit un véritable affichage d'une icône, (d'une) manière amusante, lumineuse et artistique», dit-elle. "C'est une représentation d'une icône que les Américains et les gens du monde entier sont vraiment fiers de connaître et d'aimer sa musique." Selon Radford, la peinture murale est devenue un endroit populaire pour les touristes et les amateurs de selfies et c'est quelque chose dont elle et d'autres membres de la communauté peuvent tout simplement être fiers.

L'artiste Kim Radford a créé une peinture murale animée de Dolly Parton et incorporé les remarques impertinentes et douces de la chanteuse emblématique sur Black Lives Matter.

Dolly Parton murale au Tennessee par Kim RadfordPeinture murale Black Lives Matter de Dolly Parton

Voici la peinture murale à ses débuts.

BLM Dolly Parton murale dans le Tennessee

Voici d'autres belles œuvres de l'artiste Kim Radford:

Ruth Bader Ginsburg Peinture murale par Kim RadfordPeinture murale de Kim RadfordPeinture murale de Kim RadfordPeinture murale de Kim RadfordKim Radford: Site Web | Instagram | Twitter
Le 5 spot: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Kim Radford.

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Regardez Billie Eilish et son frère effectuer un «Tiny Desk Concert» de NPR depuis chez eux

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Billie Eilish Tiny Desk Concert à la maisonBillie Eilish et son frère Finneas ont récemment été invités à se produire pour la série de concerts Tiny Desk de NPR. Cependant, malgré le cadre familier et intime vu dans la vidéo, ce n'est pas une configuration ordinaire. En raison de problèmes de sécurité liés au COVID-19, les frères et sœurs talentueux ont joué à la maison, devant une découpe en carton du studio NPR.

"Alors, évidemment, nous ne sommes pas réellement au" Tiny Desk "parce que c'est une découpe en carton, mais c'est toujours réel", a déclaré Eilish pendant le set de 10 minutes. «Ce n'est tout simplement pas réel en personne. Je suis honoré d'être ici. La superstar de 18 ans a chanté deux de ses singles de l'année dernière, Mon avenir et Tout ce que je voulais. Son frère fournit des chœurs et alterne entre la guitare et le clavier. Le duo musical a clairement un lien unique, ce qu'Eilish confirme lorsqu'elle dit: «Il est mon meilleur ami et l'a toujours été.» Elle ajoute: «Nous devrions tous avoir au moins une personne qui nous fasse sentir que nous ne sommes jamais seuls. Et c'est Finneas. "

À la fin de la vidéo, la caméra effectue un zoom arrière pour révéler la reconstitution complète de l'espace de bureau NPR en carton. «La mise en quarantaine a été bizarre», dit Eilish, ajoutant que «l'avenir est quelque chose de super optimiste.»

Ce ne sera pas le dernier Tiny Desk joué chez des artistes. «Le Tiny Desk travaille à domicile dans un avenir prévisible», déclare NPR. «C'est le même esprit – des décors épurés, un cadre intime – juste un espace différent.

Regardez la vidéo entière ci-dessous.

Billie Eilish et son frère Finneas ont récemment donné un concert de NPR Tiny Desk depuis chez eux.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=4sZ2_aGsLKU (/ incorporer)

Billie Eilish: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
NPR Music: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube

Toutes les images via NPR Music.

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Un menuisier construit un minuscule bar pour que ses écureuils locaux puissent se détendre et profiter de la «Almond Ale» et de la «Walnut Stout»

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Barre d'écureuil par Duke Harmon Woodworking

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D'un parcours d'obstacles d'arrière-cour à un restaurant miniature, de nombreux artistes menuisiers ont utilisé leurs compétences pour construire de petits établissements pour les écureuils dans leurs jardins. À Hilliard, Ohio, les animaux locaux à queue pelucheuse sont particulièrement gâtés, grâce au menuisier amateur Michael Dutko (de Duke Harmon Woodworking). Il a récemment construit La barre aux noix, une structure en bois qui ressemble à un pub de la vie réelle, mais au lieu de servir de la bière, elle distribue des noix.

La raison pour laquelle Dutko a construit La barre aux noix est venu d'un simple acte de gentillesse de bon voisinage. «Ma voisine et sa fille observaient les oiseaux un jour il y a quelques semaines. Mais ils vivaient une période difficile en raison des écureuils qui ont repris les mangeoires à oiseaux », raconte-t-il à My Modern Met. «Cette nuit-là, j'ai pensé que ce serait formidable de construire une mangeoire à écureuils pour les aider. Le talentueux menuisier s'est mis à travailler sur son design et, pièce par pièce, tout a commencé à se rassembler.

Dutko a passé plus de 16 heures à concevoir, construire et poncer la structure de 25 pouces x 16 pouces. Écureuils qui visitent La barre aux noix peut choisir entre sept noix différentes, intelligemment nommées d'après des bières: Cashew Dunkel, Peanut Pilsner, Almond Ale, Walnut Stout, Sunflower Saison, Pecan Porter et Pistachio Pale Ale. Et quand la nature appelle, le bar de la cour comprend même un panneau de toilettes utile et sexué, que Dutko a intitulé en plaisantant «Nuts» et «No Nuts».

Dutko a créé une vidéo YouTube, détaillant l'ensemble du processus de fabrication. «Je viens de démarrer ma chaîne YouTube il y a 2 mois et je voulais un autre projet amusant à ajouter à ma bibliothèque», dit-il. «Je ne savais pas que le monde reculerait.» Les fans d'écureuil du monde entier ont commencé à se demander comment ils pouvaient acheter le leur La barre aux noix. Dutko a immédiatement demandé le brevet de conception, et il vend maintenant son bar de jardin sur Etsy. «Je suis très heureux que ce que je fais ait pu toucher tant de vies soit une manière si positive», admet-il. «C'est tout ce que j'aurais pu demander.»

Faites défiler vers le bas pour vérifier La barre aux noixet achetez le vôtre sur Etsy pour 175 $.

Le menuisier Michael Dutko (de Duke Harmon Woodworking) construit La barre aux noix, une structure en bois qui ressemble à un pub de la vie réelle, mais au lieu de servir de la bière, elle distribue des noix.

Barre d'écureuil par Duke Harmon Woodworking

Barre d'écureuil par Duke Harmon Woodworking

Les écureuils peuvent choisir entre sept noix différentes, intelligemment nommées d'après les bières.

Barre d'écureuil par Duke Harmon Woodworking

Il y a même un panneau de toilettes sexué.

Barre d'écureuil par Duke Harmon WoodworkingLa barre de noix pour les écureuils par Duke Harmon WoodworkingLa barre de noix pour les écureuils par Duke Harmon WoodworkingLa barre de noix pour les écureuils par Duke Harmon Woodworking

Regardez comment Dutko a créé son établissement accueillant les écureuils.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=408r747Bvvs (/ incorporer)

Michael Dutko / Duke Harmon Travail du bois: Facebook | YouTube | Etsy

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Michael Dutko / Duke Harmon Woodworking.

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David Blaine flotte 24900 pieds au-dessus du désert de l'Arizona en utilisant seulement 52 ballons à l'hélium

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David Blaine - L'Ascension

Huit ans après son dernier coup public, l'illusionniste américain David Blaine a réalisé un autre spectacle époustouflant avec L'Ascension. Diffusée en direct sur YouTube, la performance a vu Blaine se faire emporter par 52 ballons à l'hélium. Après avoir atteint une altitude incroyable de 24 900 pieds, il est ensuite parachuté sur Terre.

Le spectacle émouvant a été inspiré à la fois par son enfance et par sa fille Dessa, âgée de neuf ans. Jeune garçon, Blaine se souvient que sa mère l’a emmené voir le film d’Albert Lamorisse Le ballon rouge, où le protagoniste est emporté par une grappe de ballons. Cette image est restée fidèle à lui, inspirant en partie son amour de l'illusion.

Mais sa motivation principale était de faire quelque chose pour sa fille, qui approchait à peine deux ans quand il a exécuté sa dernière performance, Électrifié. Cela l'a obligé à être continuellement zappé par des bobines Tesla déchargeant plus d'un million de volts. Après ce coup, il a juré de faire ensuite quelque chose qui inspirerait, au lieu de faire peur, sa fille.

Avec l'aide de YouTube Originals, Blaine a pu mettre sur pied une équipe d'experts pour aider sa cascade de ballon à prendre forme. Il a passé plus d'un an à s'entraîner pour la performance et est également devenu pilote breveté et pilote de ballon commercial breveté dans le processus. De plus, il a effectué plus de 500 sauts en parachute afin d'obtenir une certification appropriée et a dû apprendre à lire les modèles de vent.

David Blaine - L'Ascension

Tandis que L'Ascension a été initialement conçu pour se dérouler dans la ville natale de Blaine à New York, le projet a été déplacé en Arizona après avoir pris en compte la météo et le désir de ne pas créer de foules dans la ville. Alors que le monde regardait en direct, Blain s'est attaché à 42 ballons de huit pieds et 10 ballons plus petits. En perdant du poids au fur et à mesure, il a pu remonter lentement.

L'équipe de Blaine espérait à l'origine qu'il était arrivé à 18 000 pieds – quelque chose qu'ils ont largement dépassé. Bien que les répétitions de l'illusionniste ne l'aient vu aller qu'à quelques centaines de mètres dans les airs, il n'a eu aucun mal à se déplacer à haute altitude. Alors que les niveaux d'oxygène et les températures froides étaient un problème, Blaine a utilisé des techniques de respiration pour rester calme et obtenir l'oxygène dont il avait besoin.

Par radio, Blaine a pu rester en sécurité et communiquer fréquemment avec sa fille et son équipe pendant la cascade. Il est impossible de ne pas regarder la performance sans ressentir l'émerveillement et la joie que Blaine exprime alors qu'il glisse sur le désert de l'Arizona.

Environ une heure après son ascension initiale, Blaine redescendit sur Terre, atterrissant en toute sécurité dans un ravin avant d'être ramené en hélicoptère pour rejoindre son équipe et sa fille. Dire que L'Ascension a été un succès est un euphémisme. Non seulement près de 7 millions de personnes ont regardé la diffusion en direct en moins de 24 heures, mais cette performance annonce une nouvelle ère dans le travail de Blaine et nous ne fait que nous demander ce qu'il va faire ensuite.

David Blaine a utilisé des ballons à l'hélium pour atteindre une altitude de 24 900 pieds au-dessus du désert de l'Arizona.

David Blaine flottant au-dessus de l'Arizona avec des ballons à l'hélium

L'Ascension a été diffusé en direct sur YouTube et vu par près de 7 millions de personnes en moins de 24 heures.

David Blaine - L'Ascension

La performance a été inspirée par sa fille, qui n'était qu'une petite fille quand il a exécuté sa dernière cascade publique.

David Blaine et sa fille célèbrent après l'Ascension

Regardez la diffusion en direct complète de David Blaine L'Ascension.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=QwzvNAAqH3g (/ incorporer)

David Blaine: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube

Toutes les images via YouTube.

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L'artiste recherche des fleurs et des feuilles dans la forêt pour créer des portraits d'oiseaux éphémères

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Art de la Terre par Hannah Bullen-Ryner

Le monde naturel a tout ce dont vous avez besoin pour créer de l'art. Il suffit de savoir où chercher. L'artiste Hannah Bullen-Ryner souligne comment, avec l'œil droit et une grande attention aux détails, il est possible de créer de superbes portraits de nos amis à plumes. Elle arrange des brindilles, des feuilles, des pétales de fleurs et des baies en petits oiseaux qui ont une existence éphémère sur le sol en tant que land art.

Le travail de Bullen a une sensation picturale, car chaque petit élément est superposé comme un coup de pinceau. Avec cette esthétique, il n'est pas surprenant que Bullen-Ryner ait commencé sa pratique artistique en tant que peintre et photographe. Mais en tournant sa créativité vers la forêt, elle a découvert un immense confort. «Trouver le médium du land art a permis à mon art et à ma connexion à la terre que mon âme avait tant besoin de se combiner», dit-elle à My Modern Met. «En tant que maman à plein temps de jumelles de (presque) trois ans, et quelqu'un qui souffre d'anxiété, mon art est mon moment de calme, ma paix.

Chacune des pièces de Bullen-Ryner comprend des matériaux locaux et fourragés. Rien n'est collé ou attaché, ce qui signifie que son travail ne durera peut-être que quelques minutes avant que les pièces ne commencent à s'envoler avec la brise. Alors, pourquoi choisit-elle de travailler de cette façon? «Les gens me demandent souvent pourquoi je ne fais pas quelque chose de plus permanent ou ils disent que c'est tellement dommage que ce soit temporaire», explique Buller-Ryner. «Mais pour moi, c'est la nature éphémère de ce que je fais qui est devenue une thérapie pour mon âme. Je peux laisser tomber toutes mes angoisses, mes peurs, tout le chaos de mon cerveau et le transformer en quelque chose de beau pour honorer Mère Nature. Je prends des photos, puis je marche ou fais du vélo, laissant tout derrière moi et me sentant plus calme, plus connecté et vraiment plus léger. "

L'artiste Hannah Bullen-Ryner fouille la forêt pour créer l'art terrestre éphémère des oiseaux.

Art de la Terre par Hannah Bullen-RynerArt de la Terre par Hannah Bullen-RynerArt de la Terre par Hannah Bullen-RynerArt de la Terre par Hannah Bullen-RynerArt de la Terre par Hannah Bullen-RynerArt de la Terre par Hannah Bullen-RynerArt de la Terre par Hannah Bullen-RynerOiseau Land ArtOiseau Land ArtArt d'oiseau de collageArt d'oiseau de collageArt d'oiseau d'assemblageArt d'oiseau d'assemblageArt d'oiseau d'assemblageArt d'oiseau d'assemblageArt d'oiseau d'assemblageArt d'oiseau de collageHannah Bullen-Ryner: Site Web | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Hannah Bullen-Ryner.

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Art de gâteau incroyable par Tortik Annuchka

La boulangerie Tortik Annushka, basée à Moscou, continue de créer des gâteaux avant-gardistes inspirés des beaux-arts. Les propriétaires et frères et sœurs Madina Yavorskaya et Rustam Kungurov ont fondé la pâtisserie en 2009 afin de fusionner leurs intérêts pour les beaux-arts et l'architecture avec les confiseries artisanales. Des formes géométriques aux embellissements métalliques, chacun de leurs fabuleux gâteaux a l'air d'appartenir à un musée.

«Ensemble, nous présentons non seulement de beaux chefs-d'œuvre, mais aussi de délicieux chefs-d'œuvre», déclare Tortik Annushka. Leur équipe de pâtissiers qualifiés utilise des ingrédients naturels de haute qualité pour s'assurer que leurs délicieux gâteaux continuent d'étonner une fois qu'ils ont été coupés en morceaux. Si certaines de leurs somptueuses créations ressemblent à de l'architecture abstraite, d'autres ressemblent à des sculptures perlées ou même à des peintures modernes. Tortik Annushka utilise une variété d'outils et de technologies pour produire ces effets étonnants.

La prestigieuse pâtisserie a également collaboré avec d'autres artistes pour fabriquer des gâteaux de spécialité, comme la marque de mode Oscar de la Renta. De plus, Tortik Annushka propose périodiquement des masterclasses et des cours dans leur boutique pour enseigner aux étudiants de tous niveaux «les compétences nécessaires pour réussir à réaliser leurs propres chefs-d'œuvre».

Vous pouvez commander des gâteaux auprès de Tortik Annushka via leur site Web et voir des gâteaux plus exquis en les suivant sur Instagram.

La boulangerie Tortik Annushka, basée à Moscou, crée un art de gâteau sculptural incroyable.

Art de gâteau incroyable par Tortik Annuchka

Les propriétaires et frères et sœurs Madina Yavorskaya et Rustam Kungurov ont fondé la boulangerie en 2009.

Art de gâteau incroyable par Tortik Annuchka

Ils ont combiné leurs intérêts pour les beaux-arts et l'architecture avec des pâtisseries artisanales.

Art de gâteau incroyable par Tortik AnnuchkaArt de gâteau incroyable par Tortik AnnuchkaArt de gâteau incroyable par Tortik Annuchka Art par Tortik AnnuchkaArt de gâteau incroyable par Tortik AnnuchkaArt de gâteau incroyable par Tortik AnnuchkaArt de gâteau incroyable par Tortik AnnuchkaArt de gâteau incroyable par Tortik AnnuchkaArt de gâteau incroyable par Tortik Annuchka

Regardez cette vidéo pour plus d'informations sur le processus de Tortik Annushka:

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🍋 collaboration avec @oscardelarenta

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Pourquoi le «David» de Michel-Ange est une icône de la Renaissance italienne

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Sculpture David de Michel-Ange

Le défi de Michel-Ange David statue a captivé le monde pendant des siècles. Considérée comme l'un des chefs-d'œuvre majeurs de l'histoire de l'art, la sculpture en marbre met en valeur à la fois le talent de l'artiste et l'accent sur les beaux-arts qui définit la Renaissance.

Depuis ses débuts au début du XVIe siècle, les artistes et les amateurs d'art ont admiré la pièce. L'artiste, écrivain et historien estimé Giorgio Vasari a noté qu '«aucune autre œuvre ne lui est égale à aucun égard, avec une proportion, une beauté et une excellence aussi justes que Michel-Ange l'a achevée. Pour comprendre pourquoi la sculpture a suscité de tels éloges, il faut d'abord comprendre le contexte dans lequel elle a été créée.

L'histoire

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, un artiste clé de la Haute Renaissance italienne, a créé la statue imposante à partir d'un seul bloc de marbre entre 1501 et 1504.

Une figure éminente de Florence, Michel-Ange – qui n'avait que 26 ans à l'époque – a été chargé de sculpter la sculpture comme l'une d'une série qui tapisserait le toit de la Cattedrale di Santa Maria del Fiore («Cathédrale de Sainte Marie de la Fleur»). Une fois la pièce de 6 tonnes terminée, cependant, il était clair qu'il serait presque impossible de la soulever. Ainsi, il a été décidé que David serait plutôt placé dans le Palazzo della Signoria, où il se tenait comme un symbole de force et de défi de 1504 jusqu'à sa réinstallation permanente dans le Galleria dell'Accademia en 1873.

Cathédrale de Florence

Cattedrale di Santa Maria del Fiore («Cathédrale de Sainte Marie de la Fleur») à Florence (Photo: Photos de Kavalenkava / Shutterstock)

Symbolisme

La sculpture représente David, une figure biblique. Dans un récit particulièrement connu (1 Samuel 17), David combat Goliath, un philistin colossal. Contre toute attente, un David non armé renverse son ennemi à l'aide d'une fronde, puis le décapite avec sa propre épée. Compte tenu de la réputation estimée de David, il n'est pas surprenant que le Bureau des travaux ait choisi de présenter la figure comme sujet dans sa série sculpturale de grands noms historiques.

De plus, en tant que cité-état indépendante, la République de Florence était consciente des menaces qui les entouraient. Par conséquent, ils considéraient David comme un symbole parfait de Florence, alors qu'il capturait le courage inébranlable, la force inattendue et la persévérance historique qu'ils voyaient en eux-mêmes.

Importance artistique

Anatomie réaliste

Sculpture de David

Michel-Ange, «David», 1501-1504 (Photo: Jörg Bittner Unna via Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Pendant la Haute Renaissance, Michel-Ange a créé des œuvres figuratives axées sur l'équilibre, l'harmonie et la forme idéale. David met en valeur ces sensibilités artistiques à travers sa posture asymétrique réaliste, connue sous le nom de contrapposto ou «contrepoids» – et son anatomie réaliste et très détaillée.

La main de David Sculpture

Vue détaillée de «David» (Photo: Jörg Bittner Unna via Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Sculpture de David

Vue détaillée de «David» (Photo: Jörg Bittner Unna via Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Sculpture de David

Vue détaillée de «David» (Photo: Jörg Bittner Unna via Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Représentation non conventionnelle

Dans la plupart des représentations de David qui ont été peintes et sculptées à travers l'histoire, les artistes choisissent de le dépeindre comme un jeune garçon. Ils choisissent également généralement de capturer le moment après qu'il a tué Goliath. Cette approche est évidente dans les œuvres bien connues du Caravage et de Donatello.

Peinture du Caravage de David

Caravage, «David à la tête de Goliath», v. 1605-1610 (Photo: Galleria Borghese via Wikimedia Commons (domaine public))

Sculpture David de Donatello

Donatello, «David», sculpture en bronze, v. 1440 (Photo: Patrick A. Rodgers via Wikimedia Commons (CC BY-SA 2.0))

Michel-Ange, cependant, a curieusement décidé de dépeindre David comme un jeune homme. Il a également choisi de manière créative de lui montrer dans les minutes avant sa bataille, avec une fronde à la main et un regard de détermination sur son visage.

Visage de sculpture de David

Gros plan du «David» de Michel-Ange (Photo: Jörg Bittner Unna via Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Échelle

À 17 pieds de haut, David est clairement un portrait plus grand que nature. Compte tenu des échelles relativement réalistes des autres sculptures de Michel-Ange, comme la sienne Esclave mourant (7 pieds de haut) et son Pietune (5,7 pieds), pourquoi David est-il si grand?

Probablement, la stature de la sculpture est le résultat de son emplacement prévu: le toit de la cathédrale. Pour que le public puisse pleinement apprécier la silhouette céleste, il faudrait qu'elle soit suffisamment grande pour être vue depuis la Piazza del Duomo, d'où DavidTaille colossale.

Sculpture de David

«David» exposé à la Galleria dell'Accademia de Florence, Italie (Photo: Photos d'archives de lornet / Shutterstock)

Les répliques

Des reproductions grandeur nature de la sculpture emblématique peuvent être trouvées partout dans le monde, même près de chez nous à Florence. Pour marquer l'emplacement d'origine de la statue, une copie en marbre a été placée dans le Piazza della Signoria, une place animée près de la Galerie des Offices de renommée mondiale. Une fonte en bronze peut également être trouvée dans le Piazzale Michelangelo, une place avec une vue panoramique sur les toits de la ville et le paysage toscan environnant.

Réplique de sculpture de David

Réplique en bronze de la Piazzale Michelangelo à Florence, Italie (Photo: Stock Photos d'Elnur / Shutterstock)

En plus des emplacements florentins, des copies du David sont visibles dans divers musées et espaces publics à travers le monde. Les répliques notables incluent une copie en plâtre au Victoria & Albert Museum de Londres, un moulage en bronze à Buffalo, le Delaware Park de New York et une copie en marbre sur l'avenue du Prado à Marseille, France.

David au Victoria and Albert Museum

Réplique en plâtre au Victoria & Albert Museum de Londres, Royaume-Uni (Photo: Photos de Spiroview Inc / Shutterstock)

Bien qu'aucune reproduction ne puisse remplacer l'original, ces moulages ont deux objectifs importants: éduquer le public (certaines répliques sont même utilisées comme supports pédagogiques tactiles pour les érudits qui étudient la statue) et diffuser le profond héritage de Michel-Ange, à la fois en Italie et au-delà.

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Exercice de dessin par Bas Goverde

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Un morceau de ruban adhésif peut sembler une source d'inspiration improbable pour une série de dessins; mais, pour Bas Goverde (alias M. Babbel), c’est le point de départ idéal pour son travail. Le graphiste voit une bande de ruban adhésif ou un morceau de papier froissé et le transforme ensuite en un casting coloré de personnages. Si vous êtes au courant de l’inspiration initiale, vous pouvez voir l’essence de l’objet dans le travail de Goverde. Mais il n’est pas nécessaire de profiter de ses œuvres, car chaque dessin numérique est indépendant.

Comme beaucoup d'entre nous, Goverde fait l'expérience de la paréidolie, ou du phénomène psychologique qui nous fait voir des visages humains dans des choses aléatoires. «Chaque fois que je rentrais chez moi dans mon hangar», dit-il à My Modern Met, «j'ai vu le morceau de ruban adhésif et chaque fois que j'y voyais un visage et un sorcier. Une fois qu'il a vu le chat, cependant, il savait qu'il avait besoin de tous les esquisser. «J'ai commencé à dessiner sérieusement il y a un an et demi (vraiment assis chaque jour pendant quelques heures et me débarrassant de toutes les autres distractions)», partage-t-il, «et cela m'a semblé être un exercice amusant pour aller de mieux en mieux. résultats."

Goverde a partagé son dessin inspiré du ruban adhésif sur Reddit où il a obtenu des milliers de votes positifs. «Il y avait quelqu'un qui a envoyé le morceau de papier parmi tous les messages», dit-il, «et j'ai immédiatement vu l'homme et le rat. Alors, j'ai pensé essayer de remettre ces pensées dans le dessin. J'ai imaginé l'oiseau peu de temps après avoir dessiné l'homme et le rat.

Bien qu'il vient de commencer ce défi de dessin amusant, Goverde travaille sur plus. «J'ai déjà le dessin en lignes et en couleurs de base», explique-t-il. «Et cette fois aussi avec un matériau reconnaissable: les croustilles!»

Bas Goverde réalise des exercices de dessin amusants qui transforment une inspiration improbable en une œuvre d'art axée sur le personnage.

Exercice de dessin par Bas GoverdeBas Goverde: Instagram | Reddit | Redbubble

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Bas Goverde.

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