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La photographie nocturne saisissante révèle de belles scènes d'un autre monde que nous ne voyons que dans l'obscurité

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Vue sur My Modern Met

Photographie de nuit par Nori Yuasa

Prise de vue «unique dans la vie» du photographe Nori Yuasa

Le photographe japonais Nori Yuasa capture la beauté des étoiles dans sa série continue d'images nocturnes. Les paysages mettent en valeur l'intensité du ciel sombre, qui peut être étrange, tout en mettant en évidence les choses que nous ne pouvons voir qu'une fois le soleil couché. Les étoiles sont son sujet central, mais il cherche à photographier tout ce qui brille naturellement la nuit, y compris les lucioles et les champignons brillants. En plus de l'éclairage naturel, Yuasa photographie des bâtiments qui prennent vie contre des fonds presque noirs.

L'une des photos les plus appréciées de Yuasa a été dévoilée sur Twitter. Un hashtag japonais a encouragé les photographes à partager une image qu'ils considéraient comme une photo unique. Yuasa a tweeté une photo qu'il a prise dans la préfecture de Nara (qui abrite le célèbre parc aux cerfs). "Ce ne sera plus possible", il a écrit, se référant à l'image. Yuasa continue en expliquant que c'était le milieu de la nuit et qu'il y avait un brouillard dense. Des vents forts ont rendu la scène encore plus sombre et effrayante, mais il y a eu un moment de sursis. "Le brouillard sur le ciel s'est dégagé pendant un instant, et la zone près du centre de la galaxie est devenue apparente." C'est à ce moment qu'il a capturé la scène saisissante.

Faites défiler vers le bas pour voir plus du travail de Yuasa. Bien qu'il ait du mal à reproduire sa photo la plus populaire, son habileté à capturer des scènes d'un autre monde est incontestable.

Le photographe japonais Nori Yuasa met en valeur la beauté saisissante du ciel dans ses photographies nocturnes.

Photographie de nuit par Nori YuasaPhotographie de nuit par Nori YuasaPhotographie de nuit par Nori YuasaPhotographie nocturne de longue exposition par Nori YuasaPhotographie de nuit par Nori YuasaPhotographie nocturne de longue exposition par Nori YuasaPhotographie nocturne de longue exposition par Nori YuasaPhotographie nocturne de longue exposition par Nori YuasaPhotographie nocturne de longue exposition par Nori YuasaAstrophotographie de Nori YuasaPhotographie nocturne de longue exposition par Nori YuasaPhotographie nocturne de longue exposition par Nori Yuasa

Nori Yuasa: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Nori Yuasa.

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Les lauréats des Audubon Photography Awards 2020 soulignent la beauté des oiseaux

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Cormoran à aigrettes plongée sous-marine

«Cormoran à aigrettes» de Joanna Lentini (USA). Gagnant du grand prix. Lieu: Los Islotes, Mexico

Chaque année, la National Audubon Society demande aux photographes des États-Unis et de sept provinces canadiennes de soumettre leurs meilleures images d'oiseaux. Avec plus de 6000 candidatures, les Audubon Photography Awards 2020 ont été vivement contestés. Au final, la photographe américaine Joanna Lentini s'est imposée pour sa photographie magique d'un cormoran à aigrettes plongeant dans les eaux au large du Mexique.

«J'ai passé de nombreuses heures sous l'eau dans cette colonie de lions de mer de Californie dans la baie de La Paz, mais je n'y avais jamais rencontré de cormorans plongeurs», a-t-elle déclaré à Audubon.org. «Déplaçant mon attention des lions de mer espiègles, j'ai regardé avec crainte les cormorans plonger le bec d'abord dans la mer pour casser les sardines qui nageaient. Bien que j'aie passé beaucoup de temps à admirer ces oiseaux, je n'en ai vu aucun attraper un poisson. Ajoutant l'insulte à la blessure, les chiots de lions de mer curieux passeraient par les oiseaux de chasse et les pinceraient par derrière. »

Le travail de Lentini est complété par les autres lauréats et les mentions honorables des quatre catégories du concours: professionnel, amateur, jeunesse et plantes pour oiseaux. La catégorie Plants for Birds, qui célèbre la relation vitale entre les animaux et la nature, fait son apparition pour la deuxième année. Aussi dans sa deuxième année est le prix spécial Fisher. Nommé après Audubon ancien directeur de la création du magazine, Kevin Fisher, il récompense la photo qui allie le mieux l'art et les capacités techniques.

Chaque gagnant affiche un merveilleux sens du timing et de grandes capacités d'observation. Que ce soit le photographe amateur Bibek Ghosh qui clique sur l'obturateur juste comme une goutte d'eau encercle le bec d'un colibri ou Christopher Smith capturant le moment où un Grand Roadrunner saisit sa proie, chaque photographie est une masterclass en photographie animalière. Heureusement, ces gagnants auront l'occasion de partager leur travail avec un public encore plus large, car leurs photos seront présentées dans Audubon et Meilleure photographie de la nature les magazines.

Découvrez d'autres photographies d'oiseaux gagnantes incroyables des Audubon Photography Awards 2020.

Colibri d'Anna

"Anna’s Hummingbird" de Bibek Ghosh (États-Unis). Mention honorable amateur. Emplacement: Ferme historique d'Ardenwood, Californie, États-Unis.

Paruline du Tennessee

«Paruline du Tennessee sur une groseille épineuse de l'Est» par Natalie Robertson (Canada). Plants for BIrds Mention honorable. Emplacement: Parc national de la Pointe-Pelée, Ontario, Canada.

Magnifique Frégatebirg

«Magnificent Frigatebird» de Sue Dougherty (USA). Gagnant professionnel. Lieu: île de Genovesa, Équateur.

American Dipper Fishing

«American Dipper» de Marlee Fuller-Morris (USA). Gagnant du prix Fisher. Lieu: Parc national de Yosemite, Californie, États-Unis.

Jacana du Nord

«Northern Jacana» de Vayun Tiwari (USA). Gagnant jeunesse. Lieu: New River, Orange Walk District, Belize.

Roadrunner manger un lézard

«Greater Roadrunner» de Christopher Smith (États-Unis). Mention honorable jeunesse. Emplacement: San Joaquin River Parkway, Californie, États-Unis.

Chardonneret élégant

«Chardonneret élégant sur une plante de coupe» par Travis Bonovsky (USA). Gagnant Plants for Birds. Lieu: Minneapolis, Minnesota, USA.

Tétras des armoises

«Greater Sage-Grouse» de Gene Putney (USA). Mention honorable professionnelle. Lieu: Jackson County, Colorado, USA.

Héron-tigre à gorge nue

«Héron tigre à gorge nue» de Gail Bisson (Canada). Gagnant amateur. Emplacement: Rivière Tárcoles, Costa Rica.

National Audubon Society: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de la National Audubon Society.

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Un enfant de 12 ans remporte un prix de 20 000 $ pour avoir créé une alarme pour prévenir les décès de voitures chaudes

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Lydia Denton crée une alarme de siège auto chaud

Photo: Covey Denton

La plupart des parents se souviennent des premiers jours de la privation de sommeil qui accompagnent la naissance d'un nouveau-né ou de la curiosité qui accompagne un enfant en bas âge. Malheureusement, cela peut parfois avoir des conséquences désastreuses, car le fait de laisser des enfants dans des voitures ou d'y entrer accidentellement peut entraîner la mort de voitures brûlantes. En fait, en moyenne 39 enfants de moins de 15 ans meurent chaque année dans une voiture chaude et en 2019, ce nombre s'élevait à 52. Aujourd'hui, une jeune fille utilise son intelligence pour aider à résoudre le problème et assurer la sécurité de plus d'enfants.

Lydia Denton, 12 ans, a été horrifiée quand elle a appris combien d'enfants ont perdu la vie dans des voitures chaudes et a décidé de faire quelque chose. Elle n'avait que 10 ans à l'époque; mais deux ans plus tard, son ingéniosité lui a valu 20 000 $ (le premier prix) au CITGO’s Fueling Education Student Challenge. La septième niveleuse qui sera bientôt créée a créé le siège d'auto Beat the Heat, qui est un appareil portable placé dans le siège d'auto qui non seulement détecte le poids de plus de cinq livres, mais surveille la température lorsque le bébé est dans le siège.

«J'ai fait des recherches et j'ai vu que cela arrivait souvent et que ce n'était pas seulement des parents négligents. Je suis vraiment bouleversée et je voulais essayer d'aider », partage-t-elle. «Au début, j'ai pensé à collecter des fonds pour les familles, mais cela ne réglerait pas le problème. Je voulais inventer quelque chose qui pourrait empêcher les décès de se produire. »

Bébé attaché dans un siège d'auto

Photo: Photos de Maria Sbytova / Shutterstock

Bien que de nombreux véhicules plus récents soient équipés de systèmes d'avertissement et de systèmes de sièges intelligents, l'objectif de Lydia était de créer un appareil abordable qui atteindrait plus de personnes et qui pourrait également passer d'un siège d'auto à un siège d'auto à mesure que l'enfant grandissait. Il était également crucial que son appareil puisse signaler le 911 au cas où les parents ne pourraient pas être alertés.

L'appareil de Lydia se déclenche lorsqu'il détecte le poids de l'enfant et que le réglage de la température atteint plus de 102 degrés Fahrenheit. À ce stade, une alarme se déclenche et un avertissement est envoyé par SMS aux parents. Si les parents ne réinitialisent pas l'appareil dans les 60 secondes, une puce GPS intégrée envoie un message aux autorités locales avec l'emplacement du véhicule. Après de nombreuses séries de tests avec sa 911 locale, Lydia est fière de dire que Beat the Heat Car Seat est un succès.

Le jeune inventeur utilisera son prix pour continuer à apporter des améliorations à l'appareil, qui coûterait environ 40 $. Elle travaille avec un mentor qui l’aide à fabriquer et lui enseigne les affaires. Lydia espère que son travail inspirera plus d'enfants de son âge à poursuivre leurs idées. "Ne pensez pas que vous devez accepter les choses dans le monde. S'il y a quelque chose qui vous dérange, pensez à des moyens de l'améliorer! »

L’invention de Lydia intervient au moment où la Hot Car Act a été introduite en 2019. Cela obligerait le ministère des Transports à obliger les nouvelles voitures à être équipées d'une alarme pour alerter les conducteurs des occupants du siège arrière après l'arrêt du véhicule. Malheureusement, il n'a pas encore traversé le Congrès. D'autres pays prennent également la question au sérieux. En novembre 2019, une loi italienne est entrée en vigueur qui oblige tout enfant de moins de quatre ans à être assis dans un siège d'auto équipé d'un dispositif «anti-abandon» qui signale aux parents et aux autorités si un enfant est laissé sans surveillance dans un véhicule.

h / t: (ABC News, People)

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Apprenez à dessiner un lion en 7 étapes faciles

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Photographie de deux lions

Photo: Stock Photos de ArtMediaFactory / Shutterstock

Avec sa crinière fluide et son rugissement tonitruant, il n'est pas étonnant que le lion soit appelé le «roi de la jungle». Mufasa à partir de Le roi Lion et Aslan de Les chroniques de Narnia ne sont que deux magnifiques félins qui ont imprégné notre culture populaire, enchantant de nombreux jeunes artistes et écrivains avec leurs prouesses enviables. Que vous soyez un tireur d’animaux pratiquant ou que vous débutiez, il n’est jamais trop tard pour puiser dans votre côté sauvage et dessiner un lion dont vous pouvez être fier.

Dans ce didacticiel, nous allons passer par les étapes de dessin d'un portrait d'un noble lion mâle. Vous voulez essayer? Mettez ensuite Le roi Lion bande son sur haut-parleur et prenez vos fournitures de dessin – il est temps de dessiner un lion!

Apprenez à dessiner un lion étape par étape

Photo d'un lion mâle

Photo: Photos de la photographie 2020 / Shutterstock

C'est une bonne pratique de faire un peu de recherche avant de commencer un dessin. Comme nous dessinons une tête de lion de face, vous pouvez parcourir en ligne pour une photo qui montre clairement le visage du gros chat. Vous voudrez vous assurer que vous avez un bonne vue de ses caractéristiques sans obstruction (p. ex. personnes, autres animaux, feuillage). De plus, vous pouvez rechercher quelques exemples différents de crinière de lion pour vous inspirer sur la façon de dessiner la vôtre.

Étape 1: établir des directives pour la tête

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Lorsque vous dessinez une tête de lion de face, il est essentiel de rendre ses traits du visage aussi équilibrés que possible. Par conséquent, avant de commencer à dessiner, pensez à placer un guide en forme de T composé d'une ligne verticale et d'une ligne horizontale. Vous pouvez le faire à main levée ou, pour des lignes plus précises, à l'aide d'une règle.

Une fois les lignes en place, vous pouvez esquisser un carré au centre – ce sera la tête de lion. Au bas du carré, ajouter une forme semi-trapézoïdale saillante pour le museau du lion.

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Étape 2: ajoutez la crinière et les oreilles

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Après avoir centré la tête du lion dans la grille en forme de T, vous pouvez ajouter une paire de oreilles semi-circulaires dans les coins supérieurs du carré. Ensuite, nous allons esquisser la crinière. Selon l'âge et la taille de votre lion, la crinière peut ressembler à un certain nombre de façons. Cependant, pour ce didacticiel, nous allons dessiner une crinière en couches luxueuse.

Pour ce faire, dessinez légèrement une forme de cœur autour de la tête du lion, en la terminant à un point un peu en dessous du menton. Enveloppez une deuxième couche autour de la première si vous voulez dessiner une crinière épaisse. N'oubliez pas d'arrondir la crinière au-dessus de la tête et des oreilles du lion pour qu'elle gonfle en haut.

Étape 3: dessinez les traits du visage

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Maintenant, en utilisant les directives en forme de T, commencez esquisser les traits du visage du lion. Si vous voulez que le visage de votre lion soit parfaitement symétrique, cela peut prendre du temps. Sinon, utilisez votre meilleur jugement pour tracer un petit cercle de chaque côté de la ligne verticale. Attachez deux triangles à l'un ou l'autre cercle de sorte qu'il forme un œil en forme d'amande renversé.

Ensuite, ajoutez des lignes à l'intérieur de chaque œil pour indiquer l'arête du nez. Au bas du carré – où il rencontre le début de la forme trapézoïdale –ajouter le nez du lion. Cela devrait être une forme de triangle avec deux narines ovales prononcées.

Ensuite, il est temps de tailler le museau du trapèze. Pour ce faire, tracez une courte ligne verticale descendant de la base du nez. Ensuite, divisez la ligne dans les deux sens pour créer la bouche. Utilisez ces lignes comme ancre pour arrondir le museau vers le haut. Enfin, vous pouvez définir le menton comme une forme rectangulaire douce.

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Étape 4: effacez toutes les directives initiales

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Enfin, lorsque vous vous contentez du plan, vous pouvez commencer effacer toutes les directives inutiles. Si quelque chose vous dérange encore à ce stade, mettez un peu de côté le dessin et revenez-y. Une fois que vous avez un peu de distance, allez-y et faites les ajustements qui vous semblent nécessaires.

Étape 5: ajouter une texture au dessin

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Qu'est-ce qu'un lion sans sa crinière? Prenez du temps à ce stade pour étoffer votre croquis de crinière avec plus lignes texturées. Pendant que vous y êtes, revenez sur le visage et ajoutez des détails plus fins aux yeux et au nez. Même si vous ne voulez pas que votre dessin soit trop réaliste, ajouter quelques lignes supplémentaires ici et là ajoutera beaucoup de profondeur à l'illustration dans son ensemble. Éclosion—Une technique qui consiste à ajouter de nombreuses lignes parallèles — est un moyen facile de le faire.

Ensuite, il est temps de délimiter les zones noires du dessin, qui sera l'intérieur des yeux, les pupilles, les lèvres, les narines et l'intérieur des oreilles.

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Étape 5: ajouter des éléments décoratifs

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Même si vous ne dessinez cette tête de lion que pour la pratique, pourquoi ne pas la compléter avec quelques éléments supplémentaires? Vous pouvez faire une frontière facile en esquissant une forme de croissant en haut et en bas de votre lion. Couronnez ces formes arrondies avec des lignes fines qui se déploient aux deux extrémités.

Pour ceux qui préfèrent un dessin au graphite, vous pouvez considérer votre lion comme terminé à ce stade. Si vous souhaitez améliorer l'illustration avec de l'encre, allez-y et passez à l'étape 7.

Étape 7: Passez en revue le dessin à l'encre

Comment dessiner un lion étape par étape

Art: Margherita Cole | My Modern Met

Pour terminer votre dessin à l'encre, sortez votre stylos préférés, et lentement tracez votre dessin final. Vous pouvez créer intéressant variation de ligne dans votre illustration en utilisant un tableau de plumes différentes. Une fois que vous avez parcouru toutes les lignes de graphite, pensez à ajout de texture à la crinière épaisse du lion. Si vous avez du temps et de la patience, vous pouvez utiliser pointillé (le processus d'ajout de nombreux points) pour soigneusement ombrer la crinière.

Enfin, une fois que vous avez laissé suffisamment de temps à l'encre pour sécher, effacez toutes les lignes de crayon restantes. Félicitations! Vous avez maintenant un magnifique portrait de lion.

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Le professeur prépare des recettes vieilles de 3 770 ans en Mésopotamie et partage des résultats surprenants

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Nourriture de la Mésopotamie ancienne

Il n'est pas rare que les gens utilisent des recettes des décennies passées pour explorer à quoi ressemblaient les plats d'autrefois, mais Bill Sutherland a pris cette idée à un autre niveau avec ses récents efforts dans la préparation des aliments anciens. En utilisant une tablette mésopotamienne de 3 770 ans comme livre de recettes, le professeur de l'Université de Cambridge a préparé un maintenant viral fête que ceux qui vivaient en 1750 avant JC Babylone auraient mangé.

Alors, qu'est-ce qui était au menu? Beaucoup de plats ressemblent à des choses que nous aimerions aujourd'hui. Une entrée était un «ragoût d'agneau», que Sutherland appelait «simple et délicieux» et comprenait des gâteaux d'orge garnis de poireaux écrasés et d'ail. Un autre a été appelé Déroulant avec des poireaux sautés, des oignons de printemps et des miettes de levain. "Ça a l'air bien mais un peu ennuyeux", Sutherland fait remarquer dans un tweet.

Alors que de nombreux plats exigeaient des ingrédients conventionnels, il y avait quelques exceptions notables. Le bouillon Elamite, par exemple, a demandé à Sutherland d'utiliser du sang de mouton, qu'il a remplacé par de la sauce tomate.

L'ensemble de l'effort n'était pas ce à quoi Sutherland s'attendait. «Je m'intéresse à l'histoire, donc recréer ces recettes m'a semblé amusant», explique Sutherland à My Modern Met. «J'ai été surpris de la facilité avec laquelle il a été possible de créer ces plats anciens avec seulement une petite quantité de modifications et de leur saveur.»

Le professeur Bill Sutherland de l'Université de Cambridge a fait de la nourriture mésopotamienne ancienne il y a 3 770 ans.

Nourriture de la Mésopotamie ancienne

Ragoût d'agneau

Nourriture de la Mésopotamie ancienneNourriture de la Mésopotamie ancienne

Tuh’u

Cuisine ancienne

Nourriture de la Mésopotamie ancienne

Déroulant

Cuisine ancienneCuisine ancienne

Bouillon d'élamite

Cuisine ancienneCuisine ancienneBill Sutherland: Twitter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Bill Sutherland.

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Fonds de plaques d'art en édition limitée Repas pour les travailleurs migrants en Inde

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Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

Basé à Mumbai Chitresh Sinha a fondé The Plated Project comme moyen d'initier un changement et d'aider à mettre fin à la faim en Inde. Chaque mois, ils s'associent à une nouvelle organisation à but non lucratif pour produire une ligne d'assiettes décoratives uniques qui recueille des fonds à chaque achat. Aujourd'hui, The Plated Project concentre ses efforts sur l'aide aux millions de travailleurs et de travailleurs migrants qui ont perdu leur emploi en raison de la pandémie de COVID-19.

"Alors que le verrouillage est levé, la bataille est loin d'être terminée", expliquent-ils sur leur site Internet. «Les plus touchés sont les salariés journaliers, les habitants des bidonvilles et les travailleurs migrants. La perte soudaine de revenus a fait que beaucoup d'entre eux (ont) du mal même pour leurs repas quotidiens. » Leur nouvelle série d'œuvres d'art s'intitule Une assiette pleine d'espoir, qui comprend des créations en édition limitée de 20 artistes du monde entier. Parmi eux se trouvent des illustrateurs renommés et primés, tels que Pavan Rajurkar en Inde, Hana Augustine en Indonésie, Zeynep Özatalay en Turquie et Sandhya Prabhat en Californie. Chaque pièce de cette ligne d'assiettes décoratives représente une émotion ou une expérience ressentie pendant le verrouillage.

En achetant une de leurs assiettes d'art, vous financez 60 repas pour un travailleur migrant dans le besoin. Cela comprend un kit de repas contenant des éléments essentiels comme le dal, le riz et l'atta. Le projet Plated a déjà dépassé son objectif initial de 100 000 repas et espère continuer à soutenir les travailleurs dans le besoin.

Chaque assiette est disponible à l'achat à 26,67 $ (ou 1 999 roupies indiennes). Vous pouvez acheter toute la collection via le site Web de The Plated Project.

Le projet Plated aide les travailleurs migrants en Inde qui ont été touchés par la pandémie de COVID-19.

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

"Félicité"

Ils ont collaboré avec 20 artistes pour concevoir une série de belles assiettes.

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

"Tous emmêlés"

En achetant l'une de ces assiettes en édition limitée, vous donnez 60 repas à un travailleur dans le besoin.

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

«Filles»

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

«Un lien partagé»

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

«Contes intemporels»

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

"Roi de Ludo"

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

"Où les rues n'ont pas de nom"

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

"Trouver des lucioles"

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

"Amis à fourrure"

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

"Encore une bouchée"

Plaques d'art en édition limitée du projet plaqué

"Coeur plein d'empreintes de pattes"

The Plated Project: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de The Plated Project.

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Photos de Santiago Olay sur la Voie lactée en naviguant sur un cargo

Photo: Santiago Olay

Dès notre jeune âge, beaucoup d'entre nous sont captivés par les lumières vacillantes du ciel nocturne qui semblent juste hors de notre portée. Grâce à des photographes incroyables comme Santiago Olay et JeffHK, nous sommes en mesure de capturer un meilleur aperçu du cosmos captivant. Ces deux-là apportent leur amour du ciel au reste d'entre nous à la maison pendant qu'ils sont stationnés en mer. Olay est un photographe amateur autoproclamé qui travaille comme matelot de pont sur un cargo. «Depuis que j'ai rejoint cette période de service», dit-il, «j'ai commencé à partager une belle photo par jour avec mes parents et amis en Espagne en essayant d'atténuer le sentiment très réel de confinement que nous ressentons tous à cause de COVID-19.» Les images les plus époustouflantes qu'il a prises sont sans doute les prises de vue larges qui présentent la Voie lactée en pleine vue.

JeffHK a adopté une approche différente en essayant de capturer ces merveilles naturelles. Alors qu'il travaillait sur un cargo différent voyageant de la mer Rouge à Hong Kong, il a capturé une vidéo en accéléré à couper le souffle et l'a téléchargée sur sa chaîne YouTube. Il a été compilé à l'aide de plus de 80 000 photos que le marin avait prises au cours de ce long voyage autour de la côte asiatique. Interrogé sur ses expériences de tournage de ce projet, l'artiste a déclaré: «Naviguer en haute mer est un sentiment et une expérience uniques. J'espère la capturer et la partager pour que tout le monde puisse la voir. »

Ce qui est encore plus incroyable, ce sont les obstacles que les deux photographes ont dû surmonter pour obtenir ces images nettes et propres. "En ce qui concerne les clichés de la Voie lactée", explique Olay, "vous devez garder à l'esprit qu'il est un peu difficile à capturer à partir d'un navire en mouvement en raison des mouvements de roulis, de bâillement et de tangage inhérents aux navires." Pendant ce temps, la vidéo accélérée de JeffHK montre les défis que les tempêtes de Mère Nature ont présentés à son processus. Pourtant, le travail acharné des deux artistes nous rappelle la simple beauté des étoiles dans le ciel. Vous pouvez voir plus de travaux de JeffHK sur sa chaîne YouTube et la photographie de Santiago Olay sur son Instagram.

Découvrez la vidéo accélérée de JeffHK de son voyage de 30 jours de la mer Rouge à Hong Kong.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=AHrCI9eSJGQ (/ intégré)

Santiago Olay: Instagram | Twitter
JeffHK: Instagram | Youtube

h / t: (PetaPixel, Squid riant)

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Les princesses Disney sont repensées en tant que femmes modernes dans les transformations glamour

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Disney Princess Makeover par Yudelmis San Emeterio

Les princesses Disney continuent d'être une source d'inspiration pour les artistes qui souhaitent explorer ces icônes bien-aimées dans un nouveau contexte. Nous avons vu ces filles repensées comme des peintures à l'huile classiques, des femmes fatales et même des personnes réelles. Maintenant, l'artiste Yudelmis «Yudie» San Emeterio utilise ses compétences en manipulation numérique pour donner à chaque starlette animée une cure de jouvence moderne.

Belle arbore une robe bleue contemporaine et des reflets, Tiana porte ses cheveux avec des barrettes scintillantes et Mulan montre une manche avant-gardiste de tatouages ​​botaniques. San Emeterio utilise un cadre du film Disney comme base pour ses mises à jour glamour, sur lesquelles elle applique soigneusement le maquillage, les accessoires et les vêtements contemporains. Ce qui est le plus enchanteur de ces métamorphoses, c'est la façon dont l'artiste garde l'essence du style de chaque princesse dans sa refonte.

San Emeterio partage également la façon dont elle effectue ces modifications numériques sur son TikTok. "Quand j'ai vu des gens faire des relookings aux personnages de Disney, je ne pouvais pas m'en empêcher!" dit-elle à Buzzfeed. "Mon objectif principal avec mes vidéos est de garder les changements dans la transformation aussi proches que possible du style et de la texture de l'art original." Chaque vidéo offre un aperçu de son processus, où elle redessine de manière experte les personnages à l'aide de son iPad. Les résultats finaux sont si convaincants qu'ils semblent provenir directement de Disney.

Vous pouvez voir plus du travail de San Emeterio en la suivant sur Instagram et TikTok. Vous pouvez également acheter des tirages via sa boutique en ligne.

L'artiste Yudelmis «Yudie» San Emeterio donne aux princesses Disney une cure de jouvence moderne.

Cendrillon

Disney Princess Makeover par Yudelmis San Emeterio

@vanotyartsJ'ai donné ses oreilles 😳 ## eyeslipsface ## cendrillon ## disneyprincess ## gloupdisney ## tiktokart ♬ Yeux. Lèvres. Visage. (e.l.f.) – iLL Wayno & Holla FyeSixWun

Belle

Disney Princess Makeover par Yudelmis San Emeterio

@vanotyartsA vu des gens faire des «reflets» de personnages Disney, j'ai donc décidé de faire le mien. Je suis allé pour un changement plus subtil! ## disneyprincess ## artchallenge ## belle ♬ Shortcake aux fraises – Melanie Martinez

Elle met à jour numériquement leurs vêtements, leurs cheveux et leur maquillage pour les faire ressembler à des femmes contemporaines.

Mulan

Disney Princess Makeover par Yudelmis San Emeterio

@vanotyartsJe savais que je voulais faire quelque chose de plus dramatique pour Mulan, et j'aime le look "ABG", alors … ## abg ## mulan ## disneyprincess ## gloupdisney ♬ Candy – Doja Cat

Raiponce

Disney Princess Makeover par Yudelmis San Emeterio

@vanotyartsL'astuce avec les modifications 3D est qu'elles sont un peu plus impliquées, mais Rapunzel en vaut la peine ❤️ ## rapunzel ## disneyprincess ## gloupdisney ♬ GREEDY x TREASURE – conradrocha

Jasmin

Disney Princess Makeover par Yudelmis San Emeterio

@vanotyartsAladdin est probablement le seul film Disney que je n'ai jamais vu et j'ai honte de moi-même, Jasmine l'est. ## aladdin ## princessjasmine ## gloupdisney ♬ B.S. – Jhené Aiko, H.E.R.

Tiana

Disney Princess Makeover par Yudelmis San Emeterio

@vanotyarts Autant que j'aime les robes bleues et vertes du film, je pense que le rose a été fait pour Tiana 😍 ## tiana ## disneyprincess ## gloupdisney ## artchallenge ## art ♬ Talk – Khalid

Ariel

@vanotyartsJe jure, Ariel a plus d'espace pour les paupières que ce que je sais quoi faire. Quel bébé 😍 ## disneyprincess ## Ariel ## littlemermaid ## gloupdisney ## tiktokartist ♬ Motivation – Normani

Moana

@vanotyartsJ'aimerais que les sourcils de Moana soient sur mon visage 😩 BTW, certaines des dernières transformations sont sur mon insta pour ceux qui les veulent 👍 ## moana ## gloupdisney ♬ Take Your Man – Mahogany LOX

Jeanne

Disney Princess Makeover par Yudelmis San Emeterio

@vanotyartsOut de toutes les pistes féminines de Disney, je résonne le plus avec Jane. J'attends toujours mon Tarzan, bien que 😂 ## disneyprincess ## gloupdisney ## jane ♬ Tarzan Medley: You'll Be in My Heart / Two Worlds / Strangers Like Me / Trashin ’the Camp – Anthem Lights

Yudelmis San Emeterio: magasin | Instagram | TIC Tac

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Yudelmis San Emeterio.

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Le plus grand nettoyage des océans transporte 103 tonnes de plastique de l'océan Pacifique

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Bateau rempli de plastique tiré du parc à ordures du Grand Pacifique

En 48 jours, une expédition vers le Great Pacific Garbage Patch a réussi à transporter 103 tonnes de plastique de l'océan. La mission était dirigée par Ocean Voyages Institute, une organisation à but non lucratif fondée en 1979 pour aider à préserver les océans du monde. Incroyablement, pour aussi impressionnants que soient leurs efforts de récupération, ce n'est qu'une goutte dans le seau par rapport à ce qui reste encore.

Le nettoyage de l'Institut est le plus important à ce jour au Great Pacific Garbage Patch. Cette région reculée de l'océan Pacifique, située entre la Californie et Hawaï, est un vortex tourbillonnant qui corrèle et piège une quantité étonnante de déchets. Les articles que l’Ocean Voyages Institute a réussi à retirer de l’océan sont assez représentatifs de ce qui reste: une quantité écrasante d’engins de pêche et de plastiques de consommation.

Le matériel de pêche commerciale et les «filets fantômes», qui sont des filets de pêche jetés par-dessus bord au lieu d'être correctement éliminés, représentaient la majorité des 103 tonnes récupérées. Malheureusement, l'équipage a trouvé de nombreux squelettes de tortues emmêlés dans les filets, ce qui montre les conséquences réelles de ces actions imprudentes.

Squelettes de tortues emmêlés dans des filets de pêche

«Je suis tellement fière de notre équipe qui travaille dur», partage Mary Crowley, fondatrice et directrice générale de Ocean Voyages Institute. «Nous avons dépassé notre objectif de capturer 100 tonnes de plastiques de consommation toxiques et de filets« fantômes »abandonnés, et en ces temps difficiles, nous continuons à aider à restaurer la santé de notre océan, ce qui influence notre propre santé et celle de la planète. Les océans ne peuvent pas attendre que ces filets et débris se décomposent en microplastiques, ce qui nuit à la capacité de l'océan à stocker le carbone et à toxifier le fragile réseau trophique océanique. "

Crowley, connu sous le nom de «Ghost Net Buster», a développé des méthodes pour aider à transporter de grandes quantités de plastique de l'océan. L'expédition utilise des trackers satellites GPS sur des filets de pêche marqués pour trouver des zones à haute densité de plastique. Cela joue dans la théorie de Crowley selon laquelle un filet en mène à de nombreux autres. Et, en fait, la technique s'est avérée utile depuis sa mise en place en 2018.

Malgré cela, l'équipage a encore beaucoup de travail devant lui. «Il n’existe pas de solution miracle au nettoyage des océans: ce sont les longues journées en mer, avec un équipage dévoué qui scrute l’horizon, des grappins et récupérant d’énormes quantités de déchets, qui y parviennent», explique Locky MacLean, un ancien directeur de Sea Shepherd et militant océanique en conservation marine pendant deux décennies.

Plongeur de l'Ocean Voyages Institute Transportant du plastique depuis le Great Pacific Garbage Patch

Bien que leur travail acharné ait porté ses fruits, il convient tout de même de noter qu'environ 80 000 tonnes métriques de plastique se trouvent dans le Great Pacific Garbage Patch. L'équipe espère étendre son travail afin que l'année prochaine, ils puissent avoir trois navires travaillant pendant trois mois à la fois pour collecter le plastique, qui sera ensuite ramené à terre pour être recyclé.

«Il ne fait aucun doute dans mon esprit que notre travail rend les océans plus sains pour la planète et plus sûrs pour la faune marine, car ces filets n'emmêleront ou n'endommageront plus jamais une baleine, un dauphin, une tortue ou des récifs», explique Crowley.

L'Ocean Voyages Institute a transporté 103 tonnes de plastique du Great Pacific Garbage Patch.

Les filets de pêche transportés hors du parc à ordures du Grand Pacifique

En savoir plus sur ce nettoyage océanique record.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=U7Ka0stsTO0 (/ intégré)

Institut Ocean Voyages: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (IFLScience!)

Toutes les images via Ocean Voyages Institute.

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Ces peintures géantes de notre galaxie éblouissante brillent réellement dans le noir

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L'art de l'espace par Cathrin Machin

Lorsque nous réfléchissons à l'immensité de l'univers, nos vies peuvent sembler totalement insignifiantes. Si vous pensez à l'échelle de la galaxie, chaque étoile n'est qu'un simple petit point. Et entourant ces centaines de milliards de minuscules points, on pense qu'ils sont d'innombrables systèmes planétaires comme le nôtre. Et pourtant, notre galaxie n'est qu'un des milliards de galaxies de l'univers. Inspiré par le cosmos épique, l'artiste australien Catherin Machin crée des peintures d'art de l'espace qui brillent dans le noir qui ressemblent à des photos prises à partir d'un télescope.

Il y a environ 4,5 ans, Machin a quitté son travail de bureau stressant pour poursuivre sa passion artistique, et maintenant elle crée ses peintures de l'univers cosmique à plein temps. Des nébuleuses vibrantes et tourbillonnantes aux traînées de lumière éblouissantes, les peintures fascinantes de Machin capturent la beauté à couper le souffle du ciel nocturne. "Je n'ai jamais été religieux, mais je trouve ma spiritualité dans les étoiles", explique Machin à My Modern Met. «Lorsque vous sortez dans une zone sombre et que vous regardez le ciel nocturne, ils brillent si fort qu'ils transpercent votre âme. Il est difficile de dire à quel point c'est incroyable. "

En raison de la pollution lumineuse croissante des lumières de la ville, nous ne pouvons voir qu'un minuscule pourcentage des étoiles dans le ciel. Cependant, Machin espère que son art aidera les gens à se reconnecter à la galaxie. «Le problème est que les étoiles nous sont volées, nuit après nuit, à mesure que la technologie progresse et que la population augmente, la pollution lumineuse nous étouffe dans un voile qui empêche la plupart des gens de voir les étoiles», explique Machin. "Ce problème est si profondément ancré que les gens ne se sont pas rendu compte qu'ils devraient être visibles pour nous tous." Elle ajoute: «La plupart de nos enfants grandiront et mourront sans avoir jamais vu les étoiles et c'est vraiment navrant.»

Les peintures photoréalistes de l'artiste sont souvent basées sur des images du télescope spatial Hubble, ses propres astrophotographies et celles d'amis. Elle commence toujours par une toile noire, puis applique des pigments phosphorescents en touches gestuelles audacieuses pour réaliser ses scènes célestes vibrantes. Selon la façon dont elle veut que sa peinture soit photoréaliste, Machin peut passer plusieurs mois à travailler sur une seule pièce. «Je n'ai jamais peur de mettre des milliers d'heures en une seule pièce», révèle l'artiste dévoué. "Je pense que c'est parfois le seul moyen de rendre justice à l'univers."

Faites défiler vers le bas pour découvrir certains des arts spatiaux d'un autre monde de Machin et découvrez-en plus dans son portfolio sur son site Web et Instagram.

Inspiré par notre vaste univers, l'artiste australien Catherin Machin peint un art spatial brillant dans le noir qui ressemble à des photos prises depuis le télescope spatial Hubble.

L'art de l'espace par Cathrin MachinL'art de l'espace par Cathrin Machin

Chaque œuvre d'art inspirée de l'espace peut prendre plusieurs mois.

L'art de l'espace par Cathrin MachinL'art de l'espace par Cathrin MachinL'art de l'espace par Cathrin MachinL'art de l'espace par Cathrin MachinL'art de l'espace par Cathrin MachinL'art de l'espace par Cathrin MachinL'art de l'espace par Cathrin MachinL'art de l'espace par Cathrin Machin

Cathrin Machin: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter

My Modern Met a accordé la permission d'utiliser des photos de Cathrin Machin.

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Dessins au crayon de couleur vibrante remplis des couleurs de la galaxie

L'histoire colorée du verre dépressif et sa popularité continue

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Assortiment de verre dépressif ambre vendu par Jeffrey S. Evans and Associates

Photo: Jeffrey S. Evans & Associates
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Avez-vous déjà regardé dans le meuble en porcelaine de votre grand-mère et trouvé quelques morceaux de verrerie légèrement teintée? Vous êtes-vous déjà demandé quels étaient ces objets curieusement colorés ou d'où ils venaient? Eh bien, ne vous demandez plus! Ces formes variées de verrerie teintée d'arc-en-ciel sont appelées Verre dépressif. Ils étaient incroyablement courants lorsqu'ils ont commencé à être vendus à la fin des années 1920, et sont vraiment venus dans un éventail arc-en-ciel de couleurs et de motifs. Malgré leur abondance historique, ces pièces continuent d'éclairer les cuisines modernes et ont une valeur de collection élevée. Voyons comment le verre Dépression est devenu l’objet de collection populaire et apprécié qu’il est aujourd’hui.

Qu'est-ce que le verre Dépression?

Selon le National Depression Glass Association, Le verre dépressif fait référence à la verrerie fabriquée aux États-Unis qui a été produite pour la première fois au milieu des années 1920 jusqu'à la fin des années 1940, car les fabricants de verrerie ont développé la capacité de produire des verres à déjeuner et à dîner peu coûteux. Le plus souvent, le verre Dépression était transparent avec des teintes colorées qui donnaient aux pièces une qualité lumineuse; cependant, occasionnellement, les fabricants collections opaques, comme les vases à lait blanc, les tasses à thé et les pichets qui sont populaires aujourd'hui. Les couleurs les plus courantes qui ont été produites étaient ambre, jaune canari, rose, et vert. Les couleurs moins courantes incluent rouge, améthyste, jadéite, cobalt, et noir opaque.

Brevet de 1916 pour la fabrication de verrerie centrifuge

Technique de fabrication peu coûteuse appliquée au verre dépressif (Photo: domaine public)

Gene Florence, qui a écrit l'un des textes fondateurs sur le verre de dépression, divise en fait ce type de verrerie en deux catégories différentes:Dépression et Élégant. Le verre élégant a été fabriqué par un groupe restreint de maisons «à la main», où les employés aidaient à affiner les imperfections du verre lors de sa première sortie du moule. Le verre dépressif, cependant, était destiné à la production de masse et présentait donc beaucoup plus d'imperfections, y compris des coutures et des bulles évidentes.

Difficultés économiques et techniques publicitaires

Fait intéressant, le verre dépressif était en fait de qualité faible à moyenne et était souvent offert gratuitement aux consommateurs sous forme de primes pour inciter les clients à continuer leurs achats pendant la Grande Dépression, malgré les difficultés économiques écrasantes auxquelles étaient confrontés les Américains. Les clients pouvaient obtenir des tasses et des soucoupes avec des jeux de carnaval dans les remplissages d'essence, les cinémas et comme cadeaux spéciaux à l'achat de certaines marques ou appareils de cuisine. Ce gadget publicitaire a énormément fonctionné alors que les gens à travers les États-Unis ont commencé à chercher du verre de dépression pour acheter pour leurs maisons. La verrerie était souvent vendue en ensembles d'une douzaine et était généralement au prix de 1,72 $ par ensemble.

Verre de dépression vert assorti

Photo: Wikimedia Commons (CC BY 2.0)

Motifs et motifs

Outre le bel arc-en-ciel de couleurs dans lequel le verre Dépression se présente, l'une des qualités les plus souhaitables de la verrerie est la myriade de motifs et de motifs délicats que ces fabricants ont créés pour leurs pièces. Souvent, les amateurs de verrerie appellent le volume des motifs "Adam à Windsor”—Deux styles de motifs de verre dépressif — pour incorporer tous les styles en sténographie. Certains styles populaires incluent le Hazel Atlas Glass Company Dentelle royale modèle et Hocking Glass Company Camée et Mayfair motifs.

Verre dépressif rose Mayfair à vendre

Pink Mayfair Ice Tumblers en vente sur Etsy (FoothillsCottage | 146 $)

Collector Craze

Les années 80 ont vu le verre Dépression entrer en masse sur le marché des enchères. L'abondance du verre et son attrait esthétique ont contribué à lancer sa popularité parmi les collectionneurs vintage, et des pièces rares se sont vendues pour quelques centaines de dollars, comme l'assortiment de bols à soupe en verre Cameo Depression vendus aux enchères en 2016 pour 190 $. Cependant, même un collectionneur amateur avec un petit budget peut se permettre des morceaux de verre Dépression plus courants sans avoir à regarder trop loin ou à se ruiner.

Depression Glass Antiques Today

Les détaillants en ligne comme Etsy et eBay ont un grand nombre de verres de dépression disponibles à l'achat, bien que vous souhaitiez être sélectif sur vos choix en raison du nombre de reproductions sur le marché. Assurez-vous de vérifier les imperfections comme les coutures bouillonnantes et visibles pour aider à vérifier son âge. Vous pouvez également voir quels modèles et pièces sont généralement reproduits. N'ayez pas peur de poser des questions sur le verre provenanceet pour plus de photos à vérifier. Vous pouvez trouver des pièces abordables comme un vase de style Iris et chevrons, un pichet à motifs de fleurs de cerisier et bien plus sur Etsy. En dépit de son histoire courante, le verre de dépression est devenu populaire auprès des collectionneurs et peut apporter de la joie aux tables de cuisine n'importe quel jour de la semaine.

Faites défiler vers le bas pour voir une petite sélection des marchandises actuellement disponibles.

Vase (motif iris et chevrons)

Vase en verre dépressif iris et chevrons

LucysMidCentury | 24,60 $

Set Crème & Sucre (Motif Madrid)

Crème en verre de dépression et ensemble de sucre

OldVintageTrunk | 12,95 $

Verres à sorbet ou à dessert (motif optique)

Verres à dessert en verre dépressif

FoothillsCottage | 20,50 $

Pichet (motif de fleurs de cerisier)

Pichet en verre de dépression

ProvenancePieces | 50 $

Soucoupes (motif dorique)

Soucoupes en verre de dépression

AutieQsAttic | 24 $

Tasse à thé et soucoupe (motif fleur de cerisier)

Tasse à thé en verre Dépression

RedRiverAntiques | 18 $

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Comment les tapisseries murales éclairent les intérieurs depuis des siècles

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Tapisserie murale utilisée pour décorer l'intérieur de la maison

Ce message est parrainé par Fine Art America. Nos partenaires sont triés sur le volet par l’équipe de My Modern Met car ils représentent le meilleur du design et de l’innovation.

Si vous cherchez un moyen d'ajouter de la chaleur et de la texture à n'importe quelle pièce de votre maison, vous voudrez peut-être envisager tapisserie de vos murs. Pendant des siècles, cet art textile a été utilisé pour améliorer les intérieurs et maintenant, Fine Art America facilite plus que jamais l'installation d'une tenture murale dans votre maison.

En tant que plus grand marché d'art en ligne au monde, Fine Art America travaille avec des milliers d'artistes, de photographes et de graphistes. Cela signifie que quel que soit votre style, vous pourrez facilement trouver la bonne tapisserie adaptée à vos besoins. Leurs tapisseries en microfibre légères vous donneront une œuvre d'art de qualité musée prête à accrocher.

Ces dernières années, les tentures murales ont connu une résurgence. Ce qui était autrefois considéré comme un décor simple pour les dortoirs ou uniquement pour ceux au style bohème est maintenant à juste titre apprécié pour sa qualité artistique. Plus que jamais, les gens utilisent les textiles pour adoucir leurs intérieurs et apporter un peu de mouvement dans leurs maisons.

Les tentures murales modernes font l'accent parfait, que vous les placiez sur votre lit, au-dessus de votre canapé ou le long d'un mur incurvé où les peintures traditionnelles sont difficiles à accrocher. Comme ils sont légers, vous n'avez pas à vous soucier de devoir placer des ancres dans le mur. En fait, il y a tellement de flexibilité dans la façon d'accrocher une tapisserie qu'ils fonctionnent même si vous louez et que vous ne voulez pas faire de trous dans les murs. L'adhésif velcro, les clous et les punaises sont toutes des options pour le montage du tissu fluide. Mais si vous voulez faire une déclaration élégante, vous pouvez la draper sur une tige, utiliser un porte-affiche ou même l'encadrer.

D'où vient donc la tradition des tapisseries murales? Il faudra remonter au Moyen-Âge pour trouver notre réponse.

Tenture murale William Morris

Feuilles d'acanthe William Morris

Histoire des tapisseries murales

Alors que des tapisseries ont été découvertes datant de la Grèce ancienne, c'était vraiment pendant 14ème siècle CE qu'ils ont trouvé leur place. Populaires dans toute l'Europe, les pièces textiles étaient tissées à la main sur un métier à tisser. Bien que le coton, le lin et la laine soient des matériaux populaires, il n'était pas rare de trouver de l'argent, de l'or et de la soie tissés dans les tapisseries les plus opulentes. Ces pièces majestueuses étaient souvent suspendues au-dessus des trônes et leur portabilité permettait aux rois et aux nobles de les enrouler et de les amener dans leurs différentes résidences.

Bien que l'Allemagne et la Suisse aient accueilli les premiers ateliers, le médium a vraiment atteint son rythme Flandre du XVIe siècle. Là, des ateliers pleins d'artistes qualifiés ont prospéré et ont souvent collaboré avec les meilleurs artistes de l'époque pour concevoir et produire des tapisseries massives. Un bon exemple de ceci est les tapisseries conçues par Raphael qui pendent encore dans le Musées du Vatican à Rome, Italie.

Plus tard, au 19e siècle, William Morris a ravivé l'art de la tapisserie en créant des tentures murales élégantes basées sur les dessins de l'artiste préraphaélite Edward Burne-Jones.

Après la Seconde Guerre mondiale, il y a eu un changement dans lequel les artistes ont pris les rênes en tant que tisserands et ont commencé à produire leurs propres dessins. Expositions de tapisserie a commencé à apparaître dans toute l'Europe et les États-Unis pour valoriser leur travail. Les programmes d'art ont commencé à enseigner l'art de la fibre et, dans les années 1980, c'était une composante populaire de l'école d'art.

Cet enthousiasme continu pour les tapisseries prouve simplement l'héritage durable que ces œuvres d'art possèdent.

Tapisserie murale contemporaine de Fine Art America

Jungle Journey

Tentures murales modernes

Maintenant que nous avons appris comment les tapisseries murales peuvent être utilisées dans la maison et leur histoire, il est temps de trouver la pièce d'art parfaite pour votre intérieur. Avec près de cinq millions de tapisseries disponibles, La sélection de Fine Art America peut sembler décourageante, mais elle a facilité les choses. Vous pouvez filtrer par collection, sujet, forme et couleur pour affiner rapidement vos choix et trouver la tapisserie parfaite.

Pour vous aider à démarrer et vous donner un peu d'inspiration, voici quelques-uns de nos temps forts préférés de Sélection de tapisseries Fine Art America.

Tapisserie murale florale

Jardin de coquelicots sauvages

Tenture murale contemporaine

Décongeler la tapisserie

Tapisserie murale minimaliste

Tapisserie Enso 7

Tapisserie murale d'un coucher de soleil

Coucher de soleil sur le lac

Tenture murale moderne

Galets du milieu du siècle

Tapisserie murale moderne dans une chambre

Herbe de plage

Tenture murale sur le thème de la nature

Tropique doux

Tapisserie murale abstraite

Blue Curry II

Tapisserie murale contemporaine

Résumé de carte du monde

Tapisserie murale contemporaine de style japonais

Gravure sur bois de feuilles d'automne

Fine Art America: Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via Fine Art America.

Hubble prend une photo incroyable d'une galaxie lointaine

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NGC 2275 Galaxy par le télescope Hubble

Photo: ESA / Hubble & NASA, J. Lee et l'équipe PHANGS-HST; Remerciements: Judy Schmidt (Geckzilla)

L'un des télescopes spatiaux les plus grands et les plus appréciés au monde, le télescope spatial Hubble nous a offert des vues incroyables depuis son lancement en orbite en 1990. La NASA offre régulièrement au public certaines des meilleures photographies de Hubble et une image récente d'un lointain la galaxie ne fait pas exception. C’est vraiment un régal pour les yeux!

Découverte pour la première fois en 1783, la galaxie NGC 2775 est située à 67 millions d'années-lumière de la Voie lactée dans la constellation nord du Cancer. Selon la NASA, son motif en spirale plumeux indique que la formation d'étoiles dans la galaxie a été calme. La grande zone centrale vide, connue au niveau du renflement galactique, ne montre aucune formation d'étoiles. Le renflement galactique est l'endroit où tout le gaz de la galaxie aurait été converti en étoiles lors de sa formation initiale.

Les spirales du NGC 2775 sont décrites comme des floculants, ce qui contraste avec les spirales bien définies des autres galaxies. «Des millions d'étoiles bleues jeunes et brillantes brillent dans les bras en spirale complexes, semblables à des plumes, entrelacés de sombres rangées de poussière. On pense que les complexes de ces étoiles bleues chaudes déclenchent la formation d'étoiles dans les nuages ​​de gaz à proximité », écrit l'ESA sur la description de l'image par la NASA. "Les motifs globaux en forme de plumes des bras sont ensuite formés par cisaillement des nuages ​​de gaz pendant la rotation de la galaxie."

Grâce au travail incroyable de Hubble, le public est en mesure d'acquérir une compréhension plus profonde des galaxies au-delà de la nôtre. Bien qu'il existe plusieurs types de galaxies, nous connaissons probablement mieux la formation de spirales. En tant que type le plus courant, ils représentent 60% des galaxies connues. En fait, même notre propre galaxie, la Voie lactée, prend cette forme. Un regard sur les archives récentes du télescope spatial est une leçon sur la grande variété de galaxies au-delà de la nôtre.

Découvrez quelques-unes des autres galaxies incroyables capturées récemment par le télescope spatial Hubble.

NGC 2608 Galaxy

NGC 2608 Galaxy (Photo: ESA / Hubble & NASA, A. Riess et al.)

NGC 3895 Galaxy dans la constellation de la Grande Ourse

NGC 3895 Galaxy dans la constellation de la Grande Ourse (Photo: ESA / Hubble, NASA et R. Barrows)

NGC 5907 Galaxy

NGC 5907 Galaxy (Photo: ESA / Hubble & NASA, R. de Jong; Remerciements: Judy Schmidt (Geckzilla))

Télescope spatial Hubble: site Web | Twitter

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Cette superbe photo d'une ville à l'envers dans les nuages ​​n'est pas photoshoppée

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Chicago Skyline reflétée dans les nuages ​​par Mark Hersch

Alors que Mark Hersch approchait de l'aéroport O’Hare de Chicago en 2014, il n'aurait jamais pu imaginer ce qui l'attendait. Tout en regardant par sa fenêtre, il a pris ce qu'il considérait comme une photo «intéressante» avec son iPhone. Le résultat est une image surréaliste qui continue de circuler sur Internet à ce jour.

Au début, cette ville à l'envers dans les nuages ​​ressemble au travail d'un artiste numérique. Mais en réalité, ce que nous regardons n’est pas du tout manipulé numériquement. Au lieu de cela, tout est un jeu de lumière et de réflexion. Récemment, la photo a été partagée par la NASA en tant que photo d'astronomie du jour et comprenait une explication d'une équipe d'experts.

Ce que nous regardons est une réflexion incroyable. Et tout cela grâce au lac Michigan. S'étendant sur 22 404 milles carrés, il fait le miroir parfait. Dans ce cas, il est possible de voir le soleil au-dessus et au-dessous des nuages. C’est en fait le reflet du soleil qui rebondit sur les eaux du lac et remonte vers le ciel. En fait, c'est ce même principe qui nous donne l'horizon surréaliste de Chicago.

Les longues ombres de la ville projetées sur le lac calme au coucher du soleil sont également projetées dans le ciel. Cela a provoqué une vue rare d'une ville dans les nuages ​​qui semblerait incroyable, si Hersch n'avait pas saisi l'instant. En fait, même lui a été surpris par ce qu'il a vu.

"Quand j'ai pris la photo dans l'avion et que je l'ai vue sur mon iPhone, je savais que c'était une photo intéressante", explique Hersch à My Modern Met. «Et quand je l'ai téléchargé, visualisé sur mon ordinateur et que je pouvais vraiment voir les détails, je savais que c'était une image unique. Même à ce jour, quand je le regarde, je suis frappé par le fait qu'il serait impossible de recréer. C'est une vision du monde qui ne sera plus jamais vue. »

Depuis sa première publication en 2014, la photographie a été une sensation virale et a contribué au lancement de sa carrière. Hersch a quelques idées sur la raison pour laquelle l'image continue de plaire aux gens. "Certains sont fascinés par sa physique, d'autres pensent qu'il a une qualité spirituelle, beaucoup tout comme l'esthétique du sujet."

Actuellement, Hersch concentre sa pratique artistique sur ce qu'il a appelé la «rephotographie». Cette technique le voit fusionner des photos historiques de villes bien connues avec des vues modernes prises par le photographe pour voir l'évolution de l'environnement urbain.

Mark Hersch: site Web | Facebook | Instagram,

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Mark Hersch.

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Adorables photos d'enfants câlins de bébés animaux qui ne sont que leur taille

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Enfants avec bébé Photos d'animaux

Les enfants et les animaux sont une double dose de gentillesse. Leur amitié est si douce et si innocente que vous ne pouvez pas vous empêcher de faire "aww" chaque fois que vous les voyez ensemble. La photographe Andrea Martin célèbre la joie qui émane de ces duos sur ses photos d'enfants avec des bébés animaux. Les scènes adorables présentent chacune un petit enfant et une créature de taille similaire alors qu'ils se blottissent dans un cadre rural, créant de beaux portraits qui mettent en valeur non seulement leur lien mais aussi l'environnement idyllique.

En tant que maman de quatre enfants qui aide également à élever des animaux, Martin voit la magie qui vient des enfants qui interagissent avec les canards, les chèvres, les chiots et les chatons. Avec cette connaissance intime, elle comprend comment embrasser le côté ludique de l'âge de l'enfant en permettant à ses sujets de jouer dans des flaques d'eau géantes et de se rouler sur le sol. Les images, bien que magistralement composées, ne se prennent pas trop au sérieux; ce faisant, ils montrent à quel point Martin est capable de connaître le moment idéal pour frapper le volet. Ces images douces transmettent sans effort le plaisir, l'innocence et la beauté de la nature, des enfants et des animaux – à la fois.

Si vous souhaitez apprendre à retoucher des photos comme Martin, elle vend des instructions vidéo et des préréglages Photoshop via sa boutique en ligne.

Andrea Martin photographie d'adorables enfants avec des bébés animaux, montrant leur doux lien.

Jolies photos d'Andrea MartinJolies photos d'Andrea MartinJolies photos d'Andrea MartinJolies photos d'Andrea MartinJolies photos d'Andrea MartinEnfants avec bébé Photos d'animauxEnfants avec bébé Photos d'animauxEnfants avec bébé Photos d'animauxJolies photos d'Andrea MartinJolies photos d'Andrea MartinEnfants avec des photos d'animaux bébéEnfants avec des photos d'animaux bébéJolies photos d'Andrea MartinJolies photos d'Andrea MartinJolies photos d'Andrea MartinJolies photos d'Andrea MartinJolies photos d'Andrea MartinPhotographie pour enfants et animauxEnfants avec bébé Photos d'animauxPhotographie pour enfants et animauxEnfants avec bébé Photos d'animauxEnfants avec bébé Photos d'animauxPhotographie pour enfants et animauxPhotographie pour enfants et animauxAndrea Martin: Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Andrea Martin.

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UVMask est un masque réutilisable qui filtre et stérilise l'air en temps réel

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Femme, porter, noir, réutilisable, masque facial

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La libération de UVMask ne pourrait pas être plus opportun. Conçu aux États-Unis et fabriqué au Japon, ce masque réutilisable de nouvelle génération, en préparation depuis deux ans, est doté d'une stérilisation UV-C intégrée qui neutralise 99,99% des bactéries, virus, pollution et particules. UVMask fait déjà des vagues sur Kickstarter, où il a recueilli plus de 500 000 $ avec plus d'un mois à consacrer à la campagne.

L'équipe derrière l'UVMask a été inspirée pour démarrer le projet après avoir pris connaissance des nouvelles données de l'Organisation mondiale de la santé montrant que neuf personnes sur 10 respirent un air riche en polluants. Cela les a mis sur la voie de la conception d'un masque abordable et réutilisable qui serait efficace pour contrôler l'air que nous respirons. Et maintenant, avec le coronavirus rendant les masques encore plus demandés, ils ont choisi le bon moment pour mettre cette technologie à la disposition du public.

«Il y a deux ans, nous avons décidé de travailler pour changer des vies grâce à la science – pour produire un masque qui vous assure de respirer un air vraiment propre», partage Boz Zou, créateur d'UVMask. «Lors de nos recherches sur la pollution atmosphérique, nous avons été alarmés lorsque nous avons compris le véritable impact sur la santé de la pollution atmosphérique. Ce fut la force motrice pour concevoir une solution technologiquement améliorée pour lutter contre la pollution de l'air au niveau personnel. »

Rechargement du masque facial UV C

Grâce à sa technologie UV-C, le masque filtre et stérilise l'air en temps réel. Les deux LED UV-C du masque produisent un total de 50 000 µW, ce qui est scientifiquement prouvé pour décomposer le matériel génétique des pathogènes en suspension dans l'air et stériliser l'air que nous respirons.

Non seulement le masque a été testé et certifié indépendamment par un laboratoire approuvé par la FDA, mais le filtre à air passif – un CE-FFP2 (équivalent aux normes européennes N95) – a également une efficacité de filtration de 0,3 micron de 99%. Et la protection UV-C montre qu'elle a un taux d'efficacité moyen de 99,93% contre E. coli et Staphylococcus.

Disponible en noir et blanc, il peut être rechargé via un port USB-C et fonctionne jusqu'à six heures avec une seule charge. Son coussin facial étanche et doux et ses bretelles réglables sont faits pour le confort. Et si vous en avez assez de voir vos lunettes s’embuer, les prises d’air latérales du UVMask empêcheront également cette situation.

À l'heure actuelle, l'UVMask devrait être expédié en octobre 2020 et est disponible à 60% de réduction pour 99 $. Chaque masque est livré avec un filtre qui offre 40 à 50 heures de protection et des filtres supplémentaires peuvent être ajoutés à votre commande.

UVMask est un masque réutilisable de nouvelle génération doté d'une stérilisation UV-C intégrée.

Homme portant un masque facial réutilisable

Découvrez comment le UVMask se compare aux autres masques faciaux couramment utilisés.

Tableau comparant différents masques faciauxUVMask: Site Web | Facebook | Kickstarter

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos par UVMask.

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Le climatiseur portable de Sony est désormais disponible à l'achat au Japon

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Unité de climatisation personnelle Sony Reon Pocket

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Sony a enfin sorti son système de refroidissement personnel, juste à temps pour l'été. Bien que le Reon Pocket soit destiné à aider les consommateurs à rester au frais pendant les Jeux olympiques de Tokyo de 2020 (qui a maintenant été reporté en raison de la pandémie mondiale), ce petit appareil peut toujours être utile et fonctionner pour tous ceux qui ont besoin d'une pause dans la chaleur.

L'appareil mince se glisse dans la poche d'un t-shirt spécialement conçu. Assis juste en dessous de la nuque de l'utilisateur, Reon Pocket se connecte à une application qui régule sa température. Vous avez le choix entre plusieurs paramètres afin d'obtenir la juste quantité de refroidissement ou de chauffage. Les utilisateurs peuvent utiliser l'appareil manuellement et sélectionner entre quatre réglages de température ou ils peuvent programmer mon mode et régler l'appareil pour qu'il fonctionne sur un cycle chaud / froid à différents intervalles.

Même s'il possède de nombreuses fonctionnalités intéressantes, l'aspect le plus ingénieux de la Reon Pocket est peut-être Mode automatique. Ici, les utilisateurs profitent pleinement de la technologie en utilisant des capteurs pour ajuster la température en fonction de leur activité. Ainsi, par exemple, l'appareil deviendra de plus en plus cool à mesure que l'utilisateur passe de l'arrêt à la marche dans la rue. Et le niveau maximum de fraîcheur est atteint une fois que l'utilisateur est à nouveau immobile après avoir terminé la marche.

Reon Pocket est également suffisamment intelligent pour fonctionner même si l'utilisateur n'a pas le t-shirt sous la main. Sa fonction de lancement rapide signifie qu'il peut être activé en appuyant simplement sur un bouton de l'appareil. Cela lui permet d'être utilisé sur n'importe quelle partie du corps qui pourrait avoir besoin de se rafraîchir ou de se réchauffer.

À l'heure actuelle, Reon Pocket est disponible exclusivement au Japon dans les magasins Sony et certains détaillants. Il peut également être acheté en ligne via Amazon pour 18 900 ¥ (175 $).

Reon Pocket est une unité de climatisation personnelle qui réagit à la température de votre corps.

Unité de climatisation personnelle Sony Reon Pocket

Il a la capacité de vous garder au frais ou de vous réchauffer, selon la situation.

Unité de climatisation personnelle Sony Reon Pocket

En savoir plus sur ce produit Sony, disponible au Japon.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=C56zONHJryk (/ intégré)

h / t: (Gizmodo)

Toutes les images via Sony.

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Un navire de guerre du XVIIe siècle tiré de la mer Baltique glacée est presque parfaitement préservé

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Épave intacte du navire de guerre suédois Vasa au musée Vasa

Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0)

Titanesque. Lusitania. Arizona. Ce sont les noms qui nous viennent à l'esprit lorsque nous pensons à des navires qui ont connu des fins tragiques, mais le navire de guerre suédois, Vasa, n'est pas aussi facilement disponible dans nos mémoires. Le Vasa était un spectacle aux couleurs vives du design maritime commandé par la monarchie suédoise sous Gustav Adolf II au début du 17e siècle. Il a été conçu par le constructeur naval expérimenté Henrik Hybertsson et devait initialement transporter 36 canons à bord du pont. Cependant, le roi de Suède exigeait la perfection esthétique au détriment de la stabilité du navire. Le 10 août 1628, lorsqu'elle partit pour son voyage inaugural depuis la forteresse du château de Vaxholm, Vasa était chargée d'une lourde décoration ornementale et de 64 canons en bronze. Ce qui semblait être une journée de navigation relativement calme se révélerait désastreux.

Vasa a entrepris son voyage entre 16 heures et 17 heures pour applaudir des foules de parents et d'amis, tandis que la monarchie suédoise se tenait parmi le peuple en prévision de son investissement naval. Malheureusement, après avoir vacillé contre un alizé, une seconde rafale a poussé contre les voiles du navire et a envoyé le navire de guerre massif caréner dans l'eau. Compte tenu de la période de temps, Hybertsson n'avait pas la capacité de calculer la stabilité du navire sous le poids supplémentaire et a donc créé un navire incroyablement surbalancé, avec son centre de gravité trop éloigné de l'eau.

Les archéologues qui ont enquêté sur l’épave étonnamment intacte croient que les choix esthétiques du roi Gustav ont directement contribué au naufrage du navire. Heureusement, seulement 30 membres d'équipage du navire sont morts cet après-midi, mais la catastrophe maritime allait hanter l'empire suédois pendant des siècles. Quant au navire lui-même, les eaux extrêmement froides de la mer Baltique protégeaient le navire en bois des bactéries nocives qui autrement détérioreraient son corps. Lorsque la Suède a finalement extrait le navire de son lieu de repos en 1961, environ 95% du navire est resté intact, créant une opportunité archéologique incroyablement rare.

Actuellement, le navire est exposé au musée Vasa de Stockholm, qui se vante que le Vasa est le seul navire du XVIIe siècle entièrement conservé au monde. Afin de préparer le navire pour une exposition publique, l'équipe de préservation a mis trois décennies à l'extraire soigneusement des eaux glaciales. Grâce à leur travail précis, nous pouvons voir des restes de lions et d'écussons peints de couleurs vives sur le tableau arrière du navire, ainsi que des artefacts uniques de la période qui a survécu à l'épave. Vous pouvez visiter le site Web du musée Vasa pour obtenir des informations sur sa réouverture et l'achat de billets.

Le navire de guerre suédois du XVIIe siècle, Vasa, a été extrait de la mer Baltique presque entièrement intact.

Épave intacte du navire de guerre suédois Vasa au musée Vasa

Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0)

Épave intacte du navire de guerre suédois Vasa au musée Vasa

Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0)

1:10 Maquette du navire de guerre suédois englouti Vasa au musée Vasa

Modèle 1:10 du Vasa (Photo: Wikimedia Commons (CC BY 3.0))

Parmi les épaves, il y avait des morceaux d'un panneau de backgammon historique.

Planche de backgammon trouvée dans l'épave du navire de guerre suédois Vasa

Photo: Chris 73 / Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0)

Vous pouvez le voir et bien plus encore au musée Vasa à Stockholm, en Suède, où réside actuellement le navire.

Épave intacte du navire de guerre suédois Vasa au musée Vasa

Photo: I, Peter Isotalo (CC BY-SA 3.0)

Musée Vasa: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Smithsonian Magazine)

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Cet adorable jeu inversé Jenga comprend un ensemble de pièces en forme de chien empilables

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Jeu d'empilement de chiens par virgule

Lorsque les temps deviennent «ruff», vous pouvez toujours compter sur vos compagnons à fourrure pour rendre la journée un peu plus lumineuse. La marque créative Comma crée des jeux d'empilement fantaisistes et inspirés des animaux qui peuvent être joués à tout moment et n'importe où. Après le succès de leur populaire jeu de tas de chats en bois, ils ont conçu un ensemble sur le thème canin pour tous les amoureux des chiens.

Le petit jeu de piles de chiens en bois comprend six pièces en bois de teck massif en forme de race Shiba Inu. Bien qu'il soit similaire au jeu classique de Jenga, vous jouez en fait avec cet ensemble à l'envers. Ainsi, au lieu de commencer par une tour entièrement assemblée que vous devez démonter soigneusement pièce par pièce, vous commencez avec rien et utilisez les adorables pooches en bois pour construire votre propre structure créative.

Chaque petit chiot arbore une pose unique, c'est donc à vous de trouver le meilleur moyen de les empiler les uns sur les autres. Vous pouvez rendre le jeu encore plus difficile en combinant plusieurs ensembles dans votre tour. Ou jouez à ce jeu avec des amis, où la dernière personne à avoir réussi à empiler un chien sera couronnée gagnante.

Le petit jeu de pile de chien en bois est disponible dans un emballage rose et bleu. Vous pouvez acheter un ensemble dans My Modern Met Store.

Offrez-vous le petit jeu de pile de chien en bois par virgule!

Jeu d'empilement de chiens par virgule

Le but est d'empiler le jeu de six Shiba Inus le plus haut possible sans qu'ils ne se renversent.

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Virgule: Facebook | Boutique

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Illustrator crée des bandes dessinées réconfortantes pour répandre la positivité chaque jour

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Comics animaux réconfortants par JangandFox Studio

La pandémie de coronavirus a touché de nombreuses parties de notre vie quotidienne, y compris notre santé mentale. C'est pourquoi il est important de se rappeler de prendre soin de soi et de trouver des moyens de se détendre, comme faire de l'exercice ou terminer un livre de coloriage. Heureusement, l'illustratrice Jang (de JangandFox Studio) continue d'éclairer le flux Instagram de tout le monde avec ses bandes dessinées animales réconfortantes.

Jang a commencé la série populaire en 2018 comme un moyen d'encourager la gentillesse et l'amour-propre. Sa distribution tournante de charmants personnages d'animaux – qui comprend «Little Fox» et «Little Elephant» – est à la fois aimable et relatable. "J'ai créé le petit renard avec ce que j'aurais aimé avoir – un talent pour dire les bons mots", explique Jang à My Modern Met. «Avec l'éléphant bleu essayant de s'intégrer, le porc qui a la magie de tout transformer en nourriture, et les autres animaux avec leurs propres contes (et queues) à fourrure, ils essaient de donner un sens au monde perplexe, tout comme nous faire."

Ensemble, les animaux de bande dessinée abordent une gamme de sujets, comme l'amitié, la confiance en soi et l'apprentissage de la détente. Le style minimaliste de la bande dessinée et les tons pastel apaisants créent une atmosphère sereine pour les messages positifs. Parcourir le portfolio de Jang, c'est comme lire un livre pour enfants intemporel qui remonte le moral.

Faites défiler vers le bas pour voir des bandes dessinées plus inspirantes de Jang et suivez JangandFox Studio sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'illustrateur Jang (de Jangandfox Studio) crée des bandes dessinées animales édifiantes qui promeuvent une vision positive de la vie.

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My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de JangandFox Studio.

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Ces fleurs de lys à énergie solaire peuvent illuminer votre jardin avec des couleurs assez changeantes

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Lampes Solaires Fleur de Lys par Doingarte

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Avez-vous déjà voulu créer votre propre jardin enchanté digne des fées? Ces lampes solaires à fleurs de lys apporteront à coup sûr une touche de magie supplémentaire à tout espace extérieur. Conçus pour ressembler à une vraie fleur, les jolis pétales sont en tissu. Pas besoin non plus de cacher les câbles externes – il suffit de les coller dans le sol et de laisser le soleil les charger pendant la journée. À la tombée de la nuit, les lumières LED intégrées aux couleurs changeantes s'allumeront, permettant à votre jardin de briller de couleurs illuminées!

Chaque paquet de deux fleurs artificielles est disponible en violet et en blanc. Les panneaux solaires intégrés chargent automatiquement les lumières LED pendant la journée, qui s'allument ensuite la nuit. Lorsqu'elles sont complètement chargées, les fleurs resteront allumées pendant huit heures, afin que vous puissiez garder votre jardin scintillant toute la nuit.

Vous vous demandez ce que les clients existants pensent de ces jolies lampes solaires? Un critique sur Amazon a écrit: «Ce sont si beaux et je n'ai jamais rien vu de semblable nulle part! Je ne savais pas que les couleurs avaient changé jusqu'à ce que je les regarde hier soir. » Un autre acheteur a écrit: «J'adore les lampes solaires, en particulier celles qui peuvent rendre mon jardin plus vivant après le coucher du soleil! Ces fleurs LED ne m'ont pas déçu. »

Vous pouvez en savoir plus sur ces illuminateurs magiques et acheter vos propres lampes solaires à fleurs de lys sur Amazon.

Ces jolies lampes solaires sont faites pour ressembler à des fleurs de lys.

Lampes Solaires Fleur de Lys par Doingarte

Ils disposent de lumières LED à changement de couleur, permettant à votre jardin de briller de teintes lumineuses la nuit.

Lampes Solaires Fleur de Lys par DoingarteLampes Solaires Fleur de Lys par Doingarte

Ces belles fleurs changent de couleurs et…

Lampes Solaires Fleur de Lys par Doingarte

… Vous n'avez pas à vous soucier des fils.

Lampes Solaires Fleur de Lys par Doingarte

Il suffit de les coller dans le sol et de les laisser charger avec la puissance du soleil.

Lampes Solaires Fleur de Lys par DoingarteDoingarte: Amazon
h / t: (totalement la bombe)

Toutes les photos via Doingarte.

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L'Allemagne annonce l'interdiction des plastiques à usage unique à partir de 2021

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L'Allemagne interdit le plastique à usage unique

Photo: Photos de la photka / Shutterstock

L'Allemagne intensifie ses mesures pour se conformer aux directives de l'Union européenne visant à interdire les plastiques à usage unique d'ici 2021. Dans un effort pour écraser la «culture jetable», l'Allemagne interdit la vente de pailles en plastique à usage unique, de cotons-tiges et récipients alimentaires.

À compter du 3 juillet 2021, les consommateurs ne trouveront plus ces articles en circulation. Certains des articles sur le bloc à découper sont des couverts à usage unique, des assiettes, des bâtonnets d'agitation et des porte-ballons, ainsi que des tasses et des boîtes en polystyrène. Le plan d’action de l’Allemagne est en passe de respecter les normes de l’Union européenne qui ont été finalisées en mars 2019.

Ce n'est là que la première étape que les États membres sont invités à suivre. D'ici 2029, ils devront avoir un objectif de collecte de 90% pour les bouteilles en plastique et ces bouteilles devront avoir au moins 25% de contenu recyclé d'ici 2025. Les politiques s'étendent également aux fabricants de tabac, qui sont invités à réduire considérablement la quantité de plastique dans les filtres à cigarettes. Les engins de pêche sont un autre objectif de la politique, car les fabricants de filets devront payer les frais de collecte pour ceux qui sont perdus en mer.

Pailles en plastique colorées

Photo: Stock Photos de Lorna Roberts / Shutterstock

L'Allemagne ouvre la voie en annonçant ces changements, et il est particulièrement important de noter que 20% des déchets collectés dans les parcs ou autres espaces publics du pays sont fabriqués à partir de plastique à usage unique. «De nombreux produits en plastique à usage unique sont une utilisation superflue et non durable des ressources», a déclaré la ministre de l'Environnement, Svenja Schulze.

Leur position est particulièrement opportune, car le Royaume-Uni vient de repousser la date à laquelle son interdiction du plastique à usage unique entrerait en vigueur. Il devait commencer en avril 2020, mais le gouvernement a retardé la mise en œuvre de six mois en raison de l'épidémie de coronavirus. En fait, beaucoup se tournent vers les couverts et la vaisselle en plastique à usage unique comme une alternative «plus sûre» pendant la pandémie mondiale.

Mais, selon Louise Edge, militante senior pour les plastiques chez Greenpeace UK, ces craintes ne sont pas fondées. «Les experts nous disent que lorsqu'il s'agit d'acheter des aliments et des boissons, les emballages en plastique n'offrent aucune protection spéciale – et les tasses, bouteilles et contenants réutilisables sont parfaitement sûrs à utiliser, tant qu'ils sont lavés correctement et que la distanciation sociale est observé." En fait, le 22 juin, plus de 100 scientifiques ont publié une lettre ouverte disant que la vaisselle réutilisable est sûre si elle est correctement lavée. Il n'y a donc aucune raison que la sécurité personnelle et la sécurité environnementale ne puissent pas aller de pair.

h / t: (UNILAD)

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LEGO dévoile des ensembles d'affiches artistiques pour adultes que vous pouvez accrocher à votre mur

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Affiches d'art à construire LEGO

Il y a quelque chose d'incroyablement relaxant à s'éloigner des écrans numériques pour créer quelque chose avec nos mains. C'est pourquoi LEGO crée constamment de nouveaux kits pour adultes qui sont non seulement amusants à construire, mais aussi agréables à regarder. La société danoise de production de jouets va bientôt lancer une nouvelle collection de produits adaptés aux adultes, appelés Art LEGO. La nouvelle gamme d'ensembles vous permet de créer votre propre art mural inspiré de la culture pop.

La gamme LEGO Art comprend des versions en mosaïque colorée de l'emblématique d'Andy Warhol Marilyn Monroe, portraits des Beatles, Iron Man et Guerres des étoiles’Caractères Sith. Chaque ensemble vous donne la possibilité de construire plusieurs versions de la conception, comprend environ 3 500 pièces et est livré avec des instructions de construction. Chaque ensemble est même livré avec sa propre bande sonore de 90 minutes, afin que vous puissiez écouter les morceaux et les faits organisés sur votre sujet pendant que vous assemblez votre art mural.

Samuel Johnson, responsable du design de la gamme LEGO Art, a déclaré: «La bande-son plonge profondément dans l'inspiration derrière chaque design pour aider les adultes à se plonger pleinement dans l'expérience de construction et à se détendre pendant qu'ils explorent leur amour de la musique, de l'art ou du film dans un nouvelle façon. Construisez votre modèle, profitez de la bande originale, admirez votre travail et il est prêt à accrocher! "

le Art LEGO La série est disponible à partir du 1er septembre aux États-Unis et du 1er août pour les détaillants internationaux. Faites défiler vers le bas pour un aperçu de chaque ensemble et en savoir plus sur le site Web LEGO.

Le nouveau Art LEGO vous permet de créer votre propre art mural inspiré de la culture pop.

Affiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGO

Chaque ensemble est livré avec sa propre liste de lecture unique, ce qui rend la construction de votre propre art encore plus relaxante.

Affiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGO

Les pièces finies ont fière allure comme des œuvres d'art décoratives!

Affiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGOAffiches d'art à construire LEGO

LEGO: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (Panda ennuyé)

Toutes les images via LEGO.

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La pionnière des droits civiques, Leona Tate, se tourne de l'école, elle a aidé à se désagréger au Centre pour l'égalité

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Centre Tate Etienne Prevost

Plaque à l'extérieur de l'ancien site de l'école élémentaire MocDonogh 19 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Un matin de novembre 1960, quatre filles de première année ont ouvert la voie en mettant le pied dans leur nouvelle école. Flanqué de maréchaux américains et assailli par des manifestants en colère, des enfants de six ans Leona Tate, Gail Etienne, Tessie Prevost, et Ponts en rubis se dirigea vers deux institutions entièrement blanches, relançant le processus de déségrégation à la Nouvelle-Orléans, faisant de l'histoire une étape à la fois.

Tate, Etienne et Prevost ont été chargés d'intégrer l'école primaire McDonogh 19; Bridges, qui joue dans un célèbre tableau des droits civiques, a été affecté à l'école primaire William Frantz. Bien que les quatre personnages aient joué un rôle tout aussi important dans la déségrégation du Sud, l'histoire de la «McDonogh Three»A été éclipsé – et Tate veut le mettre en lumière.

En 2009, le natif de la Nouvelle-Orléans a fondé la Fondation Leona Tate pour le changement, un organisme à but non lucratif axé sur «se souvenir du passé tout en regardant vers l'avenir». Dans l'esprit de cette mission, Tate est en train de transformer l'école primaire McDonogh 19 en Tate Etienne Centre Prevost (TEP). En tant que «monument à l’histoire vitale qu’il représente», le TEP Center servira de rappel poignant du passé ségrégué des États-Unis et de trois petites filles qui ont contribué à façonner son avenir.

"L'histoire de la déségrégation scolaire à la Nouvelle-Orléans n'a pas été racontée correctement", a déclaré Tate à My Modern Met. "McDonogh 19 a été la première école à se désagréger et il est temps que les gens apprennent la vérité."

Déségrégation à la Nouvelle-Orléans

Leona Tate

Leona Tate avec les maréchaux américains (Photo: The National Parks Service (CC BY 2.0))

Le 17 mai 1954, l'emblème Brown c. Conseil de l'éducation Une décision de la Cour suprême a jugé inconstitutionnelles les lois appelant à la ségrégation raciale dans les écoles publiques. À la suite de cette décision capitale, les établissements d'enseignement à travers le pays ont reçu l'ordre d'inscrire et d'éduquer les étudiants noirs et blancs.

Cependant, même après la décision de la Cour suprême, les écoles basées dans le Sud ont montré une réticence croissante à entamer le processus de déségrégation. Cela a incité un juge fédéral à ordonner officiellement à l'Orleans Parish School Board, une entité du système scolaire public de la Nouvelle-Orléans, de désagréger officiellement ses écoles le 14 novembre 1960.

Plus de 100 familles noires ont demandé à ce que leurs enfants d'âge scolaire jouent un rôle dans ce processus. Alors que six ont été sélectionnés, deux se sont retirés, laissant Etienne, Prévost, Bridges et Tate, qui ont perçu avec émotion ce jour monumental comme le ferait n'importe quel enfant de six ans. «Je me souviens de m'être réveillé dans une maison remplie de famille et d'amis aidant ma mère à se préparer», nous dit Tate. «Je me souviens aussi d'avoir été escorté à l'école avec deux maréchaux américains et ma mère. Nous avons été accueillis par des masses de gens retenus par la police à cheval et je pensais qu'un défilé allait arriver. »

(embarqué) https://www.youtube.com/watch?v=IXwMCD1EAz0 (/ embarqué)

Ces «masses de gens» étaient en fait des foules de manifestants blancs en colère – dont la plupart avaient des enfants inscrits à l'école. En fait, les parents étaient tellement enragés par l'intégration qu'ils ont retiré leurs enfants de McDonogh 19, laissant Tate, Etienne et Prevost comme les seuls membres de la classe de première année pour toute l'année scolaire.

Pourtant, saisir la gravité de la situation a été un processus graduel pour Tate, qui a quitté McDonogh 19 après deux années tumultueuses. "Je ne comprenais pas à quel point ma vie a été affectée pendant un certain temps", nous avoue-t-elle. «Ma vie a radicalement changé. J'étais confiné à ma maison et à mon école. J'ai toujours été protégé par les maréchaux américains ou le service de police de la Nouvelle-Orléans. J'ai commencé à comprendre la différence en troisième année, mais j'ai appris la signification lorsque ma prof de gym du secondaire a dit qu'elle lisait un livre et que j'étais dedans. »

Le Centre TEP

The Lower Ninth Ward

The Lower Ninth Ward (Photo: Stock Photos from Jonathan_Densford / Shutterstock)

En 2004 – à peine 50 ans après que l'affaire historique Brown v. Board Education a appelé à son intégration – l'école primaire McDonogh 19 a fermé ses portes. Situé à la Nouvelle-Orléans » Lower Ninth Ward, le bâtiment en stuc de 1929 a été presque détruit un an plus tard, lorsque l'ouragan Katrina a endommagé une digue voisine et, à son tour, a dévasté le quartier.

Alors que l'édifice de 35 000 pieds carrés est resté abandonné pendant des années, une subvention de 500 000 $ du National Park Service a permis à la fondation de Tate de commencer à transformer le site historique en centre TEP – un mouvement symbolique qui, pour Tate, offre un sentiment de fermeture bien nécessaire . «La transformation de McDonogh 19 sera un lieu de guérison raciale», nous a expliqué Tate. «J'ai l'impression que le racisme a commencé là-bas et nous devrions y mettre fin.»

S'inspirant du Lower Ninth Ward Living Museum à proximité (où Tate est membre du conseil d'administration), le centre TEP sera moins axé sur la collecte d'objets et davantage sur la communauté locale. «Un musée nécessite un archivage et c'est un espace que nous n'aurons pas», nous dit Tate. "Je veux que ce soit éducatif, c'est pourquoi j'ai choisi (pour l'appeler un) centre d'interprétation."

McDonogh Three

Etienne, Tate et Prevost avec leur professeur de deuxième année

Que pouvez-vous espérer trouver dans ce «centre d'interprétation»? Dédié à la présentation et à la préservation de l’histoire des droits civils de la Nouvelle-Orléans, le site visera à offrir aux visiteurs une expérience immersive. Plus précisément, nous dit Tate, le «Centre TEP mettra en vedette le processus qu'il nous a fallu pour aller à l'école», une épreuve qui sera animée par une recréation de la classe de première année du McDonogh Three.

En fin de compte, Tate espère que le bâtiment scolaire repensé «dynamisera le Lower Ninth Ward» – et pas seulement grâce à ses expositions interprétatives. L'espace de trois étages offrira également des logements abordables aux personnes âgées à faible revenu ainsi qu'un vaste espace éducatif. En faisant équipe avec le People's Institute for Survival and Beyond, une organisation basée à La Nouvelle-Orléans, âgée de 40 ans, le centre offrira des cours sur «la lutte contre le racisme», un objectif que Tate considère comme étant au cœur de la mission de sa fondation: « Se souvenir du passé tout en regardant vers l'avenir. »

Après tout, "si vous ne savez pas d'où vous venez", demande Tate à My Modern Met, "comment allez-vous savoir où vous allez?"

Fondation Leona Tate pour le changement: site Web | Facebook | Instagram
Centre Tate Etienne Provost: Site Web

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Leona Tate, sauf indication contraire.

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Portraits de dessins animés par Robert Dejesus

Avez-vous déjà commandé à un artiste caricaturiste un portrait hilarant (mais aussi étrangement précis) de vous-même? L'illustrateur Robert Dejesus fusionne l'énergie excentrique des caricatures traditionnelles avec son propre style expressif d'anime. Des gens du monde entier lui ont demandé de transformer leurs photographies en personnages de dessins animés fantaisistes qui apparaissent sur la page.

Dejesus améliore l'individualité de chaque personne en soulignant leurs traits les plus importants dans le portrait, que ce soit une grande paire de lunettes, des cheveux bouclés et vifs ou un sourire à pleines dents. Son style enchanteur et mignon est incroyablement polyvalent, car il est capable de flatter parfaitement chaque visage unique. Cependant, ce qui rassemble vraiment les portraits de dessins animés, c'est la compréhension approfondie de Dejesus des formes. Que ce soit une mâchoire carrée ou des yeux ronds, le talentueux dessinateur est capable d'utiliser des formes géométriques graphiques pour rendre ses personnages avec une souplesse attrayante.

En plus de faire des portraits de dessins animés, Dejesus télécharge également des didacticiels de dessin sur sa chaîne YouTube. Ces guides vidéo utiles montrent aux téléspectateurs comment il illustre une gamme de sujets dans son style de signature. Sur sa chaîne, des tutoriels sur le dessin de Baby Yoda et Kirby, ainsi que différents types de Pokémon.

Vous pouvez commander votre propre portrait de dessin animé en visitant eBay de Dejesus. Faites défiler vers le bas pour voir plus de dessins de son portfolio et suivez Dejesus sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'illustrateur Robert Dejesus dessine de superbes portraits de dessins animés de personnes réelles.

Portraits de dessins animés par Robert Dejesus

Dejesus utilise une photo de référence pour repenser ses sujets en personnages de dessins animés originaux.

Portraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusPortraits de dessins animés par Robert DejesusRobert Dejesus: eBay | TikTok | YouTube | Facebook | Instagram | Twitter

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Peintures au couteau à palette par Charlotte Fitzgerald

Présentant d'épaisses taches de peinture à l'huile dans des tons pastel, les peintures de paysages empâtées de Charlotte Fitzgerald capturent parfaitement la beauté sereine de ses scènes d'extérieur. L'artiste utilise souvent un couteau à palette pour appliquer son pigment, ce qui lui permet de créer des peintures pleines de textures riches et d'innombrables couleurs.

Chaque toile vibrante semble appartenir aux peintures des impressionnistes français tels que Auguste Renoir ou Claude Monet. Cependant, le flair artistique et contemporain de Fitzgerald est distinctement le sien. Elle appelle son style «Fusion», car il est influencé par de nombreux mouvements artistiques et rendu en utilisant une combinaison de techniques. «Les gens me demandent si mon travail est expressionnisme ou impressionnisme, basé sur un lieu réel ou maquillé, ou si j'utilise un couteau ou une brosse. Et je réponds: «Oui». »Dit-elle. "Mon travail est une fusion de ce que jamais l'outil ou la philosophie de la peinture convient à mon but."

Des champs de fleurs représentés en petits traits de peinture en pointillés aux nuages ​​peints comme des mélanges de couleurs pastel, de près, chaque scène apparaît comme une myriade de formes abstraites. Cependant, un pas en arrière révèle comment Fitzgerald capture parfaitement la lumière, l'ombre et la forme avec ses traits de peinture expressifs et texturés.

Vous aimez le style de cet artiste? Fitzgerald a publié plusieurs tutoriels étape par étape sur la façon de peindre avec des peintures à l'huile, afin que vous puissiez recréer son œuvre à la maison. Trouvez-les ici et découvrez plus de son portefeuille sur Instagram.

Charlotte Fitzgerald crée des peintures d'empâtement aux tons pastel qui capturent parfaitement la beauté sereine de ses scènes d'extérieur.

Peintures au couteau à palette par Charlotte FitzgeraldPeintures au couteau à palette par Charlotte Fitzgerald

L'artiste utilise souvent un couteau à palette pour appliquer son pigment, lui permettant de créer des peintures pleines de textures riches et de mélanges de couleurs vibrantes.

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Peintures de paysages réalistes par Sarah McKendry

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Maman de jour et artiste de nuit, la peintre réaliste canadienne Sarah McKendry a ramassé un pinceau pour la première fois en 2008 et n'a pas regardé en arrière. Le talentueux artiste autodidacte crée de magnifiques peintures de paysages qui capturent les forêts sombres et brumeuses et les majestueuses scènes de montagne de la Colombie-Britannique.

En parcourant le portefeuille en ligne de McKendry, il est difficile de croire que chaque pièce est rendue à la peinture à l'huile. Les œuvres ressemblent à une photographie et regorgent de détails doux et réalistes. Chaque toile incite le spectateur à regarder de plus près et à apprécier la tranquillité de la scène, comme si elle était dans la nature elle-même. C'est par conception. «Mes paysages sont des prolongements de souvenirs lointains», explique McKendry, «et j'essaie de les peindre pour que l'on puisse presque sentir l'air frais alors qu'il dérive de la pièce.

Depuis que McKendry a commencé à peindre, elle a maintenant transformé sa passion en carrière. «C'est un sentiment incroyable de pouvoir peindre comme un métier à plein temps», dit-elle, «et le fait de se tisser sans effort dans le tissu de l'éducation de nos deux jeunes garçons est quelque chose dont je suis très reconnaissant.»

Si vous voulez apprendre à peindre comme McKendry, vous pouvez vous inscrire à ses cours Skillshare où elle vous guidera à travers les principes fondamentaux du médium pétrolier. «Je suis tellement excitée de partager chaque once de sagesse que j'ai apprise au cours des onze dernières années de mon parcours créatif avec chacun d'entre vous», explique l'artiste. "Ce médium est de la pure magie, et je ne peux pas attendre que vous en tombiez amoureux de la même manière que moi!"

Découvrez quelques-unes des superbes peintures de paysages de McKendry ci-dessous et découvrez-en plus dans son portfolio en constante évolution sur son site Web et Instagram.

L'artiste Sarah McKendry crée des peintures de paysages réalistes qui capturent les forêts brumeuses sombres et les majestueuses scènes de montagne de la Colombie-Britannique.

Peintures de paysages réalistes par Sarah McKendryPeintures de paysages réalistes par Sarah McKendryPeintures de paysages réalistes par Sarah McKendryPeintures de paysages réalistes par Sarah McKendryPeintures de paysages réalistes par Sarah McKendryPeintures de paysages réalistes par Sarah McKendryPeintures de paysages réalistes par Sarah McKendry

Chaque scène tranquille ressemble à une photographie.

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Regardez l'artiste talentueux au travail.

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Sarah McKendry: site Web | Facebook | Instagram | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Sarah McKendry.

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Musée d'art moderne

Galerie du Musée d'art moderne de la ville à Paris (Photo: Flickr (CC BY 2.0))

Au début du XXe siècle, l'expressionnisme a bouleversé le monde de l'art. Mené par des artistes allemands visant à déformer la réalité et à «exprimer» l'émotion, ce mouvement moderniste a appelé à des couleurs vives, des coups de pinceau audacieux et des compositions énergiques. Si la popularité de l’expressionnisme a diminué en 1920, il a depuis déclenché plusieurs styles et genres, Néo-expressionnistes—Une meute d'artistes audacieux — menant la charge.

Découvrez comment ce mouvement artistique a pris forme dans des endroits comme la France, l'Allemagne et les États-Unis, et son héritage aujourd'hui.

Qu'est-ce que le néo-expressionnisme?

Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Francesco Clemente, «Origine du coton», 1984 (Photo: Flickr (CC BY-NC 2.0))

Le néo-expressionnisme est un mouvement artistique international qui a fait ses débuts à la fin des années 1970. Extrêmement populaire auprès des consommateurs, le mouvement a dominé le marché de l'art pendant plus d'une décennie. Le travail néo-expressionniste a été largement inspiré par la couleur intense et le sujet figuratif adopté par les expressionnistes, dont les fondateurs sont tombés dans deux écoles: Die Brücke («The Bridge»), un groupe d'artistes basé à Dresde qui privilégiait les sujets primitifs et les configurations déformées; et Munich Der Blaue Reiter («The Blue Rider»), un groupe axé sur la croyance que l'art est plus que ce qui est visible.

Avec une telle source éclectique, il n'est pas surprenant que le néo-expressionnisme se soit manifesté par de nombreux mouvements à travers le monde, y compris Neue Wilden en Allemagne, Transavanguardia en Italie, Figuration Libre en France, et diverses ramifications aux États-Unis.

Neue Wilden

George Baselitz,

George Baselitz, «Souper à Dresde», 1983 (Photo: Flickr (CC BY-NC 2.0))

L'Allemagne a vu Neue Wilden, ou «New Fauves», voient le jour en 1978 avec les travaux de Markus Lüpertz, Georg Baselitz, Jörg Immendorff, Anselm Kiefer et A. R. Penck. À l'aide de couleurs vives et de coups de pinceau texturés, ces peintres ont conçu des «modèles provocateurs d'intention, d'imagination et de qualité» qui rejetaient la nature avant-gardiste du minimalisme et du conceptualisme – les mouvements dominants de l'époque – et embrassaient des pratiques artistiques séculaires.

"Il n'y a pas de style de peinture qui ne provienne d'une colonne, d'un sourire de Mycenaen, d'un membre cassé", a déclaré Lüpertz. «Il n'y a pas de beaux-arts qui n'aient jamais été logés dans un temple. Chaque moignon de colonne est le début d'un arbre de Munch, qui à son tour est un bras de Beckmann »

Transavanguardia

Francesco Clemente,

Francesco Clemente, «Mère, amant, fille», 1982 (Photo: Flickr (CC BY-NC 2.0))

Dans l'Italie contemporaine, Francesco Clemente, Sandro Chia, Enzo Cucchi, Nicola de Maria et Mimmo Paladino se sont formés Transvanguardiaou "Au-delà de l'avant-garde". Le critique d'art et conservateur italien Achille Bonito Oliva a inventé le nom Transvanguardia comme un clin d'œil à la réaction des peintres associés contre les goûts contemporains; comme leurs homologues allemands, ces artistes ont également rejeté une approche minimaliste de l'art. Au lieu de cela, ils ont préféré des représentations figuratives qui transmettaient l'émotion et utilisaient des motifs mythiques.

Figuration Libre

Robert Combas,

Robert Combas, «Martin Gale», 2013 (Photo: Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0))

Les artistes visuels Robert Combas, Remi Blanchard, François Boisrond et Hervé Di Rosa sont formés Figuration Libre au début des années 80 en France. Traduit en «style libre», le terme a été conçu par l'artiste Fluxus Ben Vautier, dont les paroles ont donné vie à l'esprit cartoony coloré du mouvement urbain. "Libre de quoi?" il a demandé en 1982, "Libre de faire du laid / Libre de salir / Libre de préférer les graffitis du métro de New York aux peintures de Guggenheim … Libre de peindre quoi que ce soit".

Néo-expressionnisme américain

Jean-Michel Basquiat,

Jean-Michel Basquiat, «Grillo», 1984 (Photo: Flickr (CC BY-NC-ND 2.0))

Les artistes impliqués dans le mouvement néo-expressionniste aux États-Unis comprenaient Julian Schnabel, David Salle, Robert Longo et Jean-Michel Basquiat. Bien que les néo-expressionnistes américains ne se soient pas identifiés en tant que groupe, ils partageaient un intérêt à exprimer une émotion brute, souvent primitive dans leur travail, qui allait des «peintures sur plaque» à grande échelle de Schnabel aux «écorchures de poulet» de Basquiat, des peintures au sommet de la couronne.

Un nouvel esprit dans la peinture Exposition

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=vHM_HB9t1ak (/ intégré)

En 1981, le travail d'artistes associés au mouvement néo-expressionniste a été présenté dans Un nouvel esprit dans la peinture, une exposition historique à la Royal Academy of Arts de Londres.

En mettant l'accent sur les tendances contemporaines et en mettant l'accent sur l'art figuratif («Il existe des peintures non figuratives exceptionnelles», note le catalogue, «Mais nous avons également décidé d'omettre des domaines entiers de l'art qui sont considérés par beaucoup aujourd'hui comme de la peinture sérieuse»), le spectacle a offert la plate-forme parfaite pour les néo-expressionnistes. Alors que les conservateurs Norman Rosenthal, Nicholas Serota et Christos M. Joachimides sont reconnus pour avoir lancé ce «nouvel esprit de la peinture» dans le courant dominant, ils ont été critiqués pour la non-inclusion de leurs sélections.

Trente-huit artistes (dont des néo-expressionnistes comme Markus Lüpertz, Georg Baselitz, Sandro Chia et Julian Schnabel, ainsi qu'une poignée de grands noms plus anciens comme Francis Bacon, Willem de Kooning, Andy Warhol et Frank Stella) ont figuré dans le spectacle. Aucune femme n'a été incluse, révélant la réalité dépassée de ce «nouvel esprit dans la peinture» – et du néo-expressionnisme en particulier.

L'héritage du néo-expressionnisme

Aujourd’hui, de nombreux acteurs majeurs du monde de l’art ont reconnu les lacunes de l’exposition, dont Norman Rosenthal lui-même. En fait, en 2018, Rosenthal a revisité l'exposition phare avec Un nouvel esprit alors, un nouvel esprit maintenant, une exposition à l'Almine Rech Gallery de Londres. Alors que Rosenthal a choisi d'intégrer le travail de deux femmes artistes – Maria Lassnig et Susan Rothenberg – aucune d'elles ne s'identifie comme néo-expressionnistes, illustrant le manque flagrant d'artistes féminines associées au mouvement.

Pourtant, les contributions du néo-expressionnisme à l'art contemporain ne peuvent être négligées. En plus de revitaliser la peinture figurative et de repousser les limites du pinceau et de la couleur, les critiques affirment que le mouvement a largement façonné le monde de l'art aujourd'hui. «Le marché de l'art contemporain qui existe aujourd'hui», soutient l'artiste et écrivain Roger White, «son interaction d'achat spéculatif, de culture de célébrités et de validation institutionnelle, s'est construit sur le néo-expressionnisme.

Cependant, Julian Schnabel se préoccupe moins du rôle du mouvement dans l’ensemble et d’un plus grand intérêt pour l’art lui-même. "Il y a eu trop d'attention sur le marketing", a-t-il déclaré. "Ne pouvons-nous pas simplement parler des peintures?"

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6 des meilleures paires de ciseaux à broder que les passionnés de broderie adorent utiliser

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Meilleurs ciseaux à broder

Photo: Stock Photos de Henrietta Kasa / Shutterstock
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Comme pour beaucoup de choses dans un domaine créatif, avoir les bons outils peut faire une grande différence. Si vous êtes un passionné de broderie, il existe une variété de fournitures indispensables qui aideront vos projets de couture à réussir. Mais un outil de broderie souvent négligé est l'un des plus importants …les ciseaux.

Pourquoi se soucier des ciseaux à broder?

Votre sélection de ciseaux peut sembler sans conséquence, mais avoir une paire de petits ciseaux pointus est un hack de broderie facile. Le plus grand avantage d'avoir de bons ciseaux est qu'ils coupent proprement votre fil sans risque de brins effilochage. Si la soie est effilochée, il est beaucoup plus difficile d'enfiler le chas de l'aiguille (ce qui est déjà une tâche difficile). Le fil effiloché peut également provoquer une torsion ou un accrochage des brins lorsque vous tirez votre aiguille à travers votre tissu, ce qui est non seulement gênant mais peut affecter le reste de vos coutures.

En plus d'être pointue, la taille est également un facteur important à considérer (et une autre raison pour éviter de coudre avec des ciseaux d'artisanat généraux). En ayant une paire de ciseaux de trois à quatre pouces de long, vous aurez plus de contrôle et pourrez vous rapprocher de votre travail.

Ciseaux à broder vs cisailles à fil

Coupures de fil

Photo: Stock Photos de Lora_Aks / Shutterstock

Coupures de fil sont une autre option quand il s'agit de couper votre fil à broder. Ils sont un type de ciseaux, mais ils sont différents d'une paire conventionnelle. Les coupures de fil ont pour usage spécifique de couper l'excédent de fil – vous ne couperez pas le tissu avec elles.

Les coupures de fil sont légères et n'ont pas de poignées en boucle. Au contraire, ils sont à ressort, donc vous leur donnez juste une légère pression et ils coupent rapidement votre fil. Cela en fait un excellent choix pour les personnes atteintes d'arthrite.

Un inconvénient potentiel des coupures de fil est que leurs lames sont plus larges que les autres ciseaux à broder. Bien que cela soit bien pour couper le fil, la pointe des cisailles ne pourra pas couper un point erroné du tissu; vous aurez probablement besoin d'un découseur pour ça.

Peu importe la paire de ciseaux que vous choisissez, n'oubliez pas: pour les garder plus affûtés plus longtemps, utilisez-les uniquement pour couper le fil et le tissu.

La communauté de la broderie a des opinions bien arrêtées sur ce que les ciseaux sont grands et ce qu'il faut éviter. Faites défiler vers le bas pour voir les meilleurs choix pour les meilleurs ciseaux à broder.

Vous cherchez une paire de ciseaux à broder? Voici quelques paires les mieux notées.

Ciseaux Fiskars Micro-Tip 5 pouces

Meilleurs ciseaux à broder

Fiskars | 10,95 $

La marque Fiskars est bien connue pour ses ciseaux, et cette paire aux poignées orange est appréciée des brodeuses. Ils ont une lame à micro-pointe qui permet des coupes de précision ainsi qu'une arête vive qui est également idéale pour couper le tissu.

Ciseaux à broder courbés recourbés en titane à couture de 4 pouces de Westcott

Meilleurs ciseaux à broder

Westcott | 7,37 $

Westcott a équipé ses ciseaux de broderie incurvés de lames en acier inoxydable qui leur permettront de rester plus affûtés plus longtemps. Leurs poignées sont également équipées d'un matériau à prise douce, ce qui les rend confortables à utiliser.

Ciseaux à cigogne 3,5 pouces Gingher

Meilleurs ciseaux à broder

Gingher | 20,99 $

Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi il y avait tant de ciseaux à broder en forme de cigogne? La raison remonte au 19ème siècle. Les ciseaux de cigogne faisaient partie du kit d'accouchement d'une sage-femme, et en attendant le début du travail d'une mère, une sage-femme gardait souvent son panier de broderie afin de pouvoir passer le temps pendant la couture.

Les ciseaux à cigogne de Gingher sont un hommage à cette tradition. Ils ont un cadre plaqué or avec une lame fine pour couper le fil (mais pas de tissu ou autre matériau épais). Lorsqu'ils ne sont pas utilisés, vous pouvez les conserver en les plaçant dans l'étui en cuir qui l'accompagne.

Cisailles à filetage de 4 pouces (ensemble de 3)

Meilleurs ciseaux à broder

PENTA ANGEL | 6,99 $

Cet ensemble de coupures de fil est livré en pack de trois. Chacun a une poignée de couleur différente, mais tous comportent des lames en acier au carbone. «Ils sont beaucoup mieux construits que je ne le pensais», explique un critique. «Je les ai utilisés sur tout, du fil de lin fin, du fil de nylon ciré jusqu'à 1,2 mm d'épaisseur et même des lignes de banque goudronnées. Il résiste à tout et coupe toujours comme neuf. "

Ciseaux de détail de chanteur

Meilleurs ciseaux à broder

Chanteur | 5,60 $

Le chanteur a équipé cette paire de ciseaux de couleur sarcelle d'un «nanotip» destiné à un travail détaillé. Couplés aux lames tranchantes, les critiques disent qu'ils peuvent couper les choses «deux fois plus rapidement» qu'avec d'autres ciseaux à broder.

Ciseaux de couture vintage de style européen

Meilleurs ciseaux à broder

Yeuton | 8,29 $

Si vous voulez une paire de ciseaux de style vintage, ce design patrimonial de Yueton pourrait être exactement ce que vous recherchez. La construction argentée a des pointes acérées qui le rendent idéal pour couper dans des «espaces restreints». Parce que cette esthétique est du côté plus sophistiqué, ceux-ci constituent une excellente option de cadeau pour un collègue stitcher.

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Illustrator partage un processus étape par étape pour créer un dessin réaliste d'une pieuvre

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Dessin de poulpe réaliste

Capturer la ressemblance d’un animal dans des dessins réalistes est une compétence enviable. Pour ceux qui veulent créer leurs propres rendus de différentes créatures, cela peut même sembler intimidant. Heureusement, il y a des artistes talentueux qui partagent leurs trucs et astuces sur la façon de dessiner un animal avec une profondeur en trois dimensions. Artiste japonais Yuki Tokuda partage son processus étape par étape sur la façon de créer une illustration réaliste d'une pieuvre.

Son magnifique dessin d'un céphalopode gris scintille de vie, comme s'il venait de sortir de l'eau. Tokuda a partagé des images de son processus complet sur le site japonais LINE BLOG, y compris les matériaux qu'il a utilisés pour créer l'illustration. Il commence par dessiner un croquis de la pieuvre avec un crayon de couleur gris pâle. Ensuite, l'artiste remplit le contour avec un marqueur Copic gris, lui donnant une texture légèrement aqueuse.

Ensuite, Tokuda récupère le même crayon de couleur grise et commence à ajouter de la texture et de l'ombrage à la pieuvre. Il mélange quelques autres crayons gris foncé pour ajouter de la profondeur aux détails les plus fins du dessin. Ensuite, l'artiste parcourt la pieuvre dans le marqueur Copic pour mélanger les couches de crayons de couleur et lui donner une apparence aquarelle. Enfin, Tokuda ajoute des taches de peinture blanche opaque sur la pieuvre afin qu'elle complète l'aspect mouillé et brillant.

Faites défiler vers le bas pour voir comment Tokuda dessine cette superbe pieuvre du début à la fin, et suivez l'artiste sur Instagram et Twitter pour se tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste japonais Yuki Tokuda partage son processus étape par étape sur la façon de créer une illustration réaliste de poulpe. Il commence par faire un premier croquis de la pieuvre au crayon gris.

Octopus Drawing Outline

Il remplit ensuite le contour à l'aide d'un marqueur Copic gris.

Dessin réaliste de poulpe par Yukito Kuda

Il revoit le dessin avec des crayons de couleur, ajoutant des détails à la peau de la pieuvre.

Dessin de poulpe par Yukito KudaDessin de poulpe par Yukito KudaDessin de poulpe réalisteDessiner une pieuvreDessin de poulpe par Yukito KudaDessiner une pieuvreDessin de poulpe par Yukito KudaDessin de poulpe par Yukito KudaDessin de poulpe par Yukito Kuda

Enfin, Tekuda applique une peinture blanche opaque sur le dessin pour donner à la pieuvre un aspect humide et brillant.

Dessin de poulpe par Yukito KudaDétail de dessin de poulpeDessin de poulpe réalisteDessin de poulpe par Yukito Kuda

Et voici l'image finale:

Dessin de poulpe par Yukito KudaYuki Tokuda: site Web | Instagram | Twitter | LIGNE

Toutes les images via Yuki Tokuda.

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Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«Le Temps des Cerises»

L'artiste française Francine Van Hove capture l'attrait intemporel de la féminité dans ses peintures de jeunes femmes dans des décors intimes. Les mystérieuses jeunes filles se prélassent dans les mondes magnifiquement organisés de Van Hove, indifférents à tout ce qui se trouve en dehors des intérieurs soignés de leurs chambres ou de leurs jardins ensoleillés. Leur charmante langueur suit chacune de leurs actions, comme si ces femmes personnifiaient la phrase italienne «il dolce far niente» ou douceur de ne rien faire.

Basée à Paris, en France, Van Hove trouve l'inspiration pour ses somptueuses peintures en travaillant avec des modèles vivants dans son atelier. Elle passe un temps considérable à rassembler une collection de dessins préparatoires des jeunes femmes dans une variété de poses gracieuses jusqu'à ce qu'elle soit satisfaite de leur naturel. Van Hove admire les qualités soyeuses et sensuelles des maîtres classiques de la Renaissance nordique et italienne, et elle cherche à apporter cette même élégance d'un autre monde dans ses propres peintures. «Il ne faut pas s'attendre à ce que ma peinture exprime l'angoisse inhérente à la condition humaine», explique l'artiste sur Artsy. "Je peins contre l'angoisse, en fait, pour aider à vivre en harmonie."

Chacune des peintures aux couleurs pastel séduisantes de Van Hove offre un aperçu d'une sérénité enviable. Dans son travail, Un Peu de Rouge, une femme vêtue d'une serviette avec un teint de pêche et de crème applique nonchalamment du vernis à ongles rouge sur ses orteils pendant qu'elle se prélasse dans de doux rayons de lumière. De même, Plaisirs du Matin présente un autre modèle à la peau rose entouré d'un assortiment de petits plaisirs, y compris un croissant, une orange et du thé.

Van Hove est représenté par Jean-Marie Oger, une galerie d'art contemporain basée à Paris. Vous pouvez voir plus du travail de Van Hove en visitant leur site Web et vous tenir au courant de ses dernières expositions en suivant Jean-Marie Oger sur Instagram.

L'artiste française Francine Van Hove capture l'attrait intemporel de la féminité.

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«Quai des Brumes»

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«Les Petits Plaisirs»

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«La méga-flore»

Ses peintures mettent en vedette de belles jeunes femmes dans divers décors intimes.

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«Plaisirs du Matin»

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«Un Peu de Rouge»

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«La Chaînette»

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«Les trois miroirs»

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

“Blandine au Tryptique”

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

“La Petite Lampe 1930”

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«Les pieds dans les nuages»

Peintures romantiques de femmes de Francine Van Hove

«L'ombre des chaises»

Jean-Marie Oger: Site Web | Artsy | Facebook | Instagram

My Modern Met obtient l'autorisation de présenter des photos de Francine Van Hove & Jean-Marie Oger.

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Symbolisme: une approche significative de la poésie et de la peinture au tournant du siècle

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Gustave Moreau, L'apparition

Gustave Moreau, «L'apparition» (détail), ca. 1886 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

En 1886, l'écrivain et critique d'art grec Jean Moréas a publié un manifeste sur Symbolisme. Décrit par Moréas comme une «poussée actuelle de l'esprit créateur dans l'art», le symbolisme a été déclenché par un intérêt pour la spiritualité, se matérialisant comme un mouvement qui a favorisé la subjectivité plutôt que le réalisme.

Alors que la popularité du symbolisme a décliné au début du XXe siècle, son influence a perduré, touchant les mouvements ultérieurs et inspirant les artistes pour les années à venir. Ici, nous regardons de plus près ce genre de rêve, explorant tout, de son origine fascinante à son héritage enchanteur.

Qu'est-ce que le symbolisme?

Le rêve de Pierre Puvis de Chavannes

Pierre Puvis de Chavannes, «Le rêve», 1883 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Symbolisme était un mouvement culturel qui s'est produit au milieu du 19e siècle. D'abord sous forme de poésie et d'écriture, puis en peinture, le symbolisme a émergé sur les talons de deux grands genres littéraires et artistiques: le romantisme (1800-1850) et le réalisme (1840-1880). Alors que les symbolistes favorisaient l’accent mystique du romantisme sur l’émotion accrue, ils rejetaient la focalisation réaliste sur le sujet de tous les jours.

Prenant cette approche au niveau supérieur, les symbolistes ont produit des œuvres stratégiquement dont le contenu (écrit ou peint) a servi de symboles d'idées plus profondes – pas comme un moyen de reproduire la réalité. "Chaque manifestation de l'art rencontre un appauvrissement et un épuisement mortels", écrit Moréas dans Le Symbolisme, son manifeste symboliste, «suivent ensuite des copies de copies, des imitations d'imitations; ce qui était nouveau et spontané devient cliché et banal. » Canaliser les rêves et exploiter le subconscient, pensait-il, relancerait les arts et insufflerait une nouvelle vie dans un paysage culturel manquant d'imagination.

Le mouvement symboliste

L'écriture

Affiche Cazals

Frédéric-Auguste Cazals, «7e Exposition du Salon des Cent» (détail mettant en vedette Paul Verlaine et Jean Moréas), 1894 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Quand Moréas a publié Le Symbolisme dans un journal français Le Figaro le 18 septembre 1886, il cherche à faire de la place du symbolisme un mouvement de premier plan. Pour ce faire, il a officiellement accepté le terme de «symbolisme» comme titre du mouvement, notant que «le nom peut rester». Il a également discuté des valeurs du genre en herbe, y compris l'accent mis sur la pureté, une rébellion contre «l'éducation, la déclamation, les sentiments négatifs et (et) la description objective» et la désapprobation du mouvement décadent, un genre contemporain caractérisé par une frivolité excessive et une over-the -accent sur la fantaisie.

En plus des qualités plus abstraites du symbolisme, le manifeste a également exposé ses considérations techniques. Selon Moréas, la poésie symboliste comprend des «ondulations tombantes», des «ellipses mystérieuses», «une rime de fluidité abstruse» et d'autres outils d'écriture privilégiés par les poètes intéressés à «tirer librement les flèches féroces du langage». Ces éléments symbolistes sont particulièrement évidents dans la prose-poésie de Charles Baudelaire, les œuvres complexes de Stéphane Mallarmé, et Paul Verlaine«L’art poétique».

En plus de la poésie, les écrivains symbolistes ont également écrit de la prose, qu'ils ont publiée dans des périodiques, comme Le Figaro, et des magazines littéraires, y compris Le Plume.

Beaux-arts

Judith I par Klimt

Gustav Klimt, «Judith I», 1901 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Contrairement aux écrivains, les artistes symbolistes n'étaient pas unis par une seule esthétique ou un seul style. Leur travail est plutôt caractérisé par un intérêt commun à imprégner leurs peintures et dessins de références personnelles et de métaphores discrètes, souvent ambiguës. Habituellement, leur travail a exploré les thèmes de l'érotisme, de la romance, de la morbidité et de l'occulte. Comme l'iconographie elle-même est venue après les idées, il existe un large éventail de sujets symbolistes.

Gustave Moreau et Pierre Puvis de Chavannes, par exemple, favorisaient les sujets rêveurs enracinés dans des contes mythologiques et des histoires bibliques; Gustav Klimt a préféré peindre des portraits éthérés de femmes et des allégories surréalistes; Edvard Munch excellé dans les peintures et gravures sombres et mornes; et Odilon Redon a tout exploré, des études florales flottantes aux araignées anthropomorphes rendues dans ce qu'il croyait être la teinte la plus spirituelle: le noir.

"Le noir est la couleur la plus essentielle", a déclaré Redon. «Il véhicule la vitalité même d'un être, son énergie, son esprit, quelque chose de son âme, le reflet de sa sensibilité. Il faut respecter le noir. Rien ne la prostitue. Il ne plaît pas à l'œil et n'éveille aucune sensualité. C'est l'agent de l'esprit bien plus que la plus belle couleur de la palette ou du prisme. »

Influence

L'épopée slave d'Alphonse Mucha

Alphonse Mucha, affiche pour l'exposition «L'épopée slave», 1928 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Le symbolisme est resté un mouvement répandu en France, en Russie et en Belgique au début du siècle. En 1910, cependant, il avait disparu de la proéminence, mais non sans laisser un héritage profond.

Les écrivains suivants se sont inspirés des poètes symbolistes pendant des décennies. Plus précisément, comme l'écrivain Wallace Fowley l'a noté, «depuis la riche période du symbolisme. . . La poésie française est obsédée par l'idée de pureté«—Un concept lancé par des poètes symbolistes. Mais ce ne sont pas seulement les autres écrivains qui se sont tournés vers leur travail. Compositeurs ont également cité des poèmes symbolistes spécifiques comme leurs muses, avec Claude Debussy Clair de lune (une pièce basée sur un poème de Paul Verlaine) servant d'exemple particulièrement célèbre.

Les artistes modernistes étaient également attirés par le symbolisme. Art Nouveau L’artiste Alphonse Mucha, figure contemporaine, a adapté l’utilisation de la métaphore et de l’imagerie onirique du mouvement pour créer des peintures et des gravures envoûtantes et sinueuses. Les Nabis, un groupe de postimpressionnistes épris de couleurs et amoureux des couleurs, a également incorporé des symboles significatifs dans leurs peintures, tandis que le Surréalistes, canalisant l'attention des symbolistes sur l'imagination, s'appuyait sur le subconscient comme source de créativité.

«L'imaginaire», a déclaré le pionnier surréaliste André Breton, «est ce qui tend à devenir réel.»

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Peintures de paysages photoréalistes de Michael James Smith

De nombreux artistes trouvent l'inspiration dans la nature qui les entoure, mais peu sont capables de la représenter avec un réalisme époustouflant comme l'artiste Michael James Smith. Ses peintures à l'huile immaculées dépeignent une variété de paysages bucoliques aussi vivement que des photographies. Des plages de sable blanc aux montagnes enneigées en passant par les lacs cristallins sereins, chaque endroit a une incroyable attention aux détails; ce n’est qu’après avoir vu la main de Smith sur les images que vous vous rendez compte qu’il s’agit de peintures.

Smith est issu d'une «famille d'artistes» et a commencé à peindre professionnellement à l'âge de 18 ans. Sa passion pour l'environnement naturel l'a inspiré à poursuivre la peinture de paysage et à continuer à prendre un soin particulier à rendre chaque endroit tel qu'il le voit. La nature est le seul sujet, car aucune des peintures de Smith ne comprend de figures humaines. Au lieu de cela, ses images semblent capturer la sérénité des terres qui sont intactes par les gens. Chacun est imprégné d'un sentiment de calme et de paix.

Pour créer ses pièces photoréalistes, Smith utilise une variété de pinceaux pour placer et mélanger les couches de couleur ainsi que pour l'affiner en détails précis. Des vidéos en accéléré de son processus montrent comment il transforme des plaques de peinture à l'huile en arbres tachetés de soleil, en nuages ​​plumeux et en prairies verdoyantes. L'artiste partage également les tenants et aboutissants de sa technique magistrale dans des didacticiels vidéo étape par étape via sa chaîne YouTube.

Faites défiler vers le bas pour voir le travail incroyable de l'artiste. Vous pouvez visiter le site Web de Smith pour acheter des peintures et des impressions originales et le suivre sur Instagram et Twitter pour se tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste Michael James Smith crée d'incroyables peintures à l'huile photoréalistes de scènes de nature bucoliques.

Peintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeinture de paysage photoréalistePeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James SmithPeintures de paysages photoréalistes de Michael James Smith

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Pinson des fraises perché sur une oreille de paddy

Photo: Photos de Krieng Meemano / Shutterstock

Sautant à travers les prairies et les champs de l'Asie tropicale, le pinson des fraises est un oiseau délicieusement petit qui prend un plumage spectaculaire pendant sa saison de reproduction. Il est également connu sous le nom de munia rouge ou avadavat rougeet leurs populations d'origine sont réparties sur le Bangladesh, l'Inde, le Sri Lanka, le Népal et le Pakistan. Maintenant, ils peuvent également être trouvés dans certaines parties de l'Asie du Sud-Est et plusieurs populations introduites prospèrent dans les climats tropicaux d'Hawaï, des Fidji et de la Malaisie.

Mesurant environ trois à quatre pouces de long, les pinsons des fraises vivent en petits groupes dans les hautes herbes situées près de l'eau. Mais ce n'est pas le seul endroit où vous les trouverez; ils vivent également dans des clairières, des jardins et des prairies ouvertes.

Ce qui rend cette créature particulièrement distinctive, ce sont les riches plumes rouges de l’oiseau mâle qui apparaissent au moment d’attirer un compagnon. Les oiseaux mâles et femelles ont une coloration brune terne lorsqu'ils ne se reproduisent pas. Mais quand le moment est venu, tout change. Les mâles prennent une couronne et un dos rouge foncé avec des points blancs épars sur leurs ailes presque noires. Le dessous, la poitrine et les côtés de la tête sont d'une riche couleur écarlate. En raison des teintes vibrantes du mâle, le pinson des fraises est un animal de compagnie populaire dans certaines parties du monde. Cependant, si les conditions environnementales appropriées ne sont pas réunies, elles peuvent perdre leur couleur intense.

Couple de Munias rouges assis sur une branche

Photo: Photos de la faune kajornyot / Shutterstock

Les femelles subissent également une cure de jouvence pour la saison de reproduction, même si ce n'est pas aussi dramatique. Après la mue, leur face inférieure devient un jaune-orange beaucoup plus lumineux. Fait intéressant, même le bec des deux sexes change de couleur, bien que cela soit lié à la longueur de la lumière du jour plutôt qu'à l'accouplement. Pendant les mois d’hiver, jusqu’en avril environ, le bec du pinson des fraises s’assombrit et devient noir. Le bec devient rouge pendant les mois les plus chauds.

Lorsque la saison des amours arrive, les mâles font plus que montrer leurs plumes pour attirer un compagnon. Les pinsons mâles placeront un brin d'herbe ou une plume dans leur bouche et prendront un arc pendant qu'ils garderont leurs plumes dressées. Les femelles mettent ensuite leur tour en scène. Une fois que les couples se sont accouplés, ils se séparent généralement du troupeau et vaquent à leurs occupations, restant monogames pour la saison de reproduction. Ces oiseaux mignons construisent ensuite leurs nids dans l'herbe et laissent généralement une couvée de cinq à six œufs.

Les pinsons fraisiers sont de petits oiseaux qui prospèrent dans les climats tropicaux d'Asie.

Avadavat rouge perché sur une branche

Photo: Stock Photos de Wanchai Haemaprasit / Shutterstock

Les mâles sont connus pour leur coloration rouge vif pendant la saison de reproduction.

Munia rouge mâle sur une branche

Photo: Photos de Super Prin / Shutterstock

Même les pinsons femelles prennent un ventre jaune quand il est temps de s'accoupler.

Paire de pinsons aux fraises sur une branche

Photo: Photos de la faune kajornyot / Shutterstock

En dehors de la saison de reproduction, les mâles et les femelles prennent un aspect plus terne.

Munia rouge mâle

Photo: Yogesh n patil / CC BY-SA

Roselin fraise en dehors de la saison de reproduction

Photo: Stock Photos de Sonal Dutta / Shutterstock

Une fois que les couples se sont appariés, ils restent monogames pour toute la saison.

Pinsons fraises mâles et femelles pendant la saison de reproduction

Photo: banque de photos de cowboy54 / Shutterstock

Ces oiseaux sont souvent gardés comme animaux de compagnie en raison de leur coloration et des populations sauvages ont été introduites à Hawaï et aux Fidji.

Amandava mâle amandava

Photo: Photos de PinkeshTanna / Shutterstock

Munia rouge dans l'herbe

Photo: Stock Photos de johngodfrey / Shutterstock

Avadavats rouges mâles perchés sur une branche

Photo: Photos de vanchai / Shutterstock

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Série Palace par Ran Hwang

«East Wind_K (LT)», 2015.

L'artiste d'origine coréenne Ran Hwang est connue pour son utilisation ingénieuse des matériaux pour construire des installations contemporaines. À l'aide de perles, de boutons et d'épingles, elle travaille méticuleusement pour créer des œuvres d'art texturales qui sont magnifiques de loin et de près. Avec elle Série Palace, elle applique cette technique à l'architecture coréenne traditionnelle et les résultats sont étonnants.

Hwang s'est inspiré des cinq grands palais de Séoul: Gyeongbokgung, Changdeokgung, Gyeonghuigung, Deoksugung et Changgyeonggung. En réinterprétant ces repères, elle vise à explorer la futilité du désir humain et ses délires.

En plaçant les épingles à différents niveaux, Hwang apporte dynamisme et perspective à chaque pièce. Les éléments architecturaux de ces palais étant allongés et déformés, ils jouent avec nos attentes. Chacun se sent à la fois familier et étranger.

«Mon intention principale de créer ces structures architecturales déformées est de montrer la tension entre les limitations imposées par notre société actuelle et le désir humain de liberté», explique Hwang à My Modern Met. "J'espère que les téléspectateurs auront le temps de réfléchir et de réfléchir sur la société actuelle. J'ai mis beaucoup d'efforts pour donner forme à l'idée et au concept dans mes œuvres. »

Ces installations détaillées nécessitent une réflexion intense, tant dans la planification que dans l'exécution. «J'adopte une approche performative», dit Hwang, «en passant par un processus rituel laborieux de martèlement répétitif comme si l'on pratiquait le bouddhisme zen pour illustrer le temps ardu à se refléter et à refléter la société désireuse.»

Dans l’ensemble, Série Palace est une méditation fascinante sur la tradition, la patience et l'esprit humain.

Artiste Ran Hwang's Série Palace a été inspiré par les cinq grands palais de Séoul, en Corée.

Art contemporain par Ran HwangArt contemporain par Ran HwangSérie Palace par Ran HwangSérie Palace par Ran Hwang

Art contemporain par Ran Hwang

«White Wind», 2013.

Art contemporain par Ran Hwang

Chaque pièce est composée de milliers d'épingles, de perles et de boutons.

Palais coréen en perles et boutons de Ran Hwang

«First Wind_CL», 2015.

Série Palace par Ran HwangPalais coréen en perles et boutons de Ran HwangArt fait de matériaux de tous les jours

Palais coréen en perles et boutons de Ran Hwang

«Vent d'Est du Vieux Palais», 2012.

Art contemporain par Ran HwangSérie Palace par Ran HwangInstallation architecturale par Ran HwangRan Hwang: Site Web | Facebook | Instagram

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Promenez-vous dans l'histoire étoilée du National Mall

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Le National Mall

Photo: Stock Photos de dibrova / Shutterstock

Washington, DC est un trésor de l'histoire américaine. Alors qu'une grande partie de la capitale sert d'archive du passé, la Centre commercial national se dresse au-dessus du reste. Cette étendue de terre de près de trois kilomètres est bordée de certains des musées et monuments les plus prisés du pays, d'une chaîne de Smithsonians au Lincoln Memorial.

L'importance historique du centre commercial, cependant, est marquée par plus que les monuments qu'il abrite. S'étendant sur plus de 200 ans, l'histoire du National Mall lui-même mérite d'être explorée. Ici, nous nous promenons à travers une chronologie sinueuse du site important, de son plan d'origine à son état actuel en tant que «noyau monumental» de la capitale et du pays.

Une «grande avenue»

Portrait de Pierre Charles L'Enfant

Allyn Cox, Portrait de Pierre Charles L’Enfant au Capitole américain (Photo: Architecte du Capitole (domaine public))

En 1777, ingénieur militaire français Pierre Charles L’Enfant (1754-1825) est arrivé aux États-Unis en provenance de Paris. L’Enfant, un étudiant de 23 ans inscrit à l’Académie royale du Louvre, fait partie des 12 000 soldats envoyés par la France pour aider les colons pendant la Révolution américaine.

L’Enfant s’est rapidement fait connaître pour sa créativité, tant sur le champ de bataille qu’en dehors. En plus de maîtriser «l'art de la fortification», il était également reconnu pour ses compétences en beaux-arts; il aurait même été chargé de peindre un portrait de George Washington en 1778. En fusionnant ces compétences, L’Enfant a poursuivi une carrière en génie civil après la guerre, aboutissant à son projet le plus célèbre: la conception du nouveau district fédéral.

En 1791, George Washington a nommé L’Enfant pour élaborer un plan pour la «ville de Washington». Alors que Washington et Thomas Jefferson, son Secrétaire d’État, considérait qu’il s’agissait d’une tâche modeste (ils supposaient qu’il les aiderait simplement à choisir un emplacement et les sites de bâtiments importants), L’Enfant avait des plans plus vastes, comme indiqué dans son Plan de la ville destiné au siège permanent du gouvernement des États-Unis.

Plan pour le National Mall

Plan 1791 de Pierre Charles L’Enfant pour la capitale fédérale (détail) (Photo: Wikimedia Commons (CC BY 2.0))

Parmi ses plus des idées ambitieuses était la proposition "Grand Avenue», Une promenade d'un mile de long inspirée des vastes jardins de Versailles. Cette bande tentaculaire relierait parfaitement le Palais des congrès (plus tard connu sous le nom de «United States Capitol») et une statue équestre de Washington. Il a également appelé à la construction du Maison du président (finalement appelée la "Maison Blanche"), que L’Enfant envisageait comme un palais grandiose.

Malheureusement, la nature trop ambitieuse des plans de L’Enfant met à rude épreuve ses relations professionnelles et, en 1791, il est licencié par Washington. Arpenteur-géomètre Andrew Ellicott a repris le projet, révisant les plans de L’Enfant jusqu’à ce que l’architecte et horticulteur Andrew Jackson Downing soit nommé au début des années 1850.

Un «musée public»

Carte du centre commercial en 1893

Carte du centre commercial en 1893 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Alors que L’Enfant s’inspirait de son expérience en ingénierie, Andrew Jackson Downing (1815-1852) se tourna vers son pouce vert. Fils d'un pépiniériste, éditeur de plusieurs publications sur le jardinage et auteur de Fruits et arbres fruitiers d'Amérique (1845), Downing avait une vaste expérience en horticulture au moment où il a entrepris le projet. Il n'est donc pas étonnant que son plan pour le centre commercial tourne autour des espaces verts.

Downing a imaginé une promenade avec des parcs naturalistes discrets qui transformeraient le centre commercial bien entretenu de L’Enfant en «un musée public d’arbres et d’arbustes vivants». Face à des ressources limitées, le Congrès n'a initialement approuvé qu'une partie du projet. Et, en 1853 – un an après la mort prématurée de Downing – tous les fonds ont été coupés. Pourtant, contre toute attente, son plan a surtout réussi à se concrétiser. Au cours des années à venir, des parcs publics surgiraient le long du centre commercial et, après la guerre civile, l'espace était même équipé de serres utilisées pour faire pousser des cultures.

Le «noyau monumental»

Plan McMillan

Le plan McMillan de 1901 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Au tournant du 20e siècle, le projet de construction en cours du centre commercial a de nouveau échangé des mains. Cette fois, il a été repris par la Commission du parc du Sénat, un comité plus connu sous le nom de Commission McMillan.

Présidée par James McMillan, sénateur républicain du Michigan, la Commission McMillan a proposé une rénovation majeure du centre commercial pour centenaire de la ville. Afin de commémorer cet anniversaire avec justesse, l’équipe s’est appuyée sur le plan «européen» de L’Enfant, qui a abouti à une conception caractérisée par «une restriction de hauteur imposée par la loi, des parcs paysagers, de larges avenues et des espaces ouverts permettant les vues prévues».

Cet "espace ouvert", cependant, ne prendrait pas la forme de la "grande avenue" envisagée par L’Enfant. Au lieu de cela, il se matérialiserait comme une pelouse bordée d'arbres encadrée par des boulevards animés, flanquée de bâtiments célèbres et percée par le Washington Monument, un obélisque en marbre de 555 pieds destiné à honorer George Washington. Dédiée en 1885, cette structure demeure une icône de ce que la Commission McMillan a appelé le «noyau monumental» du pays, même après un tremblement de terre en 2011 qui a appelé à sa restauration complète.

The Mall Today

Histoire du National Mall

Photos de S.Borisov / Shutterstock

Même avant le tremblement de terre, l'accent avait été mis de plus en plus sur l'entretien du centre commercial et de ses monuments. Depuis 2007, le Trust For The National Mall, partenaire à but non lucratif du National Park Service, a œuvré pour préserver la promenade, qui accueille plus de 36 millions de visiteurs annuels.

Que peuvent attendre les touristes au Mall aujourd'hui? En plus d'un aperçu de la disposition tentaculaire de L'Enfant et du rêve de Downing d'un «musée public», «l'espace ouvert» du centre commercial abrite une multitude de musées de classe mondiale – de la Galerie d'art néo-classique à la réflexion avant-gardiste. Musée national d'histoire et de culture afro-américaine, ainsi que des jardins de sculptures et des mémoriaux poignants. «Mélange magistral d'histoire et de traditions formelles et de vie contemporaine informelle», ces sites font du centre commercial historique l'une des destinations culturelles les plus importantes d'aujourd'hui.

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Apprenez l'histoire fascinante derrière «Ophelia», une peinture préraphaélite emblématique

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Ophelia par Millais

John Everett Millais, «Ophelia», ca. 1851 (Photo: Google Art Project (domaine public))

En 1848, une société secrète d'artistes prend racine dans l'Angleterre victorienne. Connus sous le nom de préraphaélites, les membres de cette confrérie croyaient que la peinture s'était épanouie avant la Renaissance, citant l'approche idéaliste de Raphaël sur le sujet comme la chute de la discipline séculaire.

Afin de ramener la peinture à son âge d'or, les préraphaélites se sont regroupés, unis non par un style spécifique mais par un désir «d'avoir de véritables idées à exprimer» – et une volonté «d'étudier attentivement la nature, afin de savoir les exprimer. " John Everett Millais, l'un des fondateurs du mouvement, a incarné cette approche avec son Ophelia, une peinture préraphaélite poignante et poétique.

Mise en scène

Portrait de John Everett Millais

William Holman Hunt, «Sir John Everett Millais», 1853 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Artiste anglais John Everett Millais (1829-1896) a commencé à peindre Ophelia en 1851, trois ans seulement après que lui, William Holman Hunt et Dante Gabriel Rossetti aient cofondé la confrérie préraphaélite.

Dès son jeune âge, Millais a été formé comme peintre traditionnel. À seulement onze ans, il est devenu le plus jeune étudiant admis au prestigieux Écoles de la Royal Academy. Au cours des prochaines années, il excellera en tant que peintre historique avant de renverser le programme d'études centré sur la Renaissance de l'académie avec des peintures d'avant-garde comme Ophelia.

Mignon Nevada comme Ophelia

Mignon Nevada comme «Ophelia», photographie en négatif sur verre, ca. 1910 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Rendu dans les huiles sur une toile de 30 par 44 pouces, le tableau représente la mort d'Ophélie, un personnage de William Shakespeare Hamlet (vers 1599-1601). Dans la pièce, Ophelia est devenue folle et se noie après avoir découvert que son partenaire, Hamlet, a tué son père. Bien que sa scène de mort ne soit pas explicitement mise en scène dans la pièce, elle est décrite en détail poétique par la mère de Hamlet, la reine Gertrude, dans l'acte IV, scène vii:

"Il y a un saule qui pousse vers un ruisseau,
Cela montre ses feuilles de givre dans le ruisseau vitreux;
Elle est venue avec des guirlandes fantastiques
De fleurs de corbeau, d'orties, de marguerites et de longs violets
Que les bergers libéraux donnent un nom plus grossier,
Mais nos femmes froides appellent les doigts des morts:
Là, sur les branches pendantes, ses mauvaises herbes couronne
Grimpant pour pendre, un ruban envieux se brisa;
Quand elle descend ses trophées de mauvaises herbes et elle-même
Tombé dans le ruisseau pleureur. Ses vêtements s'étalaient largement;
Et, comme une sirène, pendant un certain temps ils l'ont ennuyée:
Quelle fois elle a chanté des bribes de vieux morceaux;
Incapable de sa propre détresse,
Ou comme une créature native et indue
À cet élément: mais longtemps il ne pouvait pas être
Jusqu'à ce que ses vêtements, chargés de leur boisson,
Tirez le pauvre misérable de sa situation mélodieuse
À la mort boueuse. "

La peinture de Millais dépeint Ophelia quelques instants après qu'elle "soit tombée dans le ruisseau pleureur" tout en essayant de draper des guirlandes de fleurs sauvages "sur les branches pendantes" d'un arbre. Alors que ses jupes «sirène» la maintenaient initialement à flot, elles deviennent rapidement «lourdes avec leur boisson». En coulant, elle chante doucement pour elle-même, jusqu'à ce qu'elle rencontre sa tragique «mort boueuse».

Le processus de peinture

Étude pour

John Everett Millais, étude pour «Ophelia», 1852 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Afin de saisir pleinement l'esprit de cette «mort boueuse», Millais a choisi de peindre en plein air («En plein air») – une technique préraphaélite déterminante. Pendant cinq mois, il a installé un camp le long des rives de la rivière Hogsmill à Surrey, dans le sud-est de l'Angleterre, et s'est mis à travailler sur la documentation des plantes locales dans un processus laborieux et douloureux.

"Mon martyre est plus éprouvant que tout ce que j'ai connu jusqu'à présent", a-t-il déploré. «Les mouches de Surrey sont plus musclées et ont une propension encore plus grande à sonder la chair humaine. . . Je suis menacé de comparaître devant un magistrat pour intrusion dans un champ et destruction du foin. . . Je suis également en danger d'être emporté par le vent dans l'eau et de devenir intime avec les sentiments d'Ophélie lorsque cette Dame a sombré dans la mort boueuse, avec la disparition totale (moins probable), à ​​travers la voracité des mouches. "

Elizabeth Siddal, mannequin de dix-neuf ans de Millais, n’a pas eu plus de facilité. Artiste et muse préférée de Millais et de ses confrères préraphaélites (dont son futur mari, Dante Gabriel Rossetti), Siddal connaissait le processus de s'asseoir pour les peintures. Cependant, jouer le rôle d'une Ophélie en train de se noyer s'est avéré être une tâche particulièrement difficile. Vêtue de ce que Millais décrivait avec enthousiasme comme "une robe ancienne de femme vraiment splendide – toute fleurie de broderie argentée", Siddal posa dans un bain d'eau. Au cours d'une séance, les lampes à huile chargées de maintenir l'eau au chaud se sont éteintes et Siddal est tombé gravement malade. (Millais a payé ses factures médicales à la demande de son père.)

Suivre ce processus créatif moins qu'idéal ("Certainement, la peinture d'un tableau dans de telles circonstances serait une punition plus grande pour un meurtrier que la pendaison", a fait remarquer Millais), Ophelia a été achevé en 1852 et exposé à la Royal Academy of Art la même année.

Floraison héritée

Détail de 'Ophelia'

Détail de «Ophelia»

Tandis que Ophelia a été initialement accueilli avec des critiques mitigées (un critique l'a qualifié de "tour de force de représentation détaillée », tandis qu'un autre la jugeait« perverse »), elle est depuis devenue le summum de la peinture préraphaélite. En plus de capturer l’accent mis par le mouvement sur le naturalisme, la peinture incarne également floriographie, ou le «langage des fleurs».

Délicatement rendue dans une gamme de tons de bijoux, la flore flottante d'Ophelia est parmi les motifs les plus célébrés de la peinture. Ces botaniques détaillés, cependant, sont plus que ce qui semble évident, car chacun sert de symbole. Certaines des plantes présentées dans le tableau sont mentionnées par Shakespeare, qui a attribué des significations célèbres aux fleurs; d'autres ont été pensivement ajoutés par Millais, qui avait cultivé un intérêt pour le «langage des fleurs» – un phénomène dans lequel la flore est utilisée pour communiquer des messages codés.

«Les roses près de la joue et de la robe d’Ophelia, et le champ sur la rive, peuvent faire allusion à son frère Laertes l’appelant« rose de mai », explique Tate. «Le saule, l'ortie et la marguerite sont associés à l'amour abandonné, à la douleur et à l'innocence. Les pensées font référence à l'amour en vain. Les violettes, qu'Ophélia porte dans une chaîne autour de son cou, représentent la fidélité, la chasteté ou la mort des jeunes, toutes significations pouvant s'appliquer ici. Le coquelicot signifie la mort. Oubliez-moi flottent dans l'eau. "

Bien qu'enraciné dans les temps anciens, ce principe était devenu exceptionnellement populaire dans l'Angleterre victorienne – et, avec OpheliaLes fleurs précieuses à l'avant-garde continueront sans aucun doute de fleurir pendant des années.

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Art en résine océanique par Anna Paschenko

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Aimez-vous une brise marine salée et le bruit des vagues déferlantes? Si vous manquez la plage, vous pouvez maintenant avoir un paysage marin miniature à la maison, grâce à l'artiste ukrainienne Anna Paschenko (de Roslynka). Elle crée des tentures murales en résine et des pendentifs portables qui capturent la beauté de l'océan.

Les peintures océaniques tourbillonnantes de Paschenko sont rendues avec des couches de résine époxy. Lorsqu'il est versé, le liquide crée des tourbillons hypnotisants ainsi que des motifs pétillants et ondulants. «Les résines époxy sont un système à deux composants composé de résine et de durcisseur», explique l'artiste. «En mélangeant les deux composants, une réaction chimique se produit pour que la résine liquide durcisse progressivement en un plastique solide. Le résultat est une surface claire et brillante sur un verre transparent de 2 mm. » Paschenko encadre ensuite chaque pièce en métal, en utilisant une technique de vitrail.

Chaque pièce unique et colorée ressemble à de vraies vagues qui s'écrasent sur un rivage. Si vous voulez votre propre paysage marin miniature, ils sont maintenant disponibles à l'achat sur la boutique Etsy de Paschenko.

Anna Paschenko crée des tentures murales en résine qui capturent la beauté des vagues qui s'écrasent sur le rivage.

Art en résine océanique par Anna Paschenko

Elle crée également des pendentifs afin que vous puissiez emporter l'océan avec vous où que vous alliez.

Art en résine océanique par Anna PaschenkoArt en résine océanique par Anna PaschenkoArt en résine océanique par Anna PaschenkoArt en résine océanique par Anna PaschenkoArt en résine océanique par Anna PaschenkoArt en résine océanique par Anna PaschenkoArt en résine océanique par Anna PaschenkoArt en résine océanique par Anna PaschenkoArt en résine océanique par Anna PaschenkoAnna Paschenko / Roslynka: Instagram | Etsy

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Styles de cheveux tressés par Elvira

Des tresses aux queues de cheval, nos cheveux peuvent être une toile pour exprimer notre créativité. Et si vous avez les compétences pour concevoir de longues serrures, les possibilités de style sont illimitées. Elvira Jonsson, 26 ans, est particulièrement douée pour le tressage des cheveux. La styliste suédoise a un compte Instagram populaire dédié à ses jolies coiffures.

Les tresses ont été un style de base dans l'histoire des cheveux pendant des siècles, et Jonsson maintient la pratique traditionnelle. Des «queues de cheval à bulles» aux tresses françaises, les coiffures du styliste suédois capturent ce style bohème classique des années 70. Jonsson incorpore souvent des fleurs dans les tresses de cheveux, ce qui rend ses coiffures parfaites pour montrer le style d'été. Chaque look élaboré prend environ 45 minutes à compléter, mais ce qui le rend le plus impressionnant, c'est que Jonsson tresse ses propres cheveux – une compétence notoirement difficile à maîtriser!

Jonsson trouve son "hairspiration" sur les réseaux sociaux, mais elle veille toujours à adapter le style pour qu'il soit le sien. «Il y a tellement de comptes de coiffures incroyables sur Instagram, donc je m'en inspire souvent, mais j'essaie toujours de faire ma propre impression sur chaque coiffure que je fais», explique Jonsson à My Modern Met. "Habituellement, je suis inspiré pour faire un type de coiffure ou un type de tresse, puis je développerai cela en quelque chose de nouveau!"

Découvrez quelques-unes des coiffures tressées de Jonsson ci-dessous et découvrez-en plus dans son portfolio sur Instagram.

La styliste suédoise Elvira Jonsson montre à quel point les cheveux tressés peuvent être créatifs.

Styles de cheveux tressés par Elvira

Ses jolies coiffures capturent ce boho classique, style des années 70.

Styles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraStyles de cheveux tressés par ElviraElvira Jonsson: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Elvira Jonsson.

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Plus de 1 100 œuvres d'art de Georgia O’Keeffe sont désormais accessibles en ligne

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Les institutions culturelles du monde entier peuvent encore être fermées en raison de COVID-19, mais heureusement, il existe toujours un moyen de parcourir des collections de renom tout en pratiquant la distanciation sociale. Grâce à Google Arts & Culture, vous pouvez visiter virtuellement des musées de renommée mondiale tels que le Musée d'Orsay, le Musée Guggenheim et la Galerie des Offices. Désormais, le Georgia O’Keeffe Museum de Santa Fe, au Nouveau-Mexique, a mis à disposition gratuitement plus de 1 100 œuvres d'art du peintre américain moderne.

L’artiste Georgia O’Keeffe (1887-1986) est l’une des femmes peintres les plus célèbres de l’histoire de l’art occidental, connue notamment pour son emphase sur la composition et le design plutôt que sur des représentations réalistes de sujets. La vaste collection numérique comprend certaines de ses œuvres les plus importantes, y compris ses peintures de fleurs, ses abstractions, ses natures mortes et ses paysages du sud-ouest des États-Unis. De plus, les visiteurs du site Web peuvent parcourir des dessins moins vus des carnets de croquis d’O’Keeffe, des photographies de son ranch à Taos, au Nouveau-Mexique, ainsi que ses rares sculptures abstraites.

La collection numérique présente également des œuvres d’art de certains des contemporains d’O’Keeffe, dont son mari et photographe Alfred Stieglitz, et le céramiste Juan Hamilton. Chacune des images présente des informations sur l'art illustré afin que les téléspectateurs puissent apprendre à distance.

Vous pouvez parcourir la collection sur le site Web du Georgia O’Keeffe Museum.

Le Georgia O’Keeffe Museum a mis à disposition gratuitement plus de 1 100 œuvres d'art de l'artiste américain.

Georgia O'Keeffe: photos

Photographie de portrait de Georgia O’Keeffe par Alfred Stieglitz, 1918 (Photo: Alfred Stieglitz via Wikimedia Commons (domaine public))

Cette vaste collection numérique présente certaines des œuvres les plus importantes d'O’Keeffe, y compris ses peintures de fleurs et ses paysages du sud-ouest des États-Unis.

Peinture de Georgia O'Keeffe

Georgia O’Keeffe, «Red Canna», 1919 (Photo: High Museum of Art via Wikimedia Commons (domaine public))

Musée Georgia O’Keeffe: site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Culture ouverte)

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Vous pouvez maintenant sentir comme l'espace extra-atmosphérique grâce à ce parfum développé par la NASA

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Parfum Eau de Espace

Vous êtes-vous déjà demandé à quoi ressemble l'espace extra-atmosphérique? Les astronautes de la NASA ont décrit le parfum céleste comme «de l'ozone, du métal chaud et du steak frit» avec des notes de «framboises et de rhum». Si ce n'est pas assez bizarre, vous pouvez maintenant acheter "l'odeur de l'espace", embouteillée comme un parfum appelé Eau de Space.

La NASA a développé le parfum cosmique pour la première fois en 2008, lorsque l'agence spatiale a mandaté Steven Pearce, un scientifique de l'alimentation et directeur général de la société de fabrication de parfums Omega Ingredients, pour recréer l'odeur de l'espace dans une bouteille. Il a été utilisé pour former des astronautes avant leur lancement en orbite, car il a permis de fournir une expérience sensorielle complète.

Le parfum est resté un secret pendant des années, jusqu'à ce que Matt Richmond, chef de produit chez Eau de Space– réussi à obtenir la recette. «L'odeur de l'espace est enfermée derrière le« besoin de savoir », la formation sur le terrain réservée aux astronautes et Red Tape depuis des années», dit-il. "Grâce à la détermination, le courage, beaucoup de chance et quelques demandes du Freedom of Information Act (FOIA), nous avons réussi."

Lancé via Kickstarter le 18 juin 2020, Richmond publie maintenant Eau de Space au monde, élégamment emballé dans une bouteille en verre. En moins de 24 heures depuis le lancement, le projet a été financé à 124%. Et aujourd'hui, à 45 jours de la fin, la campagne a reçu plus de 190 000 $ de la part de bailleurs de fonds "Space Geek" – bien au-dessus de l'objectif initial promis de 1 969 $ (un chiffre qui est le même que l'année du débarquement sur la Lune).

"Nous avons essayé de trouver un joli titre pour quantifier à quel point nous sommes arrivés dans le financement. Nous sommes certainement passés devant le mont Everest, situé dans la troposphère à environ 10 km d'altitude, juste en dessous des avions commerciaux », a écrit Richmond dans une mise à jour de Kickstarter. "Nous sommes passés devant la Stratosphère, où les ballons météo collectent des données atmosphériques. La Mésosphère, où sprites et météores illuminent le ciel, opèrent entre 50 et 80 km. 70 km, 70 km, ce qui nous place là où opèrent les Sounding Rockets. »

Richmond a également partagé quelques «titres de travail» pour le parfum que lui et son équipe ont trouvé avant de s'installer Eau de Space. Certains favoris incluent A Space Eau-de-ssey, Space Scent Juice, et Elon’s Musk.

En savoir plus sur Eau de Space sur Kickstarter, où vous pouvez vous engager à acheter votre propre bouteille d'arôme galactique. Après tout, qui ne voudrait pas sentir la framboise et le rhum?!

Présentation Eau de Space: un parfum développé par la NASA qui sent comme l'espace.

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=WnqdKmLtDYY (/ incorporé)

Eau de Space: Kickstarter
h / t: (Hypebeast)

Toutes les photos via Eau de Space.

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Des chercheurs examinent des plantes ramenées à la vie à partir de graines vieilles de 32 000 ans

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Silene stenophylla créé à partir de graines anciennes

Grâce au travail des écureuils, les chercheurs en Sibérie ont pu se développer viables Silene stenophylla des plantes issues de graines vieilles de 32 000 ans. Cet événement incroyable, qui s'est produit en 2012, a toujours un événement dramatique sur la communauté scientifique et maintenant les chercheurs autrichiens tentent de séquencer l'ADN de la plante pour savoir comment elle a pu survivre si longtemps.

L'histoire commence il y a plus de 10 ans, lorsqu'une équipe de scientifiques russes, hongrois et américains a récupéré les graines congelées en 2007. Elles ont été enterrées à 125 pieds sous terre, profondément dans le pergélisol sibérien. L'équipe enquêtait sur les terriers des anciens écureuils lorsqu'ils ont fait la découverte. Les fruits et les graines avaient été parfaitement scellés aux éléments grâce aux techniques d’enfouissement des écureuils.

"Les écureuils ont creusé le sol gelé pour construire leurs terriers, qui ont à peu près la taille d'un ballon de football, mettant d'abord du foin et ensuite de la fourrure animale pour une chambre de stockage parfaite", a expliqué Stanislav Gubin, l'un des chercheurs qui a exploré les terriers. "C'est une cryobanque naturelle."

Silene stenophylla issu de graines anciennes

Photo: Yashina, Gubin, et al

Cinq ans après avoir découvert les graines, les scientifiques ont pu extraire des tissus de fruits immatures et cultiver un Silene stenophylla. Les plantes résultantes ont fleuri et étaient fertiles, selon une étude publiée par les chercheurs. Fait intéressant, ces plantes anciennes ressemblaient étonnamment à la version moderne qui pousse encore en Sibérie aujourd'hui.

Aujourd'hui, des chercheurs autrichiens vont encore plus loin en étudiant l'ADN de ces plantes préhistoriques. Ils cherchent à cartographier les génomes des plantes et à séquencer leur ADN pour voir comment les plantes ont pu survivre. Comme le pergélisol russe est en train de dégeler, ils sont également en mesure d'enquêter davantage sur l'environnement pour voir quels facteurs ont aidé les graines à rester viables.

Plus précisément, ils recherchent des adaptations à des conditions très chaudes, sèches ou humides qui pourraient les aider à voir comment d'autres plantes pourraient se protéger contre le changement climatique. «Je pense que l'humanité doit être reconnaissante pour chaque élément de connaissance que nous sommes en mesure de créer pour protéger nos terres cultivées», déclare le professeur Margit Laimer, biotechnologiste végétale à l'Université des ressources naturelles et des sciences de la vie de Vienne.

Les chercheurs cherchent à séquencer l'ADN de plantes issues de graines vieilles de 32 000 ans.

Silene stenophylla issu de graines anciennes

h / t: (Sky News)

Toutes les images via Sky News sauf indication contraire.

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Jessica Stewart est rédactrice et spécialiste des médias numériques pour My Modern Met, ainsi que conservatrice et historienne de l'art. Elle a obtenu sa maîtrise en études de la Renaissance à l'University College de Londres et vit maintenant à Rome, en Italie. Elle a cultivé une expertise en art de la rue qui a conduit à l'achat de ses archives photographiques par l'Encyclopédie italienne Treccani en 2014. Lorsqu'elle ne passe pas de temps avec ses trois chiens, elle gère également l'atelier d'un artiste de rue à succès. En 2013, elle est l'auteur du livre «Street Art Stories Roma» et a récemment contribué à «Crossroads: A Glimpse Into the Life of Alice Pasquini». Vous pouvez suivre ses aventures en ligne sur @romephotoblog.

Vente du 4 juillet dans My Modern Met Store: économisez 15% sur tous nos produits créatifs

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Vente du 4 juillet

Le 4 juillet est généralement une journée passée à griller et à suspendre au bord de la piscine. Si vos célébrations sont un peu différentes cette année, vous n’êtes pas seul – les nôtres aussi. Mais que vous regardiez des feux d'artifice dans le confort de votre salon ou que vous soyez éloigné socialement (et portant un masque) à l'extérieur, vous pouvez toujours profiter de la vente du 4 juillet de My Modern Met Store. Du 3 au 5 juillet, nous vous offrons 15% de réduction sur toute votre commande lorsque vous utilisez le code FABFOURTH à la caisse. Ne tardez pas; la remise se termine à 23h59 PDT.

Ressentez-vous le besoin de vous éloigner de tous les écrans de votre vie? Se détendre avec l'art analogique est l'un des meilleurs moyens de prendre une pause avec votre téléphone. Et mieux encore, c'est le moment idéal pour essayer l'un de nos nouveaux articles. L'entreprise basée à Portland, Elle Creé, crée des kits de peinture par numéro qui ont la nostalgie d'une activité d'enfance bien-aimée, mais ils sont conçus pour les adultes. Choisissez parmi une gamme de leurs magnifiques dessins, y compris des portraits de Frida Kahlo, des coquelicots dans un vase et un renard entouré de plantes de chicorée. Chaque kit comprend deux pinceaux et toutes les peintures dont vous aurez besoin pour réussir la pièce. Lorsque vous aurez terminé, vous disposerez d'une toile 8 "x 10" prête à être encadrée.

Parcourez notre sélection complète de produits créatifs en visitant My Modern Met Store. N'oubliez pas, utilisez le code FABFOURTH pour économiser 15% sur toute votre commande jusqu'à 23 h 59 HAP le 5 juillet. Et si vous dépensez plus de 100 $, l'expédition est à nous (pour les emplacements aux États-Unis uniquement).

My Modern Met Store offre une remise de 15% pour le 4 juillet. Utilisez simplement le code FABFOURTH du 3 juillet au 5 juillet 23h59 PDT.

Écharpe d'oiseau d'inspiration vintage

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Galison | 17,50 $

642 choses à dessiner Livre

Vente de la Saint-Valentin à My Modern Met Store

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Kit de peinture par numéros «Frida avec des fleurs» (fond turquoise)

Kit Peinture par numéros par Elle Cree

Elle Creé | 34,95 $

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Regardez Alicia Keys jouer des chansons nouvelles et classiques pour la série de concerts Tiny Desk de NPR

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Dans un monde plein d'incertitude, la musique peut parfois aider à apaiser nos esprits inquiets. Avec son talent indéniable, sa voix soul et sa chaleur, Alicia Keys est une artiste qui a la capacité de nous mettre à l'aise. Elle a récemment enregistré un Tiny Desk Concert pour NPR Music, et c'est exactement ce que nous devons entendre pendant ces moments difficiles.

Keys a enregistré la session en février, quelques semaines seulement avant le début de la pandémie mondiale. «Par une vive matinée de février, Alicia Keys, pleine d’effervescence, est entrée dans NPR par le quai de chargement avec un manteau en fausse fourrure jaune canari», se souvient Abby O’Neill de NPR. "Pendant notre trajet vers le quatrième étage, elle a plaisanté sur le fait qu'elle n'avait pas été invitée à jouer au Tiny Desk. Bien sûr, ce n'était pas tout à fait vrai. Nous avons travaillé d'arrache-pied pendant des années pour que ce moment se produise, et je peux dire sans réserve que cela valait la peine d'attendre. »

Enregistré en direct avec son groupe sur le plateau de NPR, Keys lance le set avec une version acoustique de son single de 2019, Montre moi ton amour. Elle demande au public de chanter les paroles, ce qui rend la performance encore plus intime. Keys joue également Parc Gramercy, une chanson de son prochain album éponyme, ALICIA. Il explique comment être désintéressé et s'inquiéter de la façon de rendre les autres heureux peut signifier que vous vous perdez dans le processus. Après avoir terminé ce qui devait être un ensemble de trois chansons avec son dernier single Underdog, Keys nous offre une belle version de son single de 2001, Fallin ’. Le rappel spécial a déclenché des commentaires en ligne, avec un fan écrivant: «Pouvons-nous tous juste apprécier le fait qu'elle peut tirer Fallin ’ dans sa poche arrière, le dépoussiérer comme un vieux disque et nous faire retomber amoureux. "

"Personne n'aurait pu prédire à quel point ses paroles et sa guérison musicale seraient cruciales pendant cette période émotionnellement chargée de troubles politiques et raciaux sans précédent, aggravée par trois mois de quarantaine en raison d'une pandémie mondiale", a déclaré NPR. "Le monde, maintenant plus que jamais, a besoin de plus d’amour, de réflexion et de responsabilité – un mantra qui est tissé dans chaque fibre de l’être d’Alicia Keys et dans chaque parole de ses chansons."

Regardez l'intégralité de la performance ci-dessous.

Alicia Keys a récemment enregistré un NPR Music Tiny Desk Concert, et c'est exactement ce que nous devons entendre pendant ces moments difficiles.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=uwUt1fVLb3E (/ intégré)

Alicia Keys: site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
NPR Music: Site Web | Facebook | Instagram | Twitter | Youtube
h / t: (Kottke)

Toutes les images via NPR Music.

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La NASA partage une spectaculaire vidéo accélérée de 10 ans du soleil

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(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=l3QQQu7QLoM (/ incorporé)

Nous avons vu des accélérations impressionnantes, mais rien ne se compare à ce que la NASA vient de publier. Une décennie en gestation, ce timelapse d'une heure couvre 10 ans de soleil. Assembler un nombre impressionnant de 425 millions d'images prises par le Solar Dynamics Observatory (SDO), Une décennie de soleil est un regard fascinant sur l'étoile au centre de notre système solaire.

Le travail est une célébration du travail de SDO, car il a commencé à surveiller le soleil en 2010. Grâce aux 20 millions de gigaoctets de données qu'il a collectées au cours d'une décennie, les chercheurs ont pu faire d'innombrables nouvelles découvertes sur le Soleil. Cela inclut des observations de tornades solaires qui tournent jusqu'à 186 000 miles par heure, des ondes plasma géantes qui se déplacent à environ 3 millions de miles par heure, et la découverte de nouvelles explosions magnétiques qui expliquent pourquoi l'atmosphère solaire est si chaude.

Compte tenu du fait que SDO prend une photo du Soleil toutes les 0,75 seconde, il y avait beaucoup de matériel à parcourir. Pour ce laps de temps de dix ans, la NASA a choisi de se concentrer sur les photos prises à une longueur d'onde de 17,1 nanomètres. Cette longueur d'onde ultraviolette extrême montre la couche atmosphérique la plus externe du Soleil – la couronne. En compilant une photo toutes les heures, la vidéo siffle d'une décennie entière en une heure.

Le résultat est un regard fascinant sur la couronne rougeoyante du soleil pendant sa rotation. La vidéo couvre un cycle solaire de 11 ans du 2 juin 2010 au 2 juin 2020. Au cours du laps de temps, il est possible de voir des planètes en transit, des éruptions et des éruptions solaires. Il y a quelques cadres sombres dans le mélange, qui sont le résultat du passage de la Terre et de la Lune devant le SDO et provoquant une brève éclipse. Il y a également une panne de courant plus longue qui s'est produite en 2016 lors d'un dysfonctionnement de l'équipement. Quelques images apparaîtront également décentrées, ce qui se produit lorsque le SDO calibre ses instruments. Mais sinon, la navigation est fluide.

Alors asseyez-vous, détendez-vous et profitez d'une décennie de soleil, accompagné de la bande originale du musicien Lars Leonhard, Observateur solaire.

La vidéo accélérée de la NASA sur le Soleil comprend des événements spéciaux comme le transit de Vénus en 2012 sur la face du Soleil.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=4Z9rM8ChTjY (/ intégré)

En août 2012, une énorme éruption a éclaté du bord inférieur gauche du Soleil, se déplaçant à 900 miles par seconde.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=GrnGi-q6iWc (/ intégré)

Vous pouvez également voir Mercure transiter à travers le Soleil en 2019, la dernière fois depuis 13 ans.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=0yNzSwlnQ2Q (/ intégré)

Observatoire de la dynamique solaire (SDO): Site Web | Facebook | Twitter
h / t: (PetaPixel)

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Le premier masque facial transparent enregistré auprès de la FDA au monde montre votre sourire tout en vous protégeant

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Masque transparent LEAF

Le port d'un masque facial peut nous garder en bonne santé, mais cela change certainement la façon dont nous interagissons en public. Du coup, un simple sourire amical n’est pas si facile à donner et à recevoir. Dans cette optique, le masque LEAF cherche à nous redonner notre identité expressive grâce à son masque transparent homologué FDA. Équipé d'un filtre N99 + HEPA, il existe trois modèles pour répondre à vos besoins: LEAF Hepa, LEAF UV et LEAF Pro.

«Nous avons conçu Leaf pour qu'il soit transparent afin que nous puissions être notre moi normal même en temps anormal», déclare l'équipe LEAF. Créés par Redcliffe Medical Devices dans le Michigan, les masques regorgent de fonctionnalités qui les rendent à la fois efficaces et conviviaux. Cela comprend un revêtement anti-buée permanent à l'intérieur qui rend le masque autonettoyant et aide votre sourire à rester visible à tout moment.

Deux des modèles, LEAF UV et LEAF Pro, sont même équipés d'une lumière UV-C intégrée dans le boîtier du filtre qui détruit les agents pathogènes au niveau de l'ADN. Cela permet au filtre HEPA d'être utilisable jusqu'à un mois. De plus, ils ont un revêtement antimicrobien et hydrophobe permanent à l'extérieur qui a été testé pour détruire 99,99% d'une grande variété de microbes. Et, comme niveau de protection supplémentaire, ils incluent un filtre à charbon.

Femme, porter, transparent, masque facial

Pour garder la vue du visage libre et claire, LEAF a intelligemment logé son système de filtre dans la zone du menton du masque. Les utilisateurs peuvent même décider s'ils préfèrent les courroies de tête ou les courroies d'oreille, ainsi que la couleur de la lèvre d'échappement et des soupapes d'admission.

Pour ceux qui aiment la technologie, le LEAF Pro fonctionne en tandem avec une application iOS / Android pour contrôler la ventilation et vérifier la qualité de l'air dans votre région immédiate. Il vous donnera également des informations sur votre métabolisme et vos niveaux de CO2.

La conception transparente de LEAF signifie qu'il n'est pas nécessaire de retirer votre masque facial pour utiliser la technologie de reconnaissance faciale de votre téléphone. Et cela signifie également que vous pouvez entrer dans n'importe quelle zone où votre identité doit être vérifiée, qu'il s'agisse d'un bâtiment du gouvernement ou des douanes de l'aéroport, tout en gardant votre masque en place. LEAF est également incroyable pour la communauté des sourds, car il permettra la lecture labiale et facilitera la communication.

Avec quatre tailles différentes disponibles, LEAF fonctionne pour tout le monde à partir de trois ans. À l'heure actuelle, LEAF est disponible via Indiegogo (à partir de 49 $), où il a déjà recueilli plus de 1,4 million de dollars.

LEAF est un masque facial transparent enregistré par la FDA avec une filtration à 99,99%.

Masque transparent LEAF

Trois modèles différents sont disponibles via Indiegogo.

Masque transparent LEAF

Découvrez pourquoi LEAF est à l'avant-garde de la technologie des masques faciaux.

LEAF: Site Web | Indiegogo | Twitter
h / t: (Conception Yanko)

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Cette tortue Punk Rock aux «cheveux» verts est menacée d'extinction en Australie

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Tortue de la rivière Mary

Photo: Photos de Rob Downer / Shutterstock

Nichée dans les eaux de la Mary River en Australie, dans le Queensland, se trouve une espèce unique de tortue d'eau douce – la Tortue de la rivière Mary. Ce spécimen spécial a divergé des autres espèces il y a 40 millions d'années. Pour une tortue aussi ancienne, curieusement, elles n'ont été correctement décrites par les scientifiques il y a 25 ans. Ces animaux en voie de disparition sont distincts à bien des égards, mais attirent peut-être le plus d'attention pour leur coiffure punk.

Les tortues de la rivière Mary ont souvent ce qui ressemble à une vadrouille verte. En réalité, leur crinière élégante n'est que des algues qui sont attachées à l'animal et cultivées en longs brins. Ces tortues constituent un lieu de débarquement préféré pour les algues car elles passent une grande partie de leur temps sous l'eau. C'est parce que des glandes spéciales lui permettent d'absorber l'oxygène avec son cloaque – l'ouverture pour la reproduction et l'excrétion. Cela signifie que la tortue de la rivière Mary peut passer jusqu'à trois jours sous l'eau sans jamais avoir à faire surface pour respirer.

Incroyablement, ces tortues ont été vendues en masse dans les animaleries au cours des années 1960 et 1970. En fait, on estime qu’environ 10 000 œufs par an ont été expédiés en 10 ans. À l'époque, on les appelait des «tortues penny». Finalement, le chercheur sur les tortues John Cann s'est intéressé aux origines de ces nouveau-nés et a cherché d'où ils venaient. Pendant 20 ans, il a cherché des pistes pour découvrir d'où venaient les tortues trouvées dans les animaleries de Victoria. Cela l'a finalement conduit à la rivière Mary et lui, avec le chercheur américain John Leggler, a décrit l'espèce en profondeur en 1994.

Malheureusement, l'énorme demande pour ces tortues comme animaux de compagnie est l'une des principales raisons de leur déclin. Ceci, associé à la perte d'habitat due à la construction de barrages, a été dévastateur pour la population. Comme les tortues de la rivière Mary arrivent à maturité assez tard, leur taux de reproduction n'a pas été en mesure de maintenir la population. Actuellement, il ne reste qu'environ 10 000 tortues de la rivière Mary dans la nature.

«La tortue met beaucoup de temps à atteindre sa maturité sexuelle, ce qui peut prendre de 25 à 30 ans», explique le biologiste Rikki Gumbs. "Comme leur vulnérabilité a été découverte tardivement, nous avons perdu toute une génération à cause du commerce des animaux de compagnie et maintenant leur population est devenue très petite."

Heureusement, une attention renouvelée a été portée sur la tortue de la rivière Mary en 2018 lorsque la Zoological Society London (ZSL) a publié sa liste EDGE de reptiles en voie de disparition. Les écologistes travaillent actuellement pour protéger l'espèce et faire remonter le nombre de ses populations.

Regardez cette rare séquence de la tortue de la rivière Mary nageant sous l'eau.

(incorporer) https://www.youtube.com/watch?v=GuACJj9deCc (/ incorporer)

h / t: (Fonctionnement des trucs, National Geographic)

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20 citations mémorables du regretté Milton Glaser pour inspirer le designer en vous

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Milton Glaser discute

Le légendaire designer Milton Glaser est décédé le jour de son 91e anniversaire le 26 juin 2020. Alors que le monde pleure la perte de ce visionnaire – qui est surtout connu pour le logo «I ❤️ NY» – il est réconfortant de savoir que son influence continuera de vivre dans le monde créatif.

En plus de concevoir la phrase inimitable sur la Big Apple, Glaser a aidé à fonder les influents studios Push Pin avec Seymour Chwast, Edward Sorel et Reynold Ruffins en 1954. Au cours des années 1960, Glaser a également produit une affiche psychédélique désormais emblématique de Bob Dylan (qui il reviendrait plus tard dans les publicités de l'émission de télévision Des hommes fous) Et cofondé Magazine de New York en 1968.

Tout au long de sa carrière longue et variée, Glaser a transmis sa sagesse dans les interviews, les discours, les documentaires et l'écriture. Ses conseils sont pertinents non seulement pour les designers mais aussi pour tous ceux qui ont une pratique créative. Certaines des citations les plus appréciées de Glaser vont au cœur de ce que signifie se lancer dans une conception ou une illustration. Il insiste sur la nécessité de s'entraîner (pour affiner votre métier), et peut-être surtout, ne pas avoir peur de l'échec. "Vous devez embrasser l'échec", a-t-il dit. Et dans un autre cas, "Échouez plus souvent afin de découvrir ce que vous êtes capable d'apprendre." En acceptant que tout ne réussisse pas, vous n'hésiterez pas à essayer quelque chose de nouveau.

Faites défiler vers le bas pour plus de sagesse de Glaser.

Inspirez-vous de votre propre pratique créative avec ces citations de Milton Glaser.

«Il y a trois réponses à un élément de conception: oui, non et WOW! Wow est celui à viser. "

«Résoudre n'importe quel problème est plus important que d'avoir raison.»

«La certitude est une fermeture de l'esprit. Pour créer quelque chose de nouveau, vous devez avoir des doutes. »

"Échouez plus souvent afin de découvrir ce que vous êtes capable d'apprendre."

"Vous devez embrasser l'échec."

«Le vrai problème n'est pas le talent en tant qu'élément indépendant, mais le talent en relation avec la volonté, le désir et la persévérance. Le talent sans ces choses disparaît et même un talent modeste avec ces caractéristiques grandit. »

«Nous sommes tous nés avec génie. C’est comme notre fée marraine. Mais ce qui se passe dans la vie, c'est que nous cessons d'écouter nos voix intérieures et que nous n'avons plus accès à cette extraordinaire capacité à créer de la poésie. »

"Je ne veux pas dire que je suis concepteur de produits. J'ai essayé toute ma vie de ne pas être catégorisé, d'apprendre quelque chose puis de l'oublier. "

«La conception est le processus consistant à passer d'une condition existante à une condition préférée. Observez qu'il n'y a aucun rapport avec l'art. "

«Les ordinateurs doivent être conçus comme les micro-ondes pour cuisiner.»

"Tout ce que vous n'êtes pas censé faire au début de votre vie professionnelle – transgressivité, arbitraire et violation des attentes – vous semble plus attrayant à la fin de votre vie professionnelle."

«Concevoir, c'est communiquer clairement par tous les moyens que vous pouvez contrôler ou maîtriser.»

Sur les imitations «I ❤️ NY»: «Je les aime tous… vous travaillez parce que vous voulez toucher le monde. J'ai fait quelque chose qui a touché beaucoup de gens. »

"Quelqu'un a dit – et je pense que c'est l'un des principes du New Age, mais je pense aussi que c'est vrai – que si vous percevez l'univers comme étant un univers d'abondance, ce le sera. Si vous pensez à l'univers comme à celui de la rareté, ce sera le cas. J'ai toujours pensé qu'il y avait assez de tout pour faire le tour – qu'il y avait assez d'idées dans l'univers et assez de nourriture. »

"Nous regardons toujours, mais nous ne voyons jamais vraiment."

«Le design est simplement de la planification. Ma définition du design est la suivante: il passe d'une position existante à une position préférée. C'est tout. "

«Je pense que ce qui me fait de la chance, c'est que je suis toujours étonné – que les choses m'étonnent encore. Et je pense que c'est un grand avantage d'être dans les arts, où la possibilité d'apprendre ne disparaît jamais; où vous devez essentiellement admettre que vous ne l'apprenez jamais. "

«Je m'intéresse de plus en plus aux mots, car je pense que les mots sont des images. Je ne vois pas de séparation entre les mots et les images. Je pense que les trois bons mots peuvent créer autant d'images que n'importe quel film. »

«La prochaine fois que vous verrez un travail en 16 couleurs, estampé à l'aveugle, estampé à l'or, découpé, soigneusement plié et relié, imprimé sur du papier fait à la main, voyez si ce n'est pas une idée médiocre d'essayer de passer pour autre chose. "

"Juste assez, c'est plus."

h / t: (DesignTAXI)

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"Plant Daddy" avec plus de 300 plantes d'intérieur offre sa meilleure astuce pour cultiver une jungle intérieure

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Cyril Sontillano Parent de planteCyril Sontillano Parent de plante

Vous imaginez-vous comme quelqu'un avec un pouce vert? Si vous prenez soin de quelques plantes, vous savez à quel point elles peuvent être difficiles – chaque type de flore a une manière spécifique dont elle aime être soignée. Cyril Sontillano ne le sait que trop bien. Alors que beaucoup de gens ont une poignée de plantes d'intérieur, ce «papa végétal» a plus de 200 espèces différentes de plantes d'intérieur. Toute sa collection comprend plus de 300 plantes d'intérieur et 70 plantes d'extérieur, et il ajoute à sa famille chaque semaine.

Des plantes tropicales aux cactus en passant par les fougères, l'espace étonnant de Sontillano est une oasis de verdure. Son intérieur luxuriant a des plantes en pot sur les sols et les murs, et il y a des feuilles partout où vous tournez. Certains sont de petits planteurs qui sont blottis les uns contre les autres tandis que d'autres sont des espèces géantes qui font la déclaration que Sontillano a passé des années à cultiver. Chacun a sa place dans sa maison.

La tendance de la décoration intérieure «jungle intérieure» est tentante, mais avant de le faire, Sontillano a quelques conseils. «Je dirais qu'avant de commencer à prendre soin des plantes, il doit y avoir beaucoup de choses à considérer», dit-il à My Modern Met. «Votre temps, votre dévouement au passe-temps, vos ressources et votre volonté de profiter du voyage. Ce ne serait pas tout le succès, vous rencontrerez également des difficultés telles que vos plantes qui luttent pendant l'hiver, les ravageurs ou votre maison n'est pas seulement propice à la croissance de cette plante. Vous apprenez en cours de route et vous n'avez qu'à profiter du processus. C'est un passe-temps amusant et cela me donne beaucoup de joie et de bonheur. "

Devenir parent de plante a les mêmes considérations que prendre soin de tout autre organisme vivant. «Les plantes sont très sensibles aux soins et même à la négligence», explique-t-il. «Je prends personnellement le temps de prendre soin de mes plantes car c'est à la fois ma passion et mon hobby. C'est tellement gratifiant de voir une nouvelle croissance et des fleurs dans vos plantes, sorte d'équivalent à voir votre enfant marcher pour la première fois ou obtenir son diplôme universitaire. Une comparaison si bizarre pour les autres, mais c'est ce que je ressens. "

Cyril Sontillano est un parent végétal qui compte plus de 300 plantes d'intérieur et 70 plantes d'extérieur.

Plantes d'intérieurPlantes d'intérieurPlantes d'intérieurPlantes d'intérieur

Il y a des plantes partout où vous vous tournez.

Cyril Sontillano Parent de la plantePlantes d'intérieurCyril Sontillano Parent de la planteCyril Sontillano Parent de la plantePlantes d'intérieurCyril Sontillano Parent de la plantePlantes d'intérieurPlantes d'intérieurCyril Sontillano Parent de planteCyril Sontillano Parent de planteCyril Sontillano Parent de la planteCyril Sontillano: Instagram | Facebook | Youtube

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Cyril Sontillano.

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L'artiste de broderie coud des insectes et des fleurs colorés avec des détails de peinture

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Broderie à l'aiguille par Emillie Ferris

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Inspirée par «la nature, la magie et tout ce qui est fantastique», l'artiste textile britannique Emillie Ferris coud des motifs de broderie représentant des papillons, des papillons de nuit, des abeilles et des fleurs. Elle a commencé à broder en 2013 et a depuis développé un style qu'elle appelle «la peinture à l'aiguille». Chaque motif coloré est rendu à l'aide de points longs et courts, similaires aux traits de peinture. L'artiste autodidacte explique: "C'est essentiellement comme peindre sur une toile, mais plutôt que d'utiliser de la peinture, vous utilisez du fil."

Les motifs de broderie de Ferris sont souvent basés sur des illustrations entomologiques d'époque, qu'elle réinvente ensuite en fil. «J'adore essayer d'imiter un sentiment de romantisme dans mes broderies», dit-elle. «J'aime étudier de nombreuses références de l'objet que je souhaite broder. Par exemple, j'ai dû enregistrer des centaines de photos de référence et regarder de nombreuses vidéos du papillon morpho bleu, avant de peindre numériquement le papillon dans Photoshop, puis de transférer le motif sur le tissu et de donner vie au papillon avec tant de nuances de fil bleu. Je ne pouvais pas les compter. "

Des papillons vibrants et des abeilles buzzy floues aux champignons magiques et aux fleurs fabuleuses, Ferris capture ses sujets avec des détails incroyables. Chaque pièce cousue à la main est vraiment un travail d'amour, mais Ferris ne garde pas ses talents artistiques pour elle seule. Elle vend ses motifs de broderie sur Etsy, vous pouvez donc répliquer ses créations à la maison.

Faites défiler vers le bas pour découvrir certains des motifs de broderie de Ferris et acheter vos propres motifs et motifs de bricolage sur Etsy.

L'artiste textile britannique Emillie Ferris coud des motifs de broderie inspirés de «la nature, la magie et tout ce qui est fantastique».

Broderie à l'aiguille par Emillie Ferris

Ses papillons, papillons de nuit, abeilles et fleurs sont rendus à l'aide d'innombrables points longs et courts, semblables aux coups de pinceau picturaux.

Broderie à l'aiguille par Emillie Ferris

Les résultats colorés sont si détaillés, il est difficile de croire qu'ils sont tous cousus à la main!

Broderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisBroderie à l'aiguille par Emillie FerrisEmillie Ferris: Site Web | Facebook | Instagram | Etsy

My Modern Met a autorisé l'utilisation des photos d'Emillie Ferris.

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Art de carte par Ed Fairburn

Commencer par une page blanche peut être écrasant pour n'importe quel artiste, c'est pourquoi Ed Fairburn a adopté une toile inhabituelle. Il réutilise de vieilles cartes, les transformant en de beaux portraits très détaillés. En fusionnant paysage et humanité, Fairburn nous rappelle que nous sommes un produit de notre environnement – et vice versa.

Fairburn passe souvent des heures à étudier le terrain de la carte avant de commencer son processus artistique. Il utilise ensuite des matériaux traditionnels, tels que l'encre, la peinture ou le crayon, pour extraire lentement les traits du visage des routes, des rivières et des contours montagneux en apportant des modifications progressives à la carte. L'artiste talentueux appelle son procédé «topopointillisme» et le décrit comme un «mélange direct de topographie et de pointillisme». Tout comme une peinture au pointillisme, les portraits de Fairburn semblent abstraits de près; mais de loin, le spectateur est capable de voir le sujet humain émerger des schémas topographiques.

Tout comme les montagnes et les collines sont dessinées avec des lignes de contour sur une carte, Fairburn rend les traits du visage élevés, tels que les pommettes et le nez, de la même manière. Des centaines de lignes courbes dessinées à la main dans divers tons de noir et de gris permettent à chaque portrait d’apparaître comme en trois dimensions – comme si la forme humaine existait vraiment dans le paysage.

Nous avons brièvement rencontré Fairburn pour en savoir plus sur son processus. Lisez la suite pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Art de carte par Ed FairburnQu'aimez-vous le plus dans le dessin sur des cartes?

J'aime la nature éphémère des cartes, la gamme de types de papier, les grammages, les textures, même l'odeur. Il n'y a jamais deux surfaces identiques. Parfois, c'est dommage, car parfois je trouve un type de papier que j'aime vraiment, pour ne plus jamais le retrouver sur une autre carte. J'adore la façon dont les cartes vieillissent et montrent leur utilisation au fil du temps. À cet égard, les vieilles cartes sont un support très indulgent, contrairement à une toile blanche impeccable. C'est en quelque sorte accueillant, comme une paire de chaussures qui a été portée. Vous ne pouvez pas vraiment vous tromper avec les marques que vous faites – du moins pas au tout début d'un dessin, qui est souvent la partie la plus intimidante pour tout artiste.

Art de carte par Ed FairburnOù trouvez-vous vos cartes?

Naturellement, je suis devenu un collectionneur de cartes, donc de nos jours je trouve souvent ce que je recherche dans mon studio – je pense qu'il est important d'avoir des ressources à portée de main. Pour moi, un tiroir plein de cartes est un placard de magasin de papier et d'autres supports. Au fil des ans, j'ai collecté des cartes provenant d'un certain nombre d'endroits: des magasins de charité, d'anciennes librairies et de nombreux endroits en ligne également. Esthétiquement, je sais ce que j'aime et je sais ce qui fonctionne. J'ai développé un temps de réaction remarquable pour sélectionner des cartes d'intérêt, une sorte de double prise, que je navigue sur des cartes dans un magasin ou que je regarde quelque chose à la télévision. Si je vois une carte, je passe automatiquement en revue toutes les possibilités dans ma tête. Trouver des cartes pour des emplacements spécifiques (généralement des travaux commandés) est à peu près le même processus, juste un peu plus ciblé. Je pense que l'expérience joue également un grand rôle. J'en suis maintenant à un point où je peux ignorer ou enquêter sur une carte basée uniquement sur la couverture. Étant donné que les cartes peuvent être difficiles à déplier et à replier, cela m'a fait gagner beaucoup de temps et d'embarras.

Art de carte par Ed FairburnPouvez-vous décrire votre processus? Voyez-vous habituellement où le visage s'adaptera tout de suite?

En bref, oui, je vois du potentiel, mais il n'y a jamais de «sens unique» ou de placement correct par paysage. Comme tout peintre traditionnel, je recherche une composition forte. Je vois où le poids du portrait devrait reposer en fonction du cadre de la géographie – il s'agit d'équilibrer le paysage et la figure, sans ruiner non plus. Je commencerai toujours par étudier la carte par rapport à la figure, en esquissant mentalement tous les résultats possibles. En fin de compte, mon processus consiste à harmoniser deux structures dans un espace physique. Tout d'abord, au sens très large, à la recherche d'ancres, de similitudes ou de formes à synchroniser; et deuxièmement, affiner le processus, détourner les informations sur la carte et apporter des modifications graduelles pour affirmer la figure. Chaque fois que je doute d'une partie du dessin, mon instinct a tendance à suivre ce que le paysage veut faire.

Art de carte par Ed FairburnCombien de temps prend la pièce moyenne?

Cela peut vraiment varier en fonction de la taille et de la complexité (et à quel point je m'inquiète du résultat final avant de l'appeler terminé), mais du début à la fin, généralement de quelques jours à quelques mois. J'ai quelques cartes dans mon studio sur lesquelles je travaille depuis quelques années, mais pour un travail plus ciblé, si je baisse la tête, je peux généralement voir l'achèvement en quelques séances.

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My Modern Met a accordé la permission de présenter des images d'Ed Fairburn.

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Un microbiologiste fait une démonstration simple pour montrer l'efficacité des masques faciaux

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Démonstration des bactéries du masque facial

Photo: Richard Davis

Parfois, avoir un visuel est la meilleure façon de comprendre quelque chose. Cela est particulièrement vrai en ce qui concerne la science. Et comme le port d'un masque facial fait désormais partie de notre routine quotidienne, de plus en plus de personnes se demandent si cela compte vraiment. Alors que l'été s'installe et se réchauffe, dans quelle mesure le fait de porter une autre couche sur votre visage vous protégera-t-il vraiment? Un microbiologiste a pris les choses en main pour montrer ce qui se passe lorsque vous restez couvert.

Dr. Richard Davis est le directeur du laboratoire de microbiologie clinique au Providence Sacred Heart Medical Center à Spokane, Washington. Après avoir vu beaucoup de désinformation sur les dangers et l'utilité des masques faciaux, il a décidé de faire une démonstration.

Dans la première démo, il a placé des cultures d'agar près de son visage pour montrer combien de particules respiratoires se sont transférées en parlant, en chantant, en éternuant et en toussant avec et sans masque facial. Les résultats sont clairs. Un seul éternuement sans masque remplit la culture de colonies de bactéries qui se forment là où les gouttelettes respiratoires sont tombées. La toux a donné un effet similaire et même chanter et parler pendant une minute a provoqué un transfert de bactéries. Pendant ce temps, les cultures masquées étaient fondamentalement propres.

Pour la deuxième démonstration, le Dr Davis a examiné la distance, car il s'agit de l'autre méthode courante pour empêcher le coronavirus de se propager. Plaçant les plaques de culture bactérienne à deux, quatre et six pieds de distance, il a toussé dur pendant environ 15 secondes avec et sans masque. Encore une fois, les résultats sont clairement en faveur d'un masque facial. Alors que la plupart des gouttelettes ont frappé la plaque lorsqu'il était à moins de six pieds de distance, un masque facial les a presque toutes bloquées, quelle que soit la distance.

Donc, on dirait que les masques sont deux pour deux. Bien sûr, Davis nous rappelle que ces démonstrations ne montrent pas la propagation de virus comme COVID-19. "Bacteria est incroyablement différent des virus! Mais puisque nous nous attendons à ce que les gouttelettes respiratoires soient ce qui se propage principalement #COVID-19[FEMININE, J'exploite la présence (facile à cultiver et à visualiser) de bactéries dans les gouttelettes respiratoires, pour montrer où elles vont » explique.

De nombreux adeptes du Dr Davis ont demandé si les résultats seraient différents s’il testait différents types de masques. Bien qu'il ne l'ait pas essayé, il a dit qu'il s'attendrait à ce que le résultat soit "essentiellement le même". C'est parce que ses démonstrations montrent comment parler, éternuer, etc. font sortir des gouttelettes de votre bouche et que ces gouttelettes portent des bactéries. Ils montrent également comment un visage couvrant bloque la plupart de ces gouttelettes.

Lorsque les gens veulent connaître l'efficacité de différents types de masques, ils recherchent essentiellement des informations sur la quantité de virus bloquée. Ce n'est bien sûr pas ce que le Dr Davis a testé. Il n'a regardé que les bactéries et a ensuite déduit que les virus seraient également inclus dans le mélange. Mais nous ne savons pas quelle quantité de virus ou quel type de virus.

Dans l'ensemble, avec un simple geste, le Dr Davis nous montre à quel point la quantité de liquide sort de nos bouches, même en parlant simplement. Et, il montre clairement que l'utilisation d'un masque bloquera presque tout ce liquide. Compte tenu de ce que nous savons sur la propagation du coronavirus, cette raison n'est-elle pas suffisante pour garder votre masque facial à portée de main?

Le Dr Richard Davis a mené deux démonstrations sur la façon dont les masques faciaux bloquent les particules respiratoires.

Dans le premier, il a parlé, chanté, toussé et éternué avec et sans masque facial. Les points sur les cultures sont des colonies bactériennes.

Démonstration des bactéries du masque facial

Photo: Richard Davis

Dans le second, il se tenait à différentes distances avec et sans masque. Le gagnant est clair: les masques faciaux réduisent la propagation des gouttelettes.

Démonstration des bactéries du masque facial

Photo: Richard Davis

Même si ces démos se concentrent sur les bactéries, elles offrent des indications claires sur la quantité de gouttelettes respiratoires que l'on libère dans l'air qui pourraient également transporter des virus comme COVID-19.

h / t: (Buzzfeed)

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Une femme découvre un cristal qui ressemble à un poulet

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Cristal qui ressemble à un poulet tendre

Photo: Amber Rude / Énergies imbattables

Qui savait qu'un cristal pouvait être si bon à se lécher les doigts? Amelia Rude l'a découvert lorsqu'elle a découvert un cristal inhabituel à ajouter à sa collection. Rude dirige Unbeadable Energies, une entreprise de bijoux en pierres précieuses, et possède une vaste collection de plus de 700 cristaux, mais elle n'a jamais pensé qu'une de ses découvertes finirait par devenir virale.

Après avoir remarqué que le cristal ressemblait à un poulet tendre, Rude a posté la photo sur le subreddit @forbiddensnacks. Ensuite, les choses ont pris leur vie quand un Publication sur Twitter a fait bouger les choses avec plus de 53 000 retweets et 284 000 likes.

Bien que le cristal semble assez bon pour tremper dans la sauce barbecue, il est en fait assez immangeable. Alors que regardons-nous ici? Selon Rude, c'est un amas de calcite rouge. Ce minéral de carbonate de calcium est l'un des minéraux les plus courants sur terre et est la base du marbre et du calcaire. Connu pour former des cristaux massifs, ce minéral est également censé améliorer l'énergie en libérant les blocages du corps.

Apparemment, ce cristal n'est pas le seul à se déguiser en une délicieuse gâterie. Twitter est maintenant rempli de cristaux qui ressemblent à tout, du gâteau au fromage aux tranches de jambon. Quant à Rude, elle apprécie le succès inattendu de son cristal «tendre de poulet». "Je savais que cela jouait un poulet frit assez convaincant", dit-elle, "donc je m'attendais à ce qu'il obtienne un millier de votes positifs, mais j'ai été surpris quand il a décollé comme il l'a fait."

Ce cristal ressemble tellement à un poulet tendre, il est difficile de résister à une bouchée.

Calcite rouge qui ressemble à un poulet tendre

Photo: Amber Rude / Énergies imbattables

Après avoir été posté sur Twitter, le cristal est devenu viral.

Étonnamment, beaucoup de cristaux ressemblent à de la nourriture. Voici quelques exemples supplémentaires.

h / t: (UNILAD)

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8 faits intéressants sur Raphaël, maître de la Renaissance italienne

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Autoportrait Raphael

«Autoportrait» de Raphaël. 1504-1506. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Lors de la liste des grands artistes de la Renaissance italienne, il est impossible de ne pas penser à Raphael. Il était un enfant prodige amené à Rome au milieu de la vingtaine par le pape et confié la tâche de peindre certaines des salles les plus importantes du Vatican. Des peintures à l'huile et des fresques aux tapisseries en passant par l'architecture, Raphaël était un artiste qui maîtrisait tout ce qui lui était jeté. Il n’est pas étonnant que lui, avec Michel-Ange et Léonard de Vinci, soit responsable de l’évolution de cette époque de l’histoire de l’art.

Dans sa courte vie, Raffaello Sanzio di Urbino laissé un héritage incroyable. Il a rapidement déménagé de sa petite ville d'Urbino au cœur de la Renaissance – Florence – avant d'être appelé à Rome, où il passerait le reste de sa vie. Pendant son séjour à Rome, il fera sensation, charmera ses clients et récoltera des commissions à travers la ville.

Après sa mort en 1520, sa réputation n'a fait qu'augmenter avec le temps. Son art était considéré comme incarnant la beauté idéale de la Renaissance et considéré comme quelque chose à imiter par les générations futures. En fait, jusqu'au tournant du XXe siècle, la popularité de Raphaël a largement dépassé celle de Michel-Ange et de Léonard. Aujourd'hui, le travail de Raphaël est toujours apprécié pour son équilibre de ligne, de couleur et de composition. En fait, ses quatre Stanze, peint pour le pape Jules II, sont des moments forts pour les millions de personnes qui visitent le Vatican à Rome chaque année.

Faites défiler vers le bas pour en savoir plus sur l'artiste prolifique qu'est Raphaël.

Sainte Catherine d'Alexandrie par Raphaël

«St. Catherine d'Alexandrie »par Raphaël. 1507. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Apprenez-en plus sur la vie et l'art du peintre italien de la Renaissance Raphaël.

Il est considéré comme l'un des maîtres de la Haute Renaissance

La réputation de Raphaël était déjà cimentée de son vivant et ne s’est accrue qu’après sa mort. Ses contributions au développement de l'art ont été immédiatement reconnues et lui – avec Michel-Ange et Léonard de Vinci – est toujours considéré comme l'un des plus grands maîtres de la Renaissance italienne.

Il était admiré pour son talent artistique complet, qui l'a vu exceller dans la peinture d'histoire, la peinture religieuse et le portrait. Sa maîtrise de la composition et de la couleur continue d'influencer à ce jour.

Portrait de Guidobaldo Montefeltro

«Portrait de Guidobaldo da Montefeltro» de Raphaël. c. 1506. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Il a grandi entouré de culture

Aujourd'hui, lorsque l'on pense à la Renaissance italienne, de grands centres comme Florence et Venise viennent à l'esprit. Mais il y avait de nombreuses villes à travers l'Italie qui étaient également des centres artistiques florissants grâce aux petites cours. C'est le cas d'Urbino, la ville natale de Raphaël, où le mercenaire Federico da Montefeltro a régné en tant que duc de 1444 à 1482. Sous son règne, Urbino a prospéré en tant que centre de culture et d'apprentissage.

Bien que Montefeltro mourrait avant la naissance de Raphaël, son héritier Guidobaldo da Montefeltro et sa femme Elisabetta Gonzaga continueraient son héritage tout au long de la jeunesse de Raphaël.

Son père était peintre

Raphael avait de l'art dans le sang. Son père, Giovanni Santi, était un peintre de la cour dans la ville natale de Raphaël. En tant que tel, Raphael a probablement passé ses années de formation en contact avec le tribunal. Santi a peint des retables et des portraits pour la cour d'Urbino, mais est décédé lorsque Raphaël avait 11 ans. Cela l'a laissé orphelin, sa mère étant décédée alors qu'il n'avait que huit ans.

Raphael était probablement trop jeune pour avoir repris une grande partie de sa pratique artistique de son père, mais il a certainement acquis une grande appréciation pour les arts et l'humanisme dès son plus jeune âge.

«Mariage de la Vierge» de Raphaël. 1504. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Un maître de la première Renaissance était son professeur

À l'âge de 17 ans, Raphael était déjà considéré comme un artiste pleinement formé, mais il n'était pas encore prêt à commencer sa propre pratique. Au lieu de cela, il a suivi le chemin standard des artistes à l'époque et est devenu assistant dans un atelier établi.

Dans le cas de Raphaël, cela signifiait déménager dans la ville de Pérouse et travailler pour l'un des plus grands maîtres de la première Renaissance – Pietro Perugino. Perugino a été l'un des premiers à adopter la peinture à l'huile et a trouvé le succès en travaillant pour le pape Sixte IV pour peindre les murs de la chapelle Sixtine.

Le style primitif de Raphaël imite étroitement Pérugin, mais Raphael a rapidement dépassé son maître. En fait, Perugino a été initialement demandé par le pape Jules II pour peindre la strophe de l'Incendio del Borgo au Vatican. Cependant, il a rapidement été abandonné pour Raphaël, dont le style le pape a préféré. Ce choix aurait un grand impact sur la carrière de Raphaël – cette salle fait partie de ce qui est maintenant collectivement appelé les Chambres Raphaël et comprend l'emblématique École d'Athènes.

École d'Athènes Détail

Détail de Michel-Ange comme Héraclite dans "L'école d'Athènes" de Raphaël

Michel-Ange était son rival

Au moment où Raphaël est arrivé à Rome en 1508, Michel-Ange avait déjà travaillé dur pour le pape Jules II pendant trois ans. Huit ans de Raphael et déjà établi dans sa carrière, Michel-Ange a fini par travailler à côté du jeune parvenu. Raphaël a été immédiatement mis à contribution pour la plus grande commande de sa carrière, la bibliothèque du Pape de la Stanza della Segnatura. Dans le même temps, Michel-Ange travaillait à proximité du plafond de la chapelle Sixtine.

La technique de peinture de Raphaël a suscité beaucoup d'attention et d'éloges, au grand dam de Michel-Ange. Cela a déclenché une intense rivalité entre les artistes, car Michel-Ange pensait que Raphaël le copiait stylistiquement. À son tour, Raphaël a peint Michel-Ange dans l'École d'Athènes en tant que philosophe boudeur Héraclite.

La Fornarina par Raphael

«La Fornarina» de Raphaël. 1518-1519. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Il avait une personnalité charmante

Contrairement à Michel-Ange, qui était connu pour sa nature maussade et maussade, Raphael est connu pour sa charmante personnalité. Sa manière affable a peut-être été cultivée pendant son temps entouré par la cour d'Urbino et l'a certainement bien servi. Non seulement cela lui a valu une bonne réputation auprès de l'élite qui a commandé son travail, mais cela a également fait de lui un grand leader pour sa propre équipe d'artistes.

Apparemment, son charme l'a également rendu très populaire auprès des dames. Grâce à Raphael qui ne s'est jamais marié, il est connu pour avoir eu de nombreux amants. Margherita Luti, la fille d'un boulanger, est l'une des femmes les plus anciennes de sa vie. Son portrait d'elle, La Fornarina, aurait été dans son atelier à sa mort et se trouve maintenant au musée Palazzo Barberini à Rome.

Le feu dans le Borgo par Raphael

"Le Feu dans le Borgo" peint par les assistants de Raphaël d'après ses dessins. 1517. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Il avait beaucoup d'assistants

Une fois que Raphaël est devenu un maître à part entière, il a construit un studio de 50 assistants qui était assez impressionnant. Comme c'était une pratique courante à l'époque, ses assistants étaient bien formés pour prendre ses dessins et les transformer en pièces finies en son nom.

Raphaël dirigeait une machine bien huilée, ce qui l'a aidé à avancer sur ses plus importantes commandes. En tant que chef de l'équipe, il déléguait le travail et s'assurait que la qualité correspondait à ses normes. L'efficacité de l'équipe signifiait qu'ils étaient en mesure d'exécuter les commissions sur lesquelles Raphaël travaillait au moment de ce décès. En fait, la Sala de Constantin au Vatican n'a même pas commencé avant la mort de Raphaël. Au lieu de cela, ces peintures sont l'œuvre des meilleurs assistants de Raphaël, Giulio Romano, Gianfrancesco Penni et Raffaellino del Colle, qui les ont exécutés d'après ses créations

Pape Julius II par Raphael

«Pape Julius II» de Raphaël. c. 1512. (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Il est mort jeune

Raphael a mis beaucoup de vie dans sa courte vie. Il est décédé à son 37e anniversaire pour des raisons qui ne sont pas tout à fait claires. Les historiens ont répertorié la pneumonie, les maladies pulmonaires et l'épuisement dû au surmenage comme théories possibles. Quelle que soit la raison, sa mort prématurée a été une tragédie.

Dans les deux semaines qui ont précédé son décès, il a mis de l'ordre dans ses affaires et a demandé à être enterré au Panthéon. Après un grand enterrement qui a réuni une foule nombreuse – y compris le Pape – sa demande a été acceptée et il est toujours possible de visiter sa tombe aujourd'hui.

La Transfiguration par Raphael

«La Transfiguration» de Raphaël. 1520 (inachevé). (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

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Ces magnifiques kits de peinture par numéros vont déclencher un nouveau passe-temps créatif

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Kit Peinture par numéros par Elle Cree

Avez-vous déjà essayé de «peindre par des nombres» quand j'étais enfant? Tout comme les livres à colorier, ces kits sont de retour et conçus pour les adultes. Le studio basé à Portland, Elle Créée – dont le nom se traduit par «elle crée» en français – a imaginé une série de kits de peinture par numéros de qualité artistique qui déclencheront votre prochain passe-temps créatif.

Que vous souhaitiez vous plonger dans l'illustration ou le portrait botanique, ces kits tout compris ont tout ce dont vous avez besoin pour commencer. le Oiseau sur une branche de fleur de cerisier comporte une conception exquise d'un oiseau bleu serein reposant sur une branche d'arbre en fleurs. Utilisez l'ensemble de huit peintures acryliques et deux pinceaux à côté des instructions étape par étape pour créer votre propre rendu aux couleurs pastel en quelques heures seulement. Ou, si vous aimez les plantes succulentes, vous pouvez ajouter une autre plante verte charmante à votre collection avec le Succulentes dans un bol à clous kit de toile.

Les fans de Frida Kahlo peuvent suivre les traces du peintre en complétant le Frida avec des fleurs portrait. Ce kit coloré célèbre le style emblématique de l'artiste, y compris sa couronne de fleurs par excellence, ses bijoux tendance et ses vêtements à motifs ornés. De plus, pour atténuer vos soucis créatifs, la toile 8 "x 10" fournie est livrée avec un fond pré-imprimé d'art populaire mexicain turquoise ou jaune. Accrochez la peinture terminée pour apporter une touche de Frida à votre décoration intérieure.

Faites défiler vers le bas pour voir ces kits de peinture par numéros exquis et rendez-vous sur My Modern Met Store pour acheter plus de projets de bricolage.

Commencez à faire de l'art avec ces kits de peinture par numéros tout compris.

Oiseau sur une branche de fleur de cerisier Kit de peinture par numéros

Kit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle Cree

Renard à la chicorée Kit de peinture par numéros

Kit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle Cree

Frida avec des fleurs (Fond turquoise) Kit de peinture par numéros

Kit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle Cree

Frida avec des fleurs (Fond jaune) Kit de peinture par numéros

Kit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle Cree

Coquelicots dans un vase Kit de peinture par numéros

Kit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle Cree

Succulentes dans un bol à clous Kit de peinture par numéros

Kit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle CreeKit Peinture par numéros par Elle Cree

Procurez-vous l'un de ces charmants kits de peinture par numéros dans My Modern Met Store!

Elle Créée: Site Web | Facebook | Instagram

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Un biologiste marin brave l'eau froide pour photographier des créatures marines peu connues

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Méduse à crinière de lion par Alexander Semenov

Biologiste marin et photographe, Alexander Semenov est spécialisé dans la vie sous l'eau. En particulier, il se concentre sur les invertébrés et depuis plus de 10 ans, il fait de la plongée sous-marine pour capturer leur beauté à travers son objectif. Explorant souvent l’eau froide en tant que chef de l’équipe de plongée scientifique de la station biologique de la mer Blanche de l’université d’État de Moscou de Lomonosov, le travail de Semenov est impitoyable.

Bravant les conditions difficiles, il est capable d'explorer la vie marine dans son cadre naturel. Cela lui donne la possibilité d'observer ces animaux d'une manière qui serait impossible dans un environnement de laboratoire. «Nous sommes comme des naturalistes du XIXe siècle, mais avec les technologies du XXIe siècle, nous observons la nature», explique Semenov à My Modern Met. "Jacques-Yves Cousteau a dit un jour:" Qu'est-ce qu'un scientifique après tout? C'est un homme curieux qui regarde à travers un trou de serrure, le trou de la nature, essayant de savoir ce qui se passe. "Mon trou de serrure est un viseur de caméra.

«Il y a des centaines de milliers de créatures absolument incroyables dans l'océan mondial qui surprennent même les biologistes marins les plus expérimentés. L'océan est un univers parallèle, un autre monde habité par des créatures étonnantes. Beaucoup de ces créatures sont si douces et éphémères que même une seule touche peut être le dernier événement de leur vie. Il est extrêmement difficile et parfois tout simplement impossible de les étudier en laboratoire. "

Ctenophora Beroe

En utilisant une technologie de pointe, Semenov est en mesure de partager ses observations avec la communauté scientifique et le grand public, ce qui motive son travail. Quels que soient les défis à relever, il utilise ses 13 années d'expérience en plongée pour obtenir les photos qu'il recherche. La faible visibilité, les températures extrêmes et les forts courants ne sont que quelques-uns des éléments qu'il combat pour obtenir la photographie parfaite.

Mais au final, cela en vaut la peine pour aider à faire la lumière sur la diversité de la vie sous l'eau. «Au cours des deux mille dernières années, nous avons découvert un peu plus de 234 000 espèces d’organismes marins, et selon les estimations des scientifiques, cela ne représente que 8 à 15% de ce qui vit réellement dans les océans. Cela signifie que quelque part dans les profondeurs, il y a deux à trois millions d'espèces qui n'ont jamais été vues par les yeux humains. Déjà. Nous ne savons même pas à quoi ils pourraient ressembler!

«Cependant, la plupart des gens ne connaissent même pas l'apparence de nombreuses créatures que les scientifiques connaissent déjà. Tout le monde connaît les requins, les baleines, les poulpes, les méduses et certains autres grands animaux marins, qui ont fait leur chemin dans les films et les encyclopédies. Mais la personne moyenne n'a jamais entendu parler de salpes, de siphonophores, de gelées en peigne, d'appendiculaires, d'ascidies et de bien d'autres. Mon travail vise à montrer un monde complètement différent plein de choses étranges et follement intéressantes. »

Le biologiste marin et photographe Alexander Semenov est spécialisé dans les photos d'invertébrés d'eau froide.

Stomphia CoccineaPhotographie sous-marine par Alexander SemenovCoryphella Polaris par Alexander SemenovSiphonophore HippopodiusPhotographie sous-marine par Alexander SemenovCephalopoda Lolligo vulgaris

Depuis plus de 13 ans, il utilise les dernières technologies pour révéler la beauté de ces animaux peu connus.

Fish Underwater par Alexander SemenovPhotographie sous-marine par Alexander SemenovMéduse à crinière de lion par Alexander SemenovLa vie marine sous-marine par Alexander SemenovLa vie marine sous-marine par Alexander SemenovHydrozoan Jellyfish par Alexander SemenovLa vie marine sous-marine par Alexander Semenov

Regardez ses expériences de plongée alors qu'il était coincé sur l'île italienne de Ponza pendant le verrouillage du coronavirus.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=pRbZvGaLKWg (/ intégré)

Alexander Semenov: site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Alexander Semenov.

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Les masques faciaux sont-ils dangereux? Les scientifiques démystifient certains mythes courants

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Mythes sur les dangers des masques faciaux

Photo: Stock Photos de Dragana Gordic / Shutterstock

Alors que les gens du monde entier s’adaptent au port de masques faciaux, en particulier dans des pays comme les États-Unis où ce n’était pas une pratique courante, certaines questions se sont posées concernant leur sécurité. Il est donc peut-être temps d'en apprendre un peu plus sur le fonctionnement réel des masques faciaux.

Alors que différents mèmes et publications Facebook affirmant que les masques faciaux peuvent réduire votre consommation d'oxygène et augmenter votre inhalation de dioxyde de carbone circulent, il vaut la peine d'éliminer les idées fausses. Il suffit de regarder la mécanique d'un masque facial pour comprendre que, même en cas d'utilisation prolongée, les utilisateurs ne courent aucun danger.

En fait, ni le CDC ni l'Organisation mondiale de la santé n'ont envoyé d'avertissement contre l'utilisation de masques faciaux. Les deux recommandent des couvre-visages comme une méthode efficace pour aider à ralentir la propagation du coronavirus. Les seules recommandations contre les masques faciaux sont destinées aux enfants de moins de deux ans, aux personnes qui ont des problèmes respiratoires et aux personnes inconscientes qui ne peuvent pas retirer leur masque.

Sinon, il n'y a pas de contre-indication pour glisser sur votre masque. Pour ceux qui s'inquiètent des niveaux d'oxygène, il n'y a pas lieu d'avoir peur. Les masques faciaux sont faits de matériaux poreux, qu'il s'agisse de masques en tissu ou chirurgicaux. Cela permet à l'air de circuler librement à travers le tissu tout en rendant plus difficile le passage des gouttelettes respiratoires responsables de la propagation du coronavirus. Cela signifie que les porteurs peuvent respirer normalement et ne pas craindre que la barrière entraîne un risque accru d'hypoxie, c'est-à-dire lorsque les niveaux d'oxygène dans les tissus sont insuffisants.

Les masques faciaux sont-ils dangereux?

Photo: Stock Photos de Danilova Janna / Shutterstock

«Cette désinformation peut provenir de la sensation de manque d'air due à une obstruction mécanique selon le type d'embout buccal que nous utilisons. Mais le sentiment d'obstruction est dû au fait que nous n'avons pas l'habitude d'utiliser le masque buccal. Mais en tant que tel, il ne nous causera aucune hypoxie », explique le Dr Daniel Pahua Díaz, un universitaire du Département de santé publique de la faculté de médecine de l'Université nationale autonome de Mexico.

Mais qu'en est-il du dioxyde de carbone? Il est à craindre qu'en expirant dans un masque, les gens font circuler ce dioxyde de carbone vers eux lorsqu'ils prennent leur prochaine respiration. La crainte est que cela entraîne alors une hypercapnie, une toxicité du dioxyde de carbone. Encore une fois, nous devons ici regarder le matériau poreux du masque facial. Ceci, associé au fait que le grand public ne porte pas de masques faciaux pendant des heures, rend les chances que cela se produise très peu probables.

"Le CO2 s'accumulera lentement dans le masque avec le temps", a déclaré le CDC à Reuters. "Cependant, le niveau de CO2 susceptible de s'accumuler dans le masque est généralement tolérable pour les personnes qui y sont exposées … Il est peu probable que le port d'un masque provoque une hypercapnie."

Alors que le CDC admet que les respirateurs N95, qui sont recommandés pour une utilisation par des professionnels de la santé, peuvent avoir une accumulation de CO2, les porteurs ont juste besoin d'enlever le masque pour qu'il se dissipe. Et encore une fois, comme l'accumulation est très lente, il est très peu probable que ce soit un problème pour les personnes utilisant des masques faciaux lors des courses ou pour rencontrer des amis.

Il convient également de noter que dans certains pays, en particulier au Japon et en Chine, les masques faciaux ont été la norme bien avant le coronavirus. Donc, ce n'est pas parce que c'est nouveau pour certains que c'est dangereux. Bien au contraire, les avantages l'emportent largement sur les éventuels inconvénients.

h / t: (Mental Floss, USA Today)

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RIP Milton Glaser: Hommage à l'homme qui a créé l'emblématique logo «I Heart NY»

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I Heart NY Milton Glaser Designer Dead

Photo: Stock Photos de Lewis Tse Pui Lung / Shutterstock

Avec le décès de Milton Glaser, le monde a perdu une légende. Le célèbre graphiste est décédé de causes naturelles le 26 juin, son anniversaire. Il avait 91 ans. Plus connu pour son emblématique «je ❤ New York”, Le natif de New York a contribué à façonner notre vision de la Big Apple. Mais en dehors de ce logo, il était également connu pour son affiche de Bob Dylan et pour sa co-fondation Magazine de New York.

Glaser, qui a fait l'objet du documentaire de 2018 I Heart NY, est né dans le Bronx d'immigrants juifs hongrois. Fasciné par les arts depuis qu'il était enfant, il a finalement obtenu son diplôme de Cooper Union et a travaillé pour plusieurs entreprises de design graphique avant de démarrer la sienne.

Au début de sa carrière, en 1966, Glaser a été invité à concevoir une affiche pour Les plus grands succès de Bob Dylan. L’affiche désormais emblématique montre le profil de Dylan en silhouette avec ses cheveux remplis de couleurs tourbillonnantes. Glaser s'est inspiré d'un autoportrait de Marcel Duchamp et a adapté l'inspiration pour qu'elle corresponde à la culture psychédélique de l'époque. Ce travail est maintenant dans la collection du MoMA.

Deux ans plus tard, Glaser et le journaliste Clay Felker fondent Magazine de New York. Le magazine s'est rapidement imposé comme un phare pour le nouveau journalisme et a été fortement imité à la fois pour son style et son design audacieux. Alors que Glaser a quitté le magazine en 1977, sa plus grande réussite était encore à venir.

La même année, alors qu'il était assis à l'arrière d'un taxi, Glaser a esquissé le logo qui allait faire sa carrière. On lui avait demandé d'aider à créer quelque chose qui générerait plus de tourisme pour New York et attirer l'attention sur ses problèmes financiers et le crime qui sévissait. Serré et propre, le design de Glaser a empilé «I» et un cœur rouge au-dessus de «NY».

Jamais dans son rêve le plus fou n'a-t-il pensé que le design, inspiré des sculptures LOVE de Robert Indiana, aurait l'impact qu'il aurait fait. "Je pensais que ça allait durer deux semaines", a-t-il dit une fois. «Assez étrangement, cela a fonctionné. Cela a fonctionné parce que c'était une véritable expression des sentiments des gens. Ils voulaient le dire: «J'adore New York». »

Glaser a ensuite offert le design à la ville, espérant que cela profiterait à l'endroit qu'il aimait tant. Depuis sa création, l'ode de Glaser à New York a orné des millions de t-shirts, tasses, épingles, cartes postales et bien plus encore. Après le 11 septembre, Glaser a même réorganisé le logo. Son «je ❤ NY More than Ever »arborait des bords noirs sur le cœur et symbolisait la force de sa ville bien-aimée.

"J'ai vécu dans d'autres endroits, mais il n'y a pas d'autre endroit pour moi", a-t-il déclaré. The Village Voice en 2011. «Professionnellement, il n'y a pas d'autre endroit avec la même opportunité. Aussi difficile que ce soit, il est toujours là. Si vous êtes quelqu'un comme moi, où le travail est au cœur de votre identité et de ce que vous faites, c'est l'endroit où cela se passe. Au cours des 100 dernières années, peut-être plus, ce fut le lieu de la plus grande opportunité pour ceux qui veulent quelque chose de profondément dans leur vie. »

Le travail sur le logo de Glaser ne s’arrête cependant pas là. Ceux qui ont un œil attentif reconnaîtront son travail de logo pour la brasserie Brooklyn et l'Université Stoneybrook. De plus, son logo pour DC Comics a été utilisé pendant près de 30 ans jusqu'à sa suppression en 2005.

Glaser laisse dans le deuil son épouse Shirley et son héritage continuera à vivre grâce à son travail de conception.

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Un café parisien utilise des ours en peluche géants pour assurer une distance sociale

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Café parisien utilisant des ours en peluche géants pour assurer la distanciation sociale. de r / pics

D'un café allemand utilisant des chapeaux de nouilles de piscine à un restaurant néerlandais hébergeant ses clients dans des serres personnelles, les établissements du monde entier réfléchissent à des moyens innovants de s'adapter aux réglementations en matière de distanciation sociale. L'idée la plus récente avec une pensée créative vient de Paris, où un café utilise des ours en peluche géants pour séparer ses clients.

Une photo de la terrasse extérieure d'un café parisien a été partagée récemment en ligne, présentant l'idée du génie. Chaque personnage en peluche est assez grand pour occuper un siège entier, garantissant que les autres, les convives humains peuvent rester à 1 mètre l'un de l'autre (3,2 pieds), ce qui est actuellement la distance recommandée en France.

Bien sûr, l'idée du roman a suscité quelques commentaires drôles sur Reddit, y compris un utilisateur qui a écrit: «Vous voulez quelque chose à manger? Non merci, je suis en peluche. " Une autre personne a écrit: «Rend le tout un peu plus supportable…» Nous pouvons être d'accord avec cela!

Ce café parisien utilise des ours en peluche géants pour s'adapter aux réglementations de distanciation sociale.

Voici comment d'autres établissements à travers le monde maintiennent leurs clients à distance.

h / t: (Reddit)

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Une femme transforme les notes quotidiennes de son beau-père en meilleur cadeau de fête des pères des années plus tard

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Notes encadrées pour la fête des pères par Sophia Wilcox

Si vous êtes quelqu'un qui garde en main des articles sentimentaux tels que des talons de billets et de vieilles lettres, vous êtes sûr de vous rapporter à une femme du Maryland nommée Sophia Wilcox. Depuis qu'elle était une petite fille, son beau-père, Brian Sandusky, épinglait une note inspirante à sa porte tous les jours avant d'aller au collège. Maintenant, 6 ans plus tard, elle a décidé de rembourser son geste aimable en encadrant les souvenirs manuscrits pour la fête des pères.

"Au collège, mon beau-père me laissait chaque jour une note sur ma porte pour m'inspirer", a écrit Wilcox sur Twitter. "Eh bien, j'ai gardé ces notes et ça fait 6 ans depuis. Aujourd'hui, je lui ai rendu ces notes. » Wilcox a posté une vidéo de son beau-père ouvrant les notes encadrées, qui sont disposées autour d'une photo des deux. Elle capture le moment réconfortant où Sandusky se rend compte de ce qu'il regarde. Visiblement étouffé, il dit: «Ce sont toutes vos notes.»

Wilcox a passé environ une journée à assembler le cadeau réfléchi. Elle dit: «Je suis une grosse ventouse des cadres photo comme cadeaux, donc quand je me suis souvenue des notes, j'ai réalisé que je voulais les encadrer d'une manière ou d'une autre.» Après que l'appareil photo ait été éteint, la paire a relu les notes avec admiration, notant qu'il n'y avait pas de doublons – chaque message quotidien était différent.

Pour la fête des pères, Sophia Wilcox a encadré les notes de son beau-père qu'elle a conservées depuis le collège et les a rendues en cadeau.

Sophia Wilcox: Twitter
h / t: (Reddit)

Toutes les images via Sophia Wilcox.

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Des portraits dorés scintillants célèbrent la beauté des cheveux noirs dans le style des peintures de Gustav Klimt

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Photographie d'art par Tawny Chatmon

L'artiste basée sur la photographie Tawny Chatmon célèbre la beauté des cheveux noirs à travers sa série scintillante intitulée La rédemption. La collection de portraits présente des jeunes portant leurs cheveux dans un éventail de styles – il n'y en a pas deux pareils. Mais dans cette variété, le même fil visuel est tissé à travers chaque pièce mixte. Chatmon peint sur les photos pour décorer les enfants avec des accessoires et des tenues éblouissantes en or 24 carats.

Chaque accent doré évoque la sensation d'une peinture de Gustav Klimt, dans laquelle les tons jaunes brillants sont ponctués de minuscules formes bleues, rouges et violettes. Cet hommage au travail du peintre autrichien est intentionnel, et Chatmon espère que les téléspectateurs feront instantanément le lien. «Visuellement, l'utilisation de l'or et des éléments décoratifs par Klimt a suscité en moi de forts sentiments de grâce, de magnificence et de beauté lors de ma première découverte de son travail et est restée dans mon esprit subconscient depuis», explique-t-elle dans un communiqué sur la série. "De même, ce sont les émotions que je cherche à susciter chez le spectateur de La rédemption. "

Les attitudes envers une peinture Klimt sont souvent nettement différentes des opinions exprimées sur les types et les styles de cheveux qui sont caractéristiques des Noirs. "Alors que nous célébrons et décorons fièrement ces styles avec des perles, des barrettes et d'autres accessoires dans le cadre de nos normes culturelles, ils continuent d'être étiquetés comme inacceptables", écrit Chatmon. «Dans les écoles du monde entier, il existe des règles qui prévoient que les cornrows, les conceptions de coiffeur, les perles de cheveux, les afros, les locs et les styles de protection utilisent les extensions de cheveux comme des« violations du code vestimentaire ». , exclusion des activités parascolaires et expulsion. " La rédemption ne cherche pas la validation des cheveux noirs, de la culture et de la tradition, mais l'affirme plutôt à travers ces magnifiques œuvres d'art.

Tawny Chatmon crée une photographie artistique qui célèbre la beauté des cheveux noirs dans un style semblable à une peinture de Gustav Klimt.

Photographie d'art par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny Chatmon

Chaque portrait est orné d'accents dorés.

v "width =" 750 "height =" 1151 "srcset =" https://mymodernmet.com/wp/wp-content/uploads/2020/06/tawny-chatmon-gold-portraits-6.jpg 750w, https: //mymodernmet.com/wp/wp-content/uploads/2020/06/tawny-chatmon-gold-portraits-6-195x300.jpg 195w, https://mymodernmet.com/wp/wp-content/uploads/2020 /06/tawny-chatmon-gold-portraits-6-667x1024.jpg 667w "tailles =" (largeur max: 750px) 100vw, 750px "/><img class=Photographie artistique par Tawny ChatmonPhotographie d'art par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny ChatmonPortraits artistiques par Tawny ChatmonPortraits artistiques par Tawny ChatmonPhotographie artistique par Tawny ChatmonTawny Chatmon: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Tawny Chatmon.

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IKEA dévoile la «maison de demain» pour inspirer la durabilité en tant qu’oasis urbaine remplie de plantes

Maison IKEA remplie de plantes

IKEA regarde vers l'avenir avec un nouveau design de maison. Situé dans un bâtiment abandonné de 120 ans en Pologne, le IKEA Home of Tomorrow est un regard novateur sur la vie urbaine. Grâce à l'intégration de la nature, l'équipe derrière la conception enseigne au public comment vivre de manière plus durable dans un environnement zéro déchet.

En considérant la maison comme un organisme vivant, la conception relie les espaces en faisant circuler les déchets, l'eau, la nourriture et d'autres ressources. Plus de 600 usines ont rempli l'espace de 2 700 pieds carrés, conçu par les designers polonais Joanna Jurga, Paulina Grabowska et Justyna Puchalska. Ils se sont inspirés d’une étude d’IKEA qui estime que 70% de la population mondiale vivra dans les villes d’ici 2050. En réponse, ils montrent au public comment vivre en ville peut encore signifier être en contact avec la nature.

Les herbes, les légumes, les fruits et les champignons sont tous cultivés dans l'espace pour montrer comment la culture alimentaire peut se produire en milieu urbain. En employant différents types de jardinage, de la culture hydroponique à l'agriculture sans sol, ils sont en mesure de démontrer facilement un large éventail de possibilités.

Maison durable remplie de plantes

La maison est divisée en différents espaces publics qui comprennent un atelier où le public peut apprendre à réparer ou à modifier des articles ménagers. Cela permettra aux gens de renouveler leurs meubles existants sans créer de déchets excessifs. Il y a aussi un coin cuisine spécial où les employés d'IKEA consulteront les propriétaires sur la façon de rendre leurs cuisines respectueuses de l'environnement.

Si vous cherchez à vous détendre, un salon minimaliste a une particularité. La pièce est éclairée par Home Sun, une installation qui imite la lumière du soleil. Conçu pour vous donner un coup de pouce d'énergie, c'est l'une des deux installations dans l'espace. L'autre, composé de 100 ampoules TRÅDFRI, explore les effets de la couleur sur le corps.

IKEA Home of Tomorrow sera ouvert au public jusqu'au début de 2021, lorsque le magasin IKEA de Szczecin ouvrira ses portes. D'ici là, il sera utilisé pour des ateliers et des discussions sur les pratiques durables.

IKEA Home of Tomorrow est une maison conceptuelle conçue en pensant à la vie urbaine durable.

Maison IKEA de demainMaison IKEA de demainSemis dans la maison IKEA de demainMaison moderne remplie de plantesMaison IKEA de demainSalon moderne confortableChampignon dans la maison IKEA de demainMaison IKEA de demainMaison IKEA de demainMaison moderne conçue par IKEAMaison IKEA de demainMaison IKEA de demain: site Web | Facebook | Instagram
h / t: (demeurer)

Toutes les images via IKEA.

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Des sculptures humaines réalistes sont submergées dans le musée sous-marin de la Grande Barrière de Corail [Interview]

Coral Greenhouse par Jason deCaires Taylor

Depuis plus de 10 ans, le sculpteur Jason deCaires Taylor consacre sa pratique artistique à la mise en valeur et à la conservation du monde sous-marin. Il a créé des musées sous-marins en Europe et diffusé son art dans les Caraïbes, et son dernier projet l’emmène dans le plus célèbre écosystème marin de la Terre.

La Grande Barrière de Corail d'Australie est le plus grand récif de corail du monde et, désormais, Taylor contribuera à mieux faire connaître sa beauté grâce à son travail avec le Museum of Underwater Art (MOUA).

En collaboration avec des scientifiques de l'Université James Cook et de l'Institut australien des sciences marines, Taylor a passé des années à obtenir des autorisations pour installer le premier récif artificiel dans ces eaux. Le résultat est Serre de corail, une collection de sculptures sous-marines hyperréalistes inspirées par la jeunesse de la communauté. Ce sont ces jeunes que Taylor espère s’engager et prendre au sérieux leur rôle de futurs conservateurs de ce précieux écosystème.

Ce travail est couplé avec Ocean Siren, une sculpture interactive qui se dresse comme un phare juste au-delà de la jetée Strand de Townsville. Sortant de l'eau, la figure a été inspirée de Takoda Johnson, 12 ans, une fille indigène locale de la tribu Wulgurukaba dont les familles possédaient autrefois des terres locales. La sculpture change de couleur en conjonction avec les températures de l'océan et a été rendue possible grâce à une étroite collaboration avec les scientifiques.

En fusionnant l'art, la science et la conservation, le Museum of Underwater Art veut amener plus de gens dans ces eaux. Et en augmentant la sensibilisation à la Grande Barrière de Corail et à l'incroyable corail qui prospère encore dans de nombreuses régions, ils espèrent inspirer de plus grands efforts de conservation. Les plans de construction du musée sont en cours. Taylor créera deux autres installations pour le projet, bien que les premières parties du musée devraient ouvrir au public sous peu.

Nous avons eu la chance de parler avec Taylor de cet important projet et de ses expériences avec la communauté locale. Lisez la suite pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Musée d'art sous-marin en AustralieVous avez travaillé dans de nombreux environnements océaniques. En quoi le travail dans la Grande Barrière de corail était-il différent?

Il y a évidemment beaucoup, beaucoup de choses différentes. C’est la première fois que je travaille vraiment dans l’océan Pacifique, et juste la variété et la diversité de la vie y sont parmi les meilleures au monde. Les différents types de coraux et d'espèces marines sont tellement incroyables – il y a tellement de couleurs, de formes et de formes. C'était un immense privilège de travailler là-bas, et c'est quelque chose qui est une de mes ambitions personnelles depuis un certain temps.

La trajectoire et l'ambition du projet étaient également très différentes. Auparavant, travaillant dans les Caraïbes, il n'y avait pas autant de récifs. Ils sont plus petits et assez fragiles. Et les objectifs visaient à éloigner les gens des zones naturelles et à créer ce récif artificiel. Alors que travailler dans la Grande Barrière de Corail, c'est une structure si vaste et si infinie, il n'y a pas de problème avec le sur-tourisme et les chiffres à fort impact et vous n'avez pas besoin de détourner les gens de là. Donc, il avait une sorte d'objectif différent.

Il s'agissait davantage d'amener plus de gens à aller le voir, car il a connu un certain blanchiment au cours des dernières années, mais principalement dans les parties nord, et les deux tiers sont toujours incroyablement vierges et beaux, mais il y a cette idée fausse qu'il est en train de mourir ou c'est déjà mort. Ce n'est pas le cas. En fait, la zone où nous avons construit le musée possède certains des meilleurs coraux que j'ai jamais vus de ma vie, donc nous voulions que les gens le voient et nous voulions aider à motiver les gens à vouloir le conserver.

Sculptures sous-marines dans la grande barrière de corailComment est née la collaboration avec le Museum of Underwater Art?

J'ai commencé à Townsville, dans le Queensland, qui abrite l'un des plus grands laboratoires de recherche marine au monde – l'Université James Cook – ainsi que l'AIMS (Australian Institute of Marine Science). C'est une véritable plaque tournante pour la science.

Les biologistes marins locaux Paul Victory et Adam Smith, qui suivent mon travail depuis un certain temps, étaient très intéressés par la façon de mieux communiquer la science et de manière plus générale. Donc, ils m'ont contacté pour la première fois il y a près de quatre ans et cela s'est lentement développé à partir de là. Ce fut un projet assez long. En travaillant sur la Grande Barrière de Corail, nous avons dû faire une quantité incroyable de recherches et la demande d'autorisation était l'une des plus compliquées à laquelle j'ai jamais participé. C'était quelque chose de relativement nouveau pour les autorités, il a donc fallu trois ans pour en arriver là.

Ocean Siren par Jason deCaires TaylorIl est intéressant de noter que le projet a été lancé par des scientifiques. Évidemment, votre travail mêle un peu l'art et la science. Cela est particulièrement évident ici avec le Ocean Siren sculpture qui accueille les gens de Townsville. Comment ce concept s'est-il réuni?

Je me suis beaucoup intéressé aux moyens de raconter des histoires sur le milieu marin en ligne et dans les environnements urbains – en le mettant dans le genre d'espaces où les gens ne sont pas vraiment connectés à l'océan. Et j'aime vraiment cette idée que quelque chose qui se passait sous l'eau, loin de la Grande Barrière de Corail, mais qui pouvait être ressenti en temps réel et vu par tout le monde.

Comment avez-vous travaillé avec des scientifiques pour donner vie à votre vision?

C’est en fait une idée que j’ai depuis un certain temps, mais je n’ai pas pu la mettre en œuvre juste parce que je n’ai pas trouvé le bon endroit et les aspects techniques étaient assez compliqués. Mais, évidemment, Townsville était l'endroit parfait car il y a déjà des stations météorologiques positionnées sur beaucoup de différentes parties de la Grande Barrière de Corail et ces stations surveillent la température de l'eau, la salinité… beaucoup de mesures différentes. Il m'a donc été possible de le faire en travaillant avec l'Institut AIMS pour connecter ces données, puis les partager sur la sculpture.

Ocean Siren par Jason deCaires TaylorC'est vraiment merveilleux parce que, comme vous l'avez dit, il est parfois difficile pour les gens de donner un sens à ces données intangibles, et avec la sculpture, ils sont capables de voir visuellement ce qui se passe sous la surface d'une manière assez belle.

J'ai été vraiment inspiré par une citation de Gus Speth, conseiller américain pour l'environnement et le changement climatique: «Je pensais que les principaux problèmes environnementaux étaient la perte de biodiversité, l'effondrement des écosystèmes et le changement climatique. Je pensais que 30 ans de bonne science pourraient résoudre ces problèmes. J'avais tort. Les principaux problèmes environnementaux sont l'égoïsme, la cupidité et l'apathie, et pour y faire face, nous avons besoin d'une transformation culturelle et spirituelle. Et nous, les scientifiques, nous ne savons pas comment faire. "

Je pense que le monde a changé au cours des dernières années et où l'on pourrait penser que le bon sens ou la logique et les faits prévaudraient, ils ne l'ont pas. On pourrait dire que les gens sont beaucoup plus influencés par des arguments émotionnels et spirituels qu'ils ne le sont derrière des faits et des chiffres.

Sculptures sous-marines dans la grande barrière de corail

Certes, les arts visuels ont la capacité de puiser dans les émotions des gens et peut-être de les amener à s'impliquer davantage dans une cause sociale dont ils ne se seraient peut-être jamais souciés autrement. Je sais que vous avez essayé de faire participer le public lorsque vous avez organisé des ateliers avec la communauté locale. Comment cela s'est-il passé et avez-vous atteint ce que vous attendiez?

La plupart des modèles de projets que j'ai réalisés font donc partie d'ateliers communautaires. Je pense que c'est une partie vraiment importante du processus. La communauté locale devient les sculptures; ils deviennent ambassadeurs ou gardiens du récif. Et je pense que c'est vraiment critique pour eux, en particulier les enfants qui grandissent. Ils ont l'impression d'avoir un sentiment d'appartenance et un sens des responsabilités pour protéger le récif.

En Australie, je voulais vraiment m'assurer que la communauté indigène était représentée dans les œuvres d'art. Il était donc très important de faire participer la communauté locale et d'en faire partie. En réalité, Ocean Siren était une jeune fille indigène dont la famille est la propriétaire traditionnelle de la terre. Elle regarde la mer et elle regarde également l'île de son arrière-grand-père.

Musée d'art sous-marin en AustralieComment la vision globale de Serre de corail venir ensemble?

L'un des objectifs primordiaux était que nous voulions que les jeunes soient inspirés et fascinés par les sciences marines. Et vouloir avoir un intérêt actif pour la santé du récif et pouvoir l'explorer de manière ludique et dynamique.

L'un des grands objectifs était de créer cet espace englobant de nombreux domaines, d'être non seulement un espace pour l'art et la culture mais uniquement sur les sciences marines et de l'utiliser comme un portail ou un point d'accès pour explorer la Grande Barrière de Corail.

Art de remorquage de bateau à la grande barrière de corail

Photo: Richard Woodgett

Vous avez donc déjà mentionné que l'autorisation était un gros obstacle. Mais à part cela, quels ont été les autres défis que vous avez rencontrés avec cette installation?

Ouais, c'était assez difficile. Il y a beaucoup, beaucoup de facteurs. L'un d'eux étant l'occurrence de gros cyclones sur la Grande Barrière de Corail. Il a donc fallu planifier les structures d'un cyclone de catégorie quatre, ce qui a été très difficile, très difficile à faire, surtout avec l'ampleur du projet.

C'est aussi, je pense, à environ 70 kilomètres (43 miles) du rivage, ce qui est très long, surtout lorsque vous remorquez des centaines de tonnes d'œuvres d'art. Il nous a fallu 16 heures pour y arriver.

Il y avait donc des défis, mais il y avait aussi des choses très utiles. J'ai eu beaucoup de chance en Australie d'avoir une aide logistique incroyable, les opérateurs là-bas – les machines et les grues – l'expérience là-bas est vraiment inégalée. Il a une histoire de plongée très riche. J'ai donc eu de la chance à bien des égards.

Sculptures sous-marines par Jason deCaires Taylor

Photo: Richard Woodgett

Donc, pour les personnes qui ne comprennent pas comment ces choses fonctionnent, pouvez-vous partager un peu comment ces installations finissent par fournir un bon habitat pour la vie marine?

Sûr. Alors prenez le Serre de corail, par exemple, il est situé sur une parcelle de sable dans une sorte de canal sous-marin à la partie nord du récif. Il est balayé par un courant riche en nutriments qui est un endroit idéal pour les coraux et la vie marine de s'épanouir.

Parce que la sculpture est assez haute, elle couvre toutes les différentes zones de la colonne d'eau. Et donc, dans les parties inférieures, nous avons tous ces différents espaces d'habitat pour la vie marine. Cela comprend une série d'établis et de modules qui ont un type différent d'espace creux adapté à différents types de créatures. Certains trous sont donc très petits et permettent simplement aux juvéniles de pénétrer à l'intérieur et d'être protégés. Certains d'entre eux sont beaucoup plus grands pour les crustacés et les espèces plus grandes. Et donc toute cette zone sous l'extrémité inférieure, elle crée cet habitat de récif artificiel – une zone où les poissons peuvent frayer et se réfugier.

Ensuite, à mesure que la structure remonte, elle commence à pénétrer dans le type de zone à fort courant où il y a beaucoup de nutriments qui traversent l'eau. Et de cette partie, il offre un très bon substrat pour toutes les différentes espèces qui sont des filtreurs qui extraient tous les nutriments de l'eau. Donc, tous les différents types de coraux durs et mous ou de crinoïdes, ils peuvent tous s'attacher à la structure et commencer à la tamiser pour la nourriture. Il devient une grande communauté d'arbres. Les espèces plus petites attirent très rapidement les espèces plus grandes qui sont alors antérieures à elles, donc, en très peu de temps, vous obtenez un système de récif très sain qui tourne autour d'elle.

Musée d'art sous-marin de TownsvilleQu'espérez-vous que les gens retirent de votre travail au musée en Australie?

Tout d'abord, j'espère que les gens qui viennent à Townsville feront le voyage et iront voir la Grande Barrière de Corail en soi. Où il est positionné, comme je l'ai mentionné, il se trouve en fait à côté de certains des récifs les plus spectaculaires que j'ai vus. J'espère donc que les gens sortiront et plongeront et plongeront et verront à quel point le récif est incroyable et combien il est beau et divers, et verront également comment nous pouvons réellement vivre dans une sorte de relation symbiotique en harmonie avec la nature. Ce n'est pas une question de conquérants du monde naturel, c'est bien plus une question d'interconnexion. J'espère que les gens repartiront avec ce genre de sens.

Sculptures de récifs artificiels par Jason deCaires Taylor

Photo: Richard Woodgett

Je sais donc que les choses pourraient être en pause pour le moment, mais quelle est la prochaine étape pour vous?

J'étais à mi-parcours avec quelques projets différents. Par exemple, le projet Australie n’était pas terminé, je dois donc revenir. Et nous sommes en train d'installer, je pense, 4 000 coraux dans la serre. Nous voulons également étendre le projet à Palm Island, qui est une très belle île juste au large de la côte et abrite une grande communauté indigène. L'idée est de créer des œuvres d'art à grande échelle pour la communauté tout en contribuant à créer plus d'emplois locaux et à stimuler l'économie. Nous planifions cela depuis deux ans et nous avons levé les fonds pour cela. Nous sommes en train de décider de la conception avec la communauté locale. Le projet australien comporte en réalité quatre phases. Nous avons terminé les deux premiers, il nous en reste donc encore deux.

Jason deCaires Taylor: site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Jason deCaires Taylor.

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Un photographe compile plus de 100 photos de Chicago dans un livre 20 ans en devenir

Chicago Skyline de Fullerton Avenue par Barry Butler

Depuis plus de 20 ans, le photographe Barry Butler s'inspire de la ville de Chicago. Amoureux de ses toits, le photographe né en Irlande et basé à Chicago est devenu célèbre pour ses incroyables photographies de la métropole. Maintenant, il a rassemblé son travail dans le livre, Chicago: une ville avant tout.

Sur 124 pages, Butler met en évidence certaines des vues les plus spectaculaires de Chicago dans cet hommage à la ville qui l'a inspiré. Fait intéressant, l’amour de Butler pour la photographie est dû à un coup du sort qui s’est produit lorsqu’il s’est cassé la clavicule lors d’un match de hockey. Il n'a pas pu utiliser l'un de ses bras pendant huit mois et a passé ce temps à s'enseigner lui-même la photographie.

Ces jours-ci, Butler passe ses heures à poursuivre sa passion et tourne dans le monde entier. Mais pour lui, il n'y a pas de meilleur endroit pour la photographie que la Windy City. «J'espère que les gens se rendent compte que Chicago est la plus jolie ville d'Amérique», explique Butler à My Modern Met. "Depuis le lac, par dessus la ligne d'horizon, depuis la rivière, depuis un toit, depuis le côté sud, depuis le côté nord, depuis le côté ouest, Chicago est magnifique sous tant d'angles."

Tous ces angles sont présentés dans le livre de Butler, qui est une vitrine pour ses photos méticuleusement recherchées. Ses images sont généralement planifiées au moins 24 heures à l'avance; certaines photos prennent des mois de préparation s'il attend des conditions météorologiques particulières.

Ce travail le met au défi, même si l'une de ses photographies préférées s'est produite alors que son projet devait sortir par la fenêtre. «Il y a quelques années, j'ai pris une photo sur l'avenue Fullerton le long du lac à l'automne. Je savais que j'avais quelques minutes où les feuilles seraient bien mises en valeur en fin d'après-midi bientôt », se souvient Butler. «Alors que j'alignais mon cliché, un monsieur a continué à marcher d'avant en arrière devant ma composition. Je n'en étais pas trop content, mais je gardais mon mécontentement pour moi. Eh bien, il a décidé de s'asseoir sur un banc qui était dans ma composition. J'ai recomposé l'image. Boom, il a fait le coup. Cette photo me rappelle qu'il faut être patient – les choses vont s'arranger. »

Chicago: une ville avant tout est disponible exclusivement via le site Web de Butler. Chaque copie sera signée, mais agissez rapidement, car ils se vendent rapidement. Nous espérons que le premier livre de Butler n'est que le début d'une série beaucoup plus longue explorant les centaines de milliers de photographies qu'il a capturées de cette ville magique.

Depuis plus de 20 ans, Barry Butler prend des photos mémorables de Chicago.

Chicago City Skyline Over LakePrendre des photos au bord d'un lac avec deux chiensChicago la nuit avec une pleine luneFeux d'artifice à Chicago

Son premier livre contient plus de 100 de ses meilleures images de Chicago.

Chicago, une ville avant tout par Barry ButlerBarry Butler: site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Barry Butler.

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Apprenez l’histoire remarquable des sculptures «Esclave mourant» et «Esclave rebelle» de Michel-Ange

Michel-Ange

Photo: Flickr (CC BY-NC-ND 2.0)

Pendant la Renaissance, Michel-Ange s'est fait un nom en tant que maître de la sculpture humaniste. La capacité inégalée de l'artiste florentin à représenter de manière réaliste la forme humaine est évidente dans l'ensemble de son œuvre, avec le célèbre David et Pietà à la pointe. Bien que sans aucun doute parmi ses œuvres les plus connues, ces pièces sont loin d'être les seuls chefs-d'œuvre de marbre de Michel-Ange – un point qui est clairement démontré par son Des esclaves.

Fabriquée au début du XVIe siècle, cette paire de sculptures faisait à l'origine partie d'une commande papale. Finalement laissé inachevé et omis de la conception finale, le Rebelle Esclave et le Esclave mourant servent maintenant de points culminants du célèbre Musée du Louvre, où ils se tiennent comme des symboles de la «quête de vérité absolue dans l'art» de Michel-Ange.

Une commande monumentale

Conception pour la tombe du pape Jules II

Michel-Ange, «Conception de la tombe du pape Jules II della Rovere», 1505-1506 (Photo: Musée métropolitain d'art (domaine public))

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni est né en 1475. Au tournant du XVIe siècle, il était déjà un artiste de renom, ayant acquis une grande notoriété grâce à d'importantes commissions ecclésiastiques: en 1497, le cardinal Jean de Bilhères-Lagraulas proposa une grande échelle Pietà pour sa tombe; en 1501, le Cattedrale di Santa Maria del Fiore à Florence commandé David comme décoration extérieure; et, en 1505, le pape Jules II lui a demandé de sculpter 40 personnages grandeur nature pour un mausolée extravagant.

Selon des sources écrites et des croquis survivants, cette tombe autoportante s'élèverait à plus de 32 pieds de haut. À l'intérieur, il abriterait une chapelle, tandis que son extérieur à trois niveaux présenterait des sculptures grandeur nature de saints, d'anges, de prophètes et d'esclaves. Selon le biographe de Michel-Ange, Giorgio Vasari, ces conceptions sans précédent promettaient un monument qui "dans la beauté et la fierté, la richesse de l'ornementation et l'abondance de la statuaire dépassait chaque ancienne tombe impériale."

Peinture de Jules II

Horace Vernet, «Jules II ordonnant à Bramante, Michel-Ange et Raphaël de construire le Vatican et Saint-Pierre», 1827 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Bien que Michel-Ange ait accepté l'offre avec satisfaction, le projet a connu plusieurs revers, à savoir son calendrier en conflit avec la construction par le pape de la nouvelle basilique Saint-Pierre, une autre entreprise ambitieuse. Les plans pour la tombe ont été encore retardés quand, en 1508, un Jules distrait a demandé à un Michel-Ange de plus en plus impatient de peindre le plafond de la chapelle Sixtine – une entreprise que l'artiste a acceptée et achevée comme un moyen d'apaiser le pape et de se remettre au travail sur la tombe. .

Même lorsque Michel-Ange a achevé le plafond en 1512, le pape est resté préoccupé par les plans de la basilique. À la mort du pape l’année suivante, Michel-Ange n’avait commencé à sculpter que trois sculptures – un Moïse assis et les deux esclaves – laissant aux héritiers de la figure sainte le soin de repenser les grands plans du pape.

Ils ont présenté à Michel-Ange un deuxième contrat détaillant une version plus petite et tamisée de la tombe. Alors qu'ils prévoyaient un calendrier de sept ans, l'achèvement de la tombe – dont la conception a de nouveau été radicalement modifiée en 1516, 1532 et 1542 et qui existe maintenant dans la basilique San Pietro in Vincoli, Rome – prendrait quarante ans. "Et donc je trouve", a écrit Michel-Ange en 1542, "J'ai perdu toute ma jeunesse liée à cette tombe."

Pour aggraver les choses, ces plans en constante évolution ont fini par omettre certaines des sculptures presque terminées de Michel-Ange – y compris le Des esclaves.

Michel-Ange Des esclaves

Michel-Ange

(Photo de gauche: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0); Photo de droite: Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Michel-Ange a sculpté cette paire de figures entre 1513 et 1516. Initialement intitulé Les prisonniers, ils sont maintenant appelés Esclave rebelle et le En train de mourir Esclave en raison de leurs comportements révélateurs respectifs.

En termes de langage corporel, les deux figures ont peu en commun. le Esclave rebelle comporte une «figure plus grossière dont tout le corps semble engagé dans une lutte violente», tandis que Esclave mourant dépeint un "superbement jeune et beau, et apparemment dans un sommeil profond (peut-être éternel)." Les deux, cependant, présentent des marqueurs de la compétence de signature de Michel-Ange: une approche réaliste de la forme humaine.

Cela est évident dans les visages et les gestes expressifs des personnages, les caractéristiques anatomiques richement détaillées et les postures asymétriques. Connu comme contrapposto ou "opposer", cette position a donné aux figures de Michel-Ange un aspect et une sensation réalistes tout en évoquant l'accent mis par la Renaissance sur l'équilibre, l'harmonie et la forme idéale.

Un héritage inachevé

Études pour Michel-Ange

Michel-Ange, «Études pour le plafond Sixtine et pour la tombe du pape Jules II» (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Quand le Des esclaves ont été écartés de la conception de la tombe, Michel-Ange les a donnés à Roberto Strozzi, un collègue florentin. «C'était un geste extravagant», explique Maria Ruvoldt dans Les esclaves de Michel-Ange et le don de la liberté, «Et pourtant Des esclaves ont été rapidement remis, envoyés par Strozzi au roi de France en 1550. »

Pourquoi Strozzi a-t-il déplacé les billes en France? Après avoir provoqué la controverse en s'opposant à la règle de Cosimo I de ’Medici, grand-duc de Toscane, Strozzi a été exilé à Lyon – et donc, à son tour, ont été les Des esclaves. Tout d’abord, ils ont été placés dans des niches dans la cour du château d’Ecouen, un château près de Paris. Ensuite, ils ont trouvé une maison dans le palais du cardinal Richelieu au Poitou. En 1749, le duc de Richelieu les amena à Paris et, après qu’une noble eut tenté de les vendre illégalement en 1793, ils devinrent propriété française et entrèrent dans la collection du Louvre en 1794.

Michel-Ange

Photo: Stock Photos de Heracles Kritikos / Shutterstock

Aujourd'hui le Des esclaves font partie des nombreux trésors sculpturaux du musée – une collection qui comprend des joyaux comme Venus de Milo et le Victoire ailée de Samothrace. Étant les seuls marbres de Michel-Ange du Louvre, ils sont sans doute ses plus célèbres Des esclaves. Ils ne sont cependant pas les seuls. Dans les années 1520 et 1530, Michel-Ange a sculpté quatre autres Des esclaves, qui sont maintenant situés dans la Galleria dell’Accademia à Florence. Comme le Esclave rebelle et le Esclave mourant, ces figures ont été omises de la conception finale, et restent incomplètes – un destin qui, à juste titre, les laisse poignamment emprisonnées dans la pierre.

"J'ai vu l'ange dans le marbre", a fait remarquer Michel-Ange, "et j'ai sculpté jusqu'à ce que je le libère."

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Art culinaire par Blondie + Rye

Baker Hannah P. de Blondie + Rye utilise le pain comme une toile non conventionnelle pour son art. Ses pains appétissants de levain, de pains plats et de petits pains fourrés sont décorés de motifs sculptés dans la croûte. Des motifs floraux et des tourbillons à motifs, parfois recouverts de poudre de taro, sortent du four presque trop beaux pour être mangés. Mais comme tout amateur de glucides le sait, il est préférable de déguster une miche de pain pendant qu'elle est encore chaude après la cuisson (quelle que soit sa beauté).

Blondie + Rye est un projet parallèle pour Hannah. Le jour, elle est professeur d'histoire au lycée, et sa profession est la façon dont elle a commencé son voyage culinaire. «J'ai commencé à cuire il y a environ cinq ans lorsque ma collègue m'a donné un four hollandais et une simple recette sans pétrissage», explique-t-elle à My Modern Met. "Quelques mois plus tard, j'ai créé mon entrée au levain, Blondie, et après cela, il n'y avait plus de retour en arrière."

L'ajout de l'art de la croûte était une évolution naturelle pour Hannah. «Je ne me souviens pas du moment où la composante visuelle a pris le relais, mais je pense que j'étais attirée par l'acte même de créer les conceptions», se souvient-elle. "Il y a une sorte de précipitation et un danger car il est si facile de faire glisser le boiteux (outil de notation), ou de mal évaluer l'hydratation de la pâte." Ce «danger» fait partie du plaisir. «On pourrait penser que cela me rendrait très délibéré et garderait de bonnes notes», dit Hannah, «mais j'apprécie également l'irrévérence de l'improvisation. J'ai donc tendance à ne pas trop planifier mes pâtes ou mes dessins. »

Baker Hannah P. de Blondie + Rye crée de l'art sur la croûte de ses pains.

Art culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt culinaire par Blondie + RyeArt du pain

Hannah décorera également des pains plats avec des légumes colorés.

Art du pain par Blondie + RyeArt du pain par Blondie + RyeArt du pain par Blondie + RyeBlondie + Rye: Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Blondie + Rye.

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Les meilleurs photographes de la voie lactée de l'année montrent la beauté de notre galaxie

Voie lactée sur les arbres dans le parc national de Namib-Naukluft, Namibie

«Deadvlei» de Stefan Liebermann. Parc national de Namib-Naukluft, Namibie.
Les arbres de Deadvlei sont morts depuis plus de 500 ans. Situés dans le parc Namib-Naukluft en Namibie, ces jeunes pousses ont poussé après que les rivières locales ont été inondées en raison de fortes pluies, mais sont mortes après que les dunes de sable se soient déplacées pour couper la rivière.
Au-dessus et au loin, la bande de notre galaxie de la Voie lactée forme un arc sur une grande tige dans cette image panoramique nocturne.

Blog de voyage et de photographie Capture the Atlas est connu pour ses images spectaculaires et il aime particulièrement partager à quel point le cosmos est étonnant à travers des photos à couper le souffle de la Voie lactée. En fait, le site a même publié un calendrier indiquant les meilleurs jours et heures pour photographier la Voie lactée afin de permettre aux photographes de prendre des photos plus étonnantes de notre galaxie. Maintenant, l'éditeur Dan Zafra a passé au crible une quantité incroyable de photos pour trouver les 25 meilleurs photographes de la voie lactée de l'année.

Cette liste est devenue une tradition annuelle à Capture the Atlas, avec Zafra mettant non seulement en vedette des astrophotographes bien connus, mais mettant également en lumière de nouveaux talents. La liste de cette année présente des photographes de 14 pays différents, ainsi que des images de la Voie lactée dans des endroits reculés comme l'Antarctique.

Les photographies mettent également en évidence l'esprit aventureux de ces voyageurs et photographes. Que ses grimpeurs escaladent un glacier dans les Dolomites à la lueur de la Voie lactée ou un voyageur solitaire seul au Sahara, chaque photographe a une histoire spéciale à raconter. En fait, ces histoires prouvent que ce que nous regardons est plus qu’une simple photographie, c’est une mémoire spéciale qui ne peut pas être reproduite.

Si quoi que ce soit, ces photos seront certainement une inspiration pour sortir en plein air et essayer d'avoir un aperçu de la Voie lactée. Par coïncidence, juin est le moment idéal pour voir la Voie lactée, car son noyau galactique est le plus visible pendant la plus longue durée de ce mois.

Découvrez quelques-unes des meilleures photos de la Voie lactée de 2020.

Voie lactée à Parque Nacional del Teide à Tenerife

«Voie lactée au-dessus du Parque Nacional del Teide» par Mehmet Ergün. Tenerife, Espagne.
Cette photo a été prise sur l'une de mes îles préférées: Tenerife. Il s'agit d'une île aux possibilités illimitées, où vous pourrez profiter de la nature dans toute sa splendeur. En particulier, le ciel nocturne de Ténérife est réputé dans le monde entier pour ses excellentes conditions d'observation des étoiles et d'astrophotographie.

Voie lactée sur les Badlands au Nouveau-Mexique

«Alien Eggs» par Debbie Heyer. Badlands du Nouveau-Mexique, USA.
Les Badlands du Nouveau-Mexique sont d'un autre monde et mystérieux. Ils ressemblent à une planète extraterrestre. Si vous ne croyez pas aux extraterrestres, vous le verrez après avoir vu cet endroit. Ce n'est pas un terrain facile à naviguer et il est très facile de se perdre. Heureusement, mes amis connaissaient bien la région, et nous avons pu profiter de ce paradis du photographe de compositions sans fin qui m'a époustouflé! Cela a été tourné en octobre dernier lors d'une visite photo de deux semaines avec des amis à travers le sud-ouest. C'était la meilleure façon de terminer la saison de la Voie lactée.

Voie lactée dans les Dolomites

«Winter Milky Way» par le Dr Nicholas Roemmelt. Marmolada, Dolomites, Italie.
Bien que la voie lactée pendant l'hiver et au début du printemps soit souvent ignorée dans la photographie astro-paysage, j'aime vraiment les étoiles brillantes (parmi les plus brillantes du ciel nocturne), les constellations colorées et les éléments plus faibles de cette partie de notre galaxie lorsque le le noyau galactique est sous l'horizon.

Voie lactée sur le lac Dumbleyung en Australie

«Nightmare» de Michael Goh. Lac Dumbleyung, Australie.
Le lac Dumbleyung est un lac salé situé dans l'ouest de l'Australie. Le lac est entouré de centaines d'arbres morts à cause des niveaux de sel et, par une nuit calme, toutes les étoiles se reflètent sur l'eau. Pour cette image, les arbres morts m'ont donné l'idée de les capturer en griffant le ciel – le panorama en œil de poisson s'est avéré meilleur que prévu, car les arbres ressemblaient presque à des tentacules. L'endroit est très sombre, donc sans clair de lune disponible, j'ai utilisé mon style d'autoportrait avec la figure tenant la lumière (maintenant un peu clichée) pour créer plus de profondeur dans l'image comme une figure solitaire debout parmi les arbres morts.

Voie lactée en Antarctique

«Gran Firmamento» de Jorgelina Alvarez. Base de Marambio, Antarctique.
Ce fut une nuit très spéciale pleine d'émotions que j'ai essayé de capturer sur cette photo. Des planètes comme Vénus, Jupiter, Saturne et Mars attirent toujours mon attention. Le centre galactique était sur le point de se cacher, parmi des milliers d'autres étoiles en composition avec le paysage enneigé de l'Antarctique.

Voie lactée sur les collines de l'Alabama en Californie

«Desert Nights» de Peter Zelinka. Alabama Hills, Californie, États-Unis.
Lorsque je voyage à travers la Californie, je m'assure toujours de m'arrêter aux collines de l'Alabama. C'est l'un des endroits les plus emblématiques de l'ouest des États-Unis, avec ses incroyables montagnes enneigées de la Sierra, ses formations rocheuses uniques et ses routes poussiéreuses.
En juin, j'ai passé quelques nuits à camper dans le désert sous les étoiles. Une fois que la Voie lactée brillait au-dessus de ma tête, j'ai erré à travers la brosse et j'ai trouvé cette arche unique.

Voie lactée dans le désert du Sahara

«Seul et ensemble dans la poussière d'étoile» de Marco Carotenuto. Le désert du Sahara.
Décrire cet endroit avec des mots ou des images n'est pas facile car il y a beaucoup d'émotions que vous pouvez ressentir en passant une nuit au cœur du désert. Rester au milieu de nulle part, à des centaines de kilomètres de la civilisation et sans électricité, réseau cellulaire ou eau vous met certainement à l'épreuve. En photographiant avec votre groupe, vous pouvez ressentir l'émotion de partager des moments d'humanité, même avec ceux que vous ne connaissez pas, d'être présents et d'oublier la routine quotidienne.

Voie lactée sur un paysage rocheux dans le sud-ouest des États-Unis

«Heavenly Throne» par Ryan Smith. Sud-ouest des États-Unis.
J'ai pris cette photo avec le Canon EOS Ra; une caméra d'astrophotographie sans miroir dotée d'un filtre de découpe infrarouge intégré (positionné juste en face du capteur d'imagerie CMOS), qui permet une transmission d'environ 4x autant de rayons d'hydrogène alpha que les appareils photo numériques standard. Cela permet de capturer plus de détails sur le ciel nocturne et la Voie lactée, et fait vraiment une différence en astrophotographie.

Voie lactée sur la chaîne de montagnes des Picos de Europa en Espagne

«Double Arch» de Pablo Ruiz García. Picos de Europa, Espagne.
Cette spectaculaire formation rocheuse en forme d'arche est située dans les gorges de «La Hermida», dans la chaîne de montagnes des Picos de Europa en Espagne.
Au début, mon idée initiale était de capturer le centre galactique à l'intérieur de l'arche, mais finalement, j'ai décidé de tirer sur les deux arches qui se chevauchaient à cette époque de l'année (fin du printemps) alors que la Voie lactée n'est toujours pas trop haute dans le ciel.

Voie lactée au-dessus du cratère Halema’uma’u à Hawaï

«Elemental» de Miles Morgan. Volcan Kilauea, Hawaii, USA.
Pendant mon voyage à Hawaï, nous étions généralement debout vers 2h30 du matin, et jouions toute la journée et bien après le coucher du soleil sur les coulées de lave. Ce soir-là, après avoir tourné le coucher du soleil, nous avons vérifié Stargazer et avons vu que vers 3-4 heures du matin, de nombreux éléments planétaires s'alignaient autour du panache du cratère Halema’uma’u.
Même si le ciel était couvert pendant la majeure partie de la nuit, nous nous trouvions au bon moment pour capturer la lave et la voie lactée

Voie lactée sur la grotte de Ta Marija à Malte

«Une nuit dans les grottes» de Sam Sciluna. Grotte de Ta Marija, Malte, Italie.
Je voulais capturer le cœur de la Voie lactée au-dessus de l'entrée de la grotte de «Ta Marija» pendant des années. Je l'ai essayé plusieurs fois auparavant, mais je n'ai pas pu capturer une image dont j'étais satisfait. En juillet dernier, je suis rentré avec un de mes amis pour essayer d'obtenir un meilleur cliché et enfin faire de ce rêve une réalité.

Voie lactée à Kanab, Utah

«Good Night Utah» de Julio Castro. Kanab, Utah, États-Unis.
Après avoir visité cet endroit en 2017, c'est devenu mon obsession personnelle de prendre une photo là-bas, principalement parce que je ne pouvais pas prendre de photos de nuit car l'endroit était très isolé.
En mai, j'ai décidé de revenir en arrière et d'essayer de prendre la photo que j'avais en tête. Après une nuit très nuageuse, juste avant l'aube, le ciel s'est ouvert, et un ciel étoilé spectaculaire m'a donné l'occasion de prendre cette photo avec l'arc de la Voie lactée au dessus de la "vague" de roche qui semble entourer les deux collines, créant un cercle presque parfait et me permettant d'obtenir la photo dont j'avais rêvé.

Voie lactée au-dessus du camping dans les Dolomites

«Base Camp» de Giulio Cobianchi. Dolomites, Italie.
J'adore tourner la Voie lactée tout au long des 12 mois de l'année. Je dois admettre que pendant la saison d'hiver, cela me fascine encore plus, probablement parce que la Voie lactée a des couleurs plus froides qui se combinent parfaitement avec la neige, et aussi parce que photographier dans ces conditions est beaucoup plus difficile.

Voie lactée sur un ancien monastère en Espagne

«Monastère enchanté» de Ramón Morcillo. Ávila, Espagne.
L'idée de filmer un ancien monastère sous la Voie lactée dans les montagnes espagnoles ne faisait que m'attarder sur la tête pendant des mois. J'étais fasciné par l'idée de planifier cette image; ayant l'arche de la Voie lactée au-dessus de l'ancien clocher solitaire. Le monastère était un couvent augustinien fondé en 1504 et appelé le «monastère de Notre-Dame du Crag». Quelques centaines de kilomètres en voiture suivis d'une longue marche et d'une montée difficile et d'un bushwhack se sont terminés dans ce lieu magnifique et magique où j'ai pu capturer notre arc de galaxie.

Capturez l'Atlas: Site Web | Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Capture the Atlas.

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Illustrations complexes des 5 sens inspirés de l'art au Musée du musée du Prado

Dessins au crayon par Olivia Kemp

Olivia Kemp travaille sur "Odeur"

L'artiste britannique Olivia Kemp est connue pour manier sa plume dans des dessins à grande échelle de lieux fantastiques. Maintenant, elle est en train de développer une nouvelle série d'illustrations remplies de dessins fascinants centrés autour d'un endroit qui a eu une influence durable sur son œuvre: le Museo del Prado à Madrid, en Espagne. «J'ai passé deux mois à dessiner à partir de peintures du Museo del Prado dans le cadre du Richard Ford Award en 2015», explique Kemp à My Modern Met. «Je prépare actuellement une exposition solo d'œuvres inspirées de mon séjour là-bas et réfléchissant à l'influence qu'elle a eu sur mon travail.»

La talentueuse dessinatrice crée des compositions en noir et blanc absorbantes remplies de détails et de textures au lieu de couleurs. Cette approche méticuleuse de l'illustration rappelle les maîtres anciens et les dessins classiques. Kemp raconte à My Modern Met: «Je travaille actuellement sur une série de pièces inspirées de peintures sur lesquelles Rubens et Breughel ont collaboré. Il s'agit d'une série sur les cinq sens qui font partie de la collection du Museo del Prado de Madrid. J'ai demandé à ma famille et à mes amis qui, selon moi, représentent chaque sens, de s'asseoir pour chaque dessin et je les ai entourés (avec) de références personnelles et de choses qui se rapportent aux peintures originales. »

Chacune de ses compositions prend des jours de travail minutieux, car les dessins complexes de Kemp ne laissent aucune zone du papier sans embellissement. Tandis que Odeur dispose d'un somptueux jardin de fleurs, Vue comprend une galerie regroupée des peintures les plus célèbres du Museo del Prado. Kemp dit que l'ajout d'un surplus de motifs à travers ces dessins massifs fait partie de la joie de les faire. «Je travaille au stylo et je ne planifie pas les travaux à l'avance», dit-elle. «C'est plus amusant pour moi car j'arrive à imaginer et à ajouter de nouveaux détails à mes œuvres tous les jours.» En raison du verrouillage, Kemp continue de développer la série à domicile qui, malgré les difficultés, lui a donné plus de temps pour se plonger dans le projet.

L'exposition solo de Kemp sera présentée à la James Freeman Gallery de Londres en septembre 2020. Faites défiler vers le bas pour voir des illustrations à la plume et à l'encre plus incroyables, et suivez l'artiste sur Instagram et Twitter pour suivre ses dernières créations.

Dessins au crayon par Olivia Kemp

Gauche: «Touch», en haut à droite: «Odor», Middle Right: «Sight», en bas à droite: «Taste»

Dessins au crayon par Olivia Kemp

Haut: «Goût», Bas: «Odeur»

Photographer Chronicles Greenland’s Changing Landscape during Annual Trips [Interview]

Le photographe de paysage norvégien Christian Hoiberg a grandi en pleine nature. Amoureux de l'environnement qui l'entoure, il est attiré par les climats arctiques qui permettent à son imagination de se libérer. Un de ses endroits préférés à visiter est le Groenland, et il a fait un rituel de passer du temps chaque été sur cette île magique.

Hoiberg utilise son temps au Groenland pour explorer le paysage mystérieux et traquer la glace en mouvement qui fait de ce pays une destination de choix pour de nombreux photographes. En utilisant ses compétences en photographie aérienne, Hoiberg est capable de capturer des images exceptionnelles des icebergs de l'île flottant dans les eaux bleues. Et comme le pays évolue à un rythme rapide en raison des variations climatiques, son travail est encore plus essentiel pour documenter l'état de l'environnement.

Lorsque Hoiberg n’est pas en train d’explorer par lui-même, il partage ses connaissances avec d’autres en animant des ateliers à travers les îles Lofoten et en publiant des livres électroniques et des préréglages Lightroom. Nous avons eu la chance de discuter avec Hoiberg de son amour pour la photographie de paysage et de ce qui fait du Groenland un paradis pour les photographes. Lisez la suite pour notre interview exclusive.

Photo aérienne d'un iceberg au GroenlandQu'est-ce qui motive votre passion pour la photographie et la photographie de paysage en particulier?

Ayant grandi en Norvège, j'ai toujours apprécié le plein air et j'ai passé ma bonne part de week-end à faire de la randonnée et des tentes même quand j'étais enfant. Cependant, cette appréciation est devenue encore plus grande après avoir acheté mon premier appareil photo et commencé à l'amener dans les bois.

Depuis lors, la photographie a été mon moyen de me déconnecter et de me vider l'esprit. Appelez cela la méditation pour l'esprit, le corps et l'âme. Cela peut sembler étrange que je puisse complètement vider mon esprit lorsque je photographie, car je travaille et de nombreux facteurs nécessitent une attention lors de la création d'une image, mais c'est à ce moment-là que je peux me détendre complètement et profiter de la moment.

Je pense que c'est ce lien avec la nature et la liberté qu'elle donne qui anime ma passion. J'adore la méditation et le voyage créatif qu'elle m'engage lors de la création d'une image.

Vue aérienne du Groenland par Christian HoibergCombien de temps passez-vous au Groenland?

J'ai eu la chance de passer environ 10 jours par an dans l'ouest du Groenland au cours des deux dernières années et j'ai hâte d'y retourner l'été prochain.

Comment cela vous inspire-t-il de manière créative?

Photographier le Groenland est assez différent de la plupart des autres endroits. En fait, c'est assez difficile. Les fjords de glace peuvent être chaotiques et il n'y a pas de plans ou de compositions évidents placés devant vous. Les éléments changent également constamment, de sorte que ce qui pourrait sembler prometteur un soir pourrait même ne pas être là le lendemain matin.

Le paysage unique – et l'opportunité infinie qu'il offre – est ce qui m'inspire de façon créative lorsque je photographie le Groenland. Rien n'y vient facilement et cela en fait un défi créatif. Mais une fois que vous pouvez isoler les détails ou repérer ces formations et ces motifs fascinants, les photographies peuvent être très enrichissantes.

Photo abstraite d'un icebergRésumé photo aérienne du GroenlandQuelles ont été vos expériences avec le changement climatique depuis votre visite au Groenland?

En tant que photographe de nature et, plus important encore, amoureux du plein air, j'ai toujours été conscient du changement climatique et des dommages qu'il peut entraîner. Bien qu'il s'agisse d'un sujet qui nous entoure quotidiennement et qui est discuté dans divers plates-formes à travers le monde, ce n'est que lors de ma première visite au Groenland que j'ai réalisé sa gravité. Il est facile de s'asseoir à la maison dans nos salons en regardant ce dont on parle à la télévision, mais c'est une toute autre chose d'être dans un endroit qui en est tellement affecté.

Visiter le Groenland et parler aux habitants m'a ouvert les yeux. Il était alarmant d'entendre leurs histoires sur la taille des icebergs et la température plus froide il y a seulement 10 à 15 ans.

Cette expérience m'a sensibilisé et m'a motivé encore plus à utiliser ma photographie pour éclairer ce sujet.

Baleine nageant près d'un iceberg au GroenlandBaleines au GroenlandEn quoi la photographie aérienne en fait-elle un bon moyen de capturer le paysage du Groenland?

Comme je l'ai mentionné, le Groenland est assez difficile à photographier. Il peut souvent être chaotique avec toute la glace qui vous entoure et il est difficile de trouver de bonnes compositions avec un objectif grand angle. Bien qu'il soit étonnant de s'asseoir et de regarder ce paysage, il est rarement utile de tout entasser en une seule photo.

C'est là qu'un télézoom est utile; il permet de se concentrer plus facilement sur les textures et les détails intéressants. Alors que je suis tombé amoureux de l'approche plus intime et abstraite de photographier les icebergs avec un objectif long, c'est à travers la perspective d'un oiseau que j'ai trouvé la plus grande inspiration. J'ai trouvé que c'était une meilleure façon de distinguer les icebergs intéressants. Il y a tellement de détails que nous ne voyons pas d'en bas.

Photographier le Groenland d'en haut est également un bon moyen de montrer le changement dans le paysage. Chaque année, le glacier met bas environ 46 kilomètres cubes (11 milles cubes) de glace; si vous fondiez cela, la quantité d'eau résultante pourrait couvrir la consommation annuelle d'eau aux États-Unis. C'est quelque chose qui se montre bien d'un point de vue aérien.

Photo aérienne d'un iceberg au GroenlandPhoto aérienne d'un iceberg au GroenlandComment vous préparez-vous pour vos tournages au Groenland en termes de recherche de la météo et des lieux?

Il est difficile de planifier des prises de vue exactes lorsqu'il s'agit de photographier le Groenland car la quantité de glace et sa densité changent rapidement. La langue glaciaire pourrait être bloquée par des icebergs massifs pendant un certain temps, faisant se remplir toute la baie de glace (mais résultant en presque aucune glace dans le fjord). Lorsque les «portes» s'ouvriront enfin, tout le fjord et le port pourraient être remplis de glace pendant la nuit, rendant les eaux difficiles à naviguer.

Ces deux situations offrent de grandes expériences mais peuvent être difficiles à photographier, car elles semblent encore plus chaotiques que la normale. Pourtant, ce n'est pas quelque chose que vous pouvez planifier, donc tout ce que nous pouvons faire est de travailler avec la situation qui nous est donnée.

Il en va de même pour la météo. Bien qu'il ait tendance à être relativement stable pendant les périodes que nous visitons, il n'est pas rare d'avoir des températures basses, de fortes pluies ou du grésil et des vents forts.

Nous avons également travaillé aux côtés de grands capitaines qui connaissent la région comme le fond de leur main et avec eux, nous avons pu trouver des zones incroyables à photographier et à explorer.

Iceberg au GroenlandPhoto aérienne d'un iceberg au GroenlandQu'espérez-vous que les gens retirent de votre travail?

J'espère que les gens qui voient mon travail sont inspirés pour prendre un moment et réaliser à quel point notre planète est belle. Malgré toute la négativité ou le stress qui nous entoure au quotidien, nous avons le privilège de résider dans un endroit aussi beau que la Terre. J'espère aussi que cette pensée les amènera à vouloir respecter notre planète et à faire sa part pour en prendre soin; même si c'est à petite échelle, comme éviter les détritus.

Je me rends également compte que tout le monde n'a pas la chance de vivre près de la nature ou de pouvoir voyager dans des zones pittoresques, alors je veux leur donner une échappatoire toujours aussi minuscule à leur réalité. Rien ne me réchauffe le cœur autant que les messages de personnes qui trouvent un moment de bonheur dans leur vie en regardant ma photographie. C’est le plus grand honneur auquel je puisse penser.

Vue aérienne du Groenland par Christian HoibergPhoto aérienne d'un iceberg au GroenlandEt après?

En raison de la situation actuelle de la pandémie de COVID-19, l'année à venir s'annonce légèrement différente de ce que j'avais imaginé il y a quelques mois à peine. Le reste des ateliers de cette année a été annulé ou reporté, mais cela m'a également donné plus de temps pour me concentrer sur la finition de nouveaux ebooks et pour rattraper mon retard sur la rédaction d'autres didacticiels liés à la photographie.

La neige commence lentement à fondre ici dans les îles Lofoten et le soleil de minuit vient d'arriver, donc pour les prochains mois, je vise à passer autant de temps que possible à explorer davantage les régions montagneuses pittoresques ici dans la Norvège arctique.

Icebergs au Groenland

Christian Hoiberg: Site Web | Facebook | Instagram | Behance

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Christian Hoiberg.

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Architecture Aquarelles de Viviene Astakhova

L'aquarelliste Viviene Astakhova capture l'attrait unique de l'architecture européenne classique. Ses coups de pinceau expressifs et son éclairage tacheté de soleil font respirer la vie à chacun des endroits pittoresques. En fait, en parcourant son portfolio coloré, vous avez l'impression de vous promener dans l'un des paysages urbains pittoresques.

L'artiste russe est un amoureux passionné de l'architecture du vieux monde et de ses détails ornés. Des villes historiques comme Vienne, Londres et Saint-Pétersbourg sont l'inspiration pour sa série de peintures urbaines. Après avoir esquissé les bâtiments au crayon, Astakhova applique de délicates couches de peinture aquarelle sur le papier, en gardant intentionnellement certaines zones sans peinture. Ce placement délibéré donne à ses images un sentiment de flottabilité, qu'elle souligne avec un ciel expressif et un ombrage aqueux d'arbres, de canopées et de colonnes. Astakhova complète ensuite ses illustrations en revenant avec un stylo technique et en décrivant quelques détails à l'encre noire.

Bien que les peintures de l'aquarelliste soient incroyables, la plupart de son succès en ligne réside également dans la façon dont elle les présente sur Instagram. Astakhova améliore souvent l'atmosphère romantique de ses paysages urbains en les photographiant dans un éclairage tamisé ou obturateur. À l'occasion, l'artiste utilise le processus de photographie comme une opportunité d'ajouter quelque chose de plus à sa peinture, comme dans sa représentation de Big Ben. Là, Astakhova guide un mince faisceau de lumière solitaire à travers la tour de l'horloge tandis que le reste de l'image reste voilé dans les ombres de l'après-midi. Ces finitions réfléchies font de ses aquarelles délicates des portails attrayants dans les villes européennes convoitées.

Faites défiler vers le bas pour voir plus de peintures d'architecture d'Astakhova et suivez l'artiste sur Instagram pour vous tenir au courant de ses dernières créations. Les peintures originales sont disponibles à l'achat sur le site Web d'Astakhova.

L'artiste aquarelliste Viviene Astakhova capture la beauté sereine de l'architecture européenne classique.

Architecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene Astakhova

Pour ce faire, Astakhova ajoute des ombres atmosphériques et des détails précis à ses peintures de bâtiments et de rues…

Architecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene Astakhova

… Cela donne aux illustrations à l'aquarelle une sensation de flottabilité et de lumière.

Architecture Aquarelles de Viviene AstakhovaPeinture d'architecture aquarelleArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaArchitecture Aquarelles de Viviene AstakhovaViviene Astakhova: Site Web | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Viviene Astakhova.

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Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Gustav Klimt, «Le baiser», 1907

L'histoire de l'art se refait une beauté dans une nouvelle série d'illustrations de l'artiste Carlos Gromo. Ces interprétations imaginatives placent des personnages de longs métrages d’animation dans des œuvres d’art célèbres, telles que celles de Gustav Klimt. Le baiser et Grant Wood's gothique americain.

L'artiste espagnol a commencé la série en 2019 comme un moyen de rendre les peintures classiques plus attrayantes pour les personnes qui ne connaissent pas l'histoire de l'art. Gromo redessine les compositions de chefs-d'œuvre emblématiques et remplace les sujets par des personnages Disney qui correspondent au thème. Ce qui rend chacune de ses illustrations si charmante, c'est la façon dont il intègre de façon transparente le style emblématique de Disney dans le design. Gromo inclut une petite vignette de l'inspiration originale dans le coin de chaque pièce pour que les téléspectateurs puissent voir la transformation.

Certaines de ses réimaginations vont trop bien. Par exemple, Gromo associe Henry Meynell Rheam Le bois de fée avec le casting de Blanc comme neige. Dans cette composition élaborée, la princesse aux cheveux corbeau se promène à travers la forêt dans une robe ivoire, tandis que les sept nains aident à porter le train de sa cape. En arrière-plan, on aperçoit le prince chevauchant son cheval blanc en direction de Blanche-Neige. De même, Ariel et le prince Eric de La petite Sirène sont convenablement placés dans la peinture de John William Waterhouse La sirène, dans lequel Eric regarde avec amour Ariel jouer de la harpe sur un rocher.

Vous pouvez acheter des tirages, des porte-clés et d'autres illustrations sur la boutique Etsy de Gromo, et voir plus d'illustrations inspirées de Disney en suivant l'artiste sur Instagram.

L'artiste espagnol Carlos Gromo réinvente des œuvres d'art célèbres avec des personnages Disney de longs métrages d'animation.

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Grant Wood, «American Gothic», 1930

Il espère que ces interprétations fantaisistes encourageront plus de gens à en apprendre davantage sur l'histoire de l'art.

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Lawrence Alma Tadema, «Ask Me No More», 1906

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Auguste Toulmouche, «Vanity», 1870

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Henry Meynell Rheam, «The Fairy Wood», 1903

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: William-Adolphe Bouguereau, «Rest in Harvest», 1865

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Pierre Auguste Cot, «The Storm», 1880

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Edmund Blair Leighton, «The Accolade», 1901

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John William Waterhouse, «L'âme de la rose», 1908

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John Simmons, «A Midsummer Night’s Dream», 1870

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John William Waterhouse, «The Siren», 1900

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: William-Adolphe Bouguereau, «Au bord du ruisseau», 1875

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Michael et Inessa Garmash, «Precious Moments»

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Henrietta Rae, «Hylas et les nymphes d'eau», 1910

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Walter Crane, «Hermès et Vénus contemplant un miroir», 1885

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John William Waterhouse, «The Sorceress», 1911

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: Lawrence Alma Tadema, «Le poète préféré», 1888

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: John William Waterhouse, «Hylas et les nymphes», 1896

Peintures de personnages Disney par Carlos Gromo

Peinture originale: William Waterhouse, «A Tale from Decameron», 1916

Carlos Gromo: Etsy | Facebook | Instagram

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La famille construit un bar personnalisé dans son jardin qui ressemble à un vrai pub à l'intérieur

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia Chic

Avoir un pub local est super, mais imaginez la commodité d'avoir un bar dans votre propre arrière-cour. C’est exactement ce que la famille Crabtree de Manchester, en Angleterre, a fait. Pendant le verrouillage, ils ont mandaté l'entreprise de meubles locale Octavia Chic pour créer un petit pub de jardin, bien appelé Le crabe ivre.

Prenant trois à quatre semaines pour terminer, l'adorable bar à bricolage est construit en bois et a l'air super élégant de l'extérieur. Cependant, l’intérieur est le lieu de la fête. Le crabe ivre est non seulement rempli de spiritueux et de bière en fût, mais l'intérieur chaleureux a été conçu pour ressembler à un pub traditionnel. Il y a un coin bar, des tabourets en bois, des bibelots vintage originaux et même un poêle à feu. La famille Crabtree a également beaucoup de frites de langoustines en stock, une collation de base de n'importe quel pub britannique.

"Mon mari et moi avons eu quelques semaines très chargées (sic) travaillant sur notre projet préféré à ce jour », explique Octavia Chic. "Le crabe ivre (a été) construit, peint et conçu pour la famille Crabtree qui adore avoir son propre pub dans le jardin. » Il n’est pas surprenant que la publication Facebook d’Octavia Chic sur le pub du jardin soit rapidement devenue virale. Maintenant, avec plus de 35 000 actions, il est sûr de dire que ce n'est pas le dernier pub de jardin personnalisé que l'entreprise familiale construira.

Si vous êtes dans le nord-ouest de l'Angleterre et que vous voulez votre propre bar d'arrière-cour, vous pouvez contacter Octavia Chic sur Facebook.

La famille Crabtree de Manchester, en Angleterre, a récemment commandé à Octavia Chic, une entreprise locale de meubles, la création d'un petit pub de jardin qu'elle appelle désormais Le crabe ivre.

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia Chic

De l'extérieur, cela semble déjà invitant.

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia Chic

Mais l'intérieur est encore plus spécial.

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia Chic

L'intérieur a été conçu pour imiter un véritable pub britannique traditionnel.

The Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicThe Drunken Crab Garden Pub par Octavia ChicOctavia Chic: Facebook

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos d'Octavia Chic.

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Vhils rend hommage aux travailleurs de la santé en ciselant des portraits dans le mur de l'hôpital

Vue sur My Modern Met

Peinture murale de Vhils à l'hôpital universitaire de Porto, Portugal

L'artiste de rue portugais Vhils rend hommage aux professionnels de la santé de son pays de la meilleure façon qu'il sait – avec une peinture murale. À Porto, 10 membres du personnel du Centre hospitalier universitaire de São João ont vu leurs portraits ciselés dans le mur par l'artiste acclamé afin de célébrer les contributions des agents de santé nationaux du Portugal.

Bien que la peinture murale soit en préparation depuis plus d'un an, le moment ne pourrait pas être meilleur. Étant donné le grand sacrifice que ces travailleurs ont fait pendant le coronavirus, il semble tout à fait normal que leurs portraits – correctement masqués – soient révélés à ce moment. Comme il était impossible pour Vhils de représenter tous ceux qui travaillent à l'hôpital, il a choisi un échantillon représentatif de médecins et d'infirmières ainsi que du personnel administratif, des services de restauration et des agents de maintenance qui assurent le bon fonctionnement.

"La pièce est une reconnaissance et un hommage sincère, en mon nom et au nom de l'équipe de Vhils Studio", partage Vhils, "à tous ceux qui sont en première ligne, de la pandémie actuelle et des soins de santé quotidiens, pour l'importance qu'ils tenir dans la vie de chacun de nous. C'est une louange pour le courage, le dévouement et l'altruisme avec lesquels ils mettent leur vie en danger pour défendre la nôtre. »

Le regroupement de portraits crée non seulement une ligne de front visuelle, mais parle également du travail d'équipe et de la camaraderie que l'on retrouve à l'hôpital. Ce beau symbole se trouve à l'entrée principale de l'hôpital, comme un accueil chaleureux à ceux qui entrent dans un souhait qu'ils trouvent le confort sous la garde de ces travailleurs.

L'artiste de rue Vhils a créé une fresque impressionnante célébrant les travailleurs de la santé devant un hôpital de Porto, au Portugal.

Hommage aux travailleurs de la santé par Vhils à l'hôpital au PortugalPeinture murale de Vhils à l'hôpital universitaire de Porto, PortugalPortrait de travailleurs de santé de première ligne pendant le coronavirus par Vhils

En utilisant sa technique de signature, Vhils a ciselé et percé leurs portraits dans un mur.

L'artiste de rue Vhils travaille sur une peinture murale à l'hôpital de PortoL'artiste de rue Vhils travaille sur une peinture murale à l'hôpital de PortoL'artiste de rue Vhils travaille sur une peinture murale à l'hôpital de Porto

La fresque est un hommage au dévouement des agents de santé nationaux du Portugal, en particulier pendant la pandémie.

Peinture murale pour les travailleurs de la santé au Centro Hospitalar Universitário de São João, Portugal par VhilsPeinture murale pour les travailleurs de la santé au Centro Hospitalar Universitário de São João, Portugal par VhilsPeinture murale pour les travailleurs de la santé au Centro Hospitalar Universitário de São João, Portugal par Vhils

Vhils: Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via Expanding Roots. My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Vhils.

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Un artiste crée des portraits de Noirs tués par la police, une minute de couleur pour chaque année de vie [Interview]

Adrian Brandon Stolen Art Marker Art

George Floyd. 46 ans, 46 minutes de couleur

L'artiste Adrian Brandon crée un travail qui se concentre sur l'expérience des Noirs. Bien qu'une partie de cela soit centrée sur «la joie, la fanfaronnade et l'amour uniques» qui sont partagés dans la communauté, Brandon utilise également ses talents pour pleurer les Noirs qui ont été tués par la police. Grâce à sa série en cours intitulée Volé, Brandon dessine les portraits des nombreux hommes, femmes et enfants dont la vie a été tragiquement écourtée. Leurs ressemblances sont d'abord rendues au crayon, puis l'artiste basé à Brooklyn utilise des marqueurs pour colorer le portrait des années où il était en vie, dans lequel un an équivaut à une minute de couleur.

George Floyd, dont la mort a déclenché l'indignation et les protestations du monde entier, a été décompté à partir de 46 minutes. D'autres victimes n'ont qu'une fraction de ce temps; Tamir Rice n'avait que 12 ans à sa mort, ce qui n'a donné à Brandon que le temps de colorer le centre de son visage.

Les portraits incomplets nous obligent à contempler ce qui a été perdu dans la mort de ces individus. Ils sont des rappels puissants et dévastateurs que ces personnes ne fêteront pas un autre anniversaire ou ne participeront pas aux étapes importantes de la vie, de la fin des études au mariage. «Ce vide représente des trous dans leurs familles et dans notre communauté», explique Brandon, «qui restera à jamais coincé avec la question,« qui devenaient-ils? »

Nous avons parlé avec Brandon Volé et le rôle que la création artistique a dans l'expression de notre humanité. Faites défiler vers le bas pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Adrian Brandon Portrait Art

Tamir Rice. 12 ans, 12 minutes de couleur

Quel est votre parcours artistique?

En famille, nous avons utilisé l'art comme un moyen de montrer l'amour et de se célébrer. Chaque fête des mères et des pères comprenait des menus faits à la main pour le brunch. J'ai dormi sur un lit superposé décoré de peintures et de poèmes de ma mère, illustrant un monde dans lequel mes frères et sœurs et moi avons mangé des crêpes toute la journée sur la planète FILA. Nous avons joué GI Joes dans une pièce avec des portes couvertes de peintures murales de notre père nous soulevant et nous portant sur ses épaules, et j'ai mangé des céréales Wheaties sur un tabouret peint à la main personnalisé pour moi, chaque matin. Avec cela étant ma fondation pour la créativité, le dessin a toujours été quelque chose que j'ai aimé.

Adrian Brandon Portrait Art

Sandra Bland. 28 ans, 28 minutes de couleur

Adrian Brandon Portrait Art

Breonna Taylor. 26 ans, 26 minutes de couleur

Comment avez-vous découvert le dessin et le portrait?

À l'école, j'étais l'enfant en classe remplissant les marges de chaque page avec des gribouillis, créant des années de mon meilleur art sur du papier de cahier ligné. Au lycée, bien que le sport soit mon objectif parascolaire principal, j'avais un professeur d'art nommé April Ferry qui voyait plus en moi qu'un simple athlète. J'ai continué à faire de l'art au Pitzer College où j'ai appris comment mon art peut déclencher une véritable conversation sur les injustices dans le monde, et ce n'est qu'en 2017 que j'ai commencé à me concentrer sur le portrait. Cette année-là, pour le Mois de l'histoire des Noirs, j'ai souligné les chefs noirs qui sont vivants et qui enrichissent la culture noire aujourd'hui: l'histoire des Noirs en devenir. Je me suis appris à peindre avec des marqueurs et suis tombé amoureux de la profondeur que je pouvais atteindre en superposant et en mélangeant les couleurs.

Adrian Brandon Portrait Art

Eric Garner. 43 ans, 43 minutes de couleur

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Ryan Twyman. 24 ans, 24 minutes de couleur

Comment avez-vous trouvé le concept – reliant le temps et la couleur – pour le Volé séries?

En tant qu’homme noir dans la société actuelle, la peur de la violence policière contre la communauté noire est toujours présente dans mon esprit. Un feu arrière cassé, un chandail à capuchon ou simplement jouer avec des amis peut entraîner la fin de notre vie. Fin 2018, Jemel Roberson venait d'être tué et son histoire était fraîche dans mon esprit; il n'avait qu'un an de plus que moi quand sa vie a été volée. J'avais besoin d'un moyen de montrer combien de vies de Noirs sont enlevées par la police parce que les hashtags ne fonctionnaient pas. Un jour, alors que je travaillais sur une commande d'un Noir de 92 ans décédé (de causes naturelles), j'ai partagé le travail en cours avec ma copine. Nous avons parlé de la beauté étrange de la pièce, même si elle n'était pas complète, de la façon dont l'espace vide suscitait des questions. Je pense souvent en travaillant sur les commissions des défunts: comment étaient-ils? Comment se sont-ils comportés dans le monde? Comment sont-ils morts? J'ai réfléchi à la chance qu'il avait de vivre une longue vie et à la façon dont on ne donne pas autant de temps à tous les Noirs. Avec tout cela à l'esprit, Volé est né.

Vous regarder ajouter de la couleur à vos portraits pendant une courte période ajoute un autre niveau d'émotion à cette série. À quoi cela ressemble-t-il de travailler de cette façon, sachant ce que signifient les minutes?

C'est stressant et c'est lourd. J'ai commencé le Série volée en février 2019, et après plusieurs mois, j'ai dû m'en éloigner et me donner de la place pour pleurer. Chaque fois que je commence à colorier une nouvelle pièce, il y a un sentiment de panique. Je veux tellement colorer autant que je peux… pour finir cet œil, aller jusqu'aux lèvres. Lorsque le chronomètre se déclenche, il y a de la colère, une profonde tristesse et un sentiment de désespoir. Le fait que tant de personnes résonnent avec ces portraits m'a donné beaucoup plus d'espoir. Les gens de toutes les couleurs de peau ressentent le même désespoir que je ressens lorsque je les crée, et la reconnaissance de cette perte est si importante que nous nous battons pour le changement. Certains membres de la famille m'ont également contacté et m'ont remercié d'avoir créé un portrait de leur bien-aimé; pour garder leur nom et leur histoire en vie. Cela a fait une telle différence dans mes sentiments lorsque je crée de nouveaux portraits. Honorer ces vies est si important pour moi. Donc, alors que la création de ces portraits me pèse émotionnellement, je trouve la paix dans le fait que je passe du temps avec eux et que j'apprenne leurs histoires. Je suis conscient que la douleur que je ressens ne ressemble en rien à la douleur ressentie par les familles, et je suis honoré d'honorer ces vies volées et d'utiliser mes compétences pour amplifier leurs histoires.

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Aiyana Stanley-Jones. 7 ans, 7 minutes de couleur

Adrian Brandon Stolen Art Marker Art

Botham Jean. 26 ans, 26 minutes de couleur

Dans ces portraits, l'espace non coloré a tellement de sens. Que signifie le vide pour vous?

Le vide symbolise l'inconnu. Toutes les questions auxquelles sont confrontés leurs proches. Tous les jalons et célébrations qui ne seront jamais atteints. Il représente le trou laissé dans le cœur de leurs communautés. L'envie de plus. La douloureuse vérité que leur histoire était inachevée.

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Rekia Boyd. 22 ans, 22 minutes de couleur

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Philando Castile. 32 ans, 32 minutes de couleur

Vous avez dit que vous vous sentiez pressé de créer ces pièces, sachant que le temps presse. Comment est-ce lié à l'expérience plus large des Noirs?

Stress. Anxiété. Peur. Ce sont des sentiments bien trop familiers pour les Noirs aux États-Unis, et l'histoire en a fait autant. Le temporisateur représente l'incertitude; le caractère aléatoire avec lequel les Noirs vivent chaque jour – ne pas savoir si c'est le jour où quelque chose que vous faites, dites ou portez pourrait mettre fin à votre vie. Pour les parents, c'est la crainte que votre fille ne joue sa musique trop fort en dehors du 7-11, ou que votre fils ne prenne son portefeuille lorsque la police le tire au lieu de garder les mains sur le volant comme vous l'avez appris. Ces craintes sont si réelles et si répandues pour les familles noires. Des transgressions mineures peuvent coûter une vie. Nous sommes épuisés.

Adrian Brandon Portrait Art

Akai Gurley. 28 ans, 28 minutes de couleur

Quel type de réponse avez-vous reçu de Volé jusque là?

Jusqu'à présent, les gens ont été incroyablement réceptifs aux Volé. Beaucoup de gens utilisent la série comme moyen d'entamer une conversation sur le mouvement Black Lives Matter avec leurs pairs. Les professeurs d'art se sont adressés au monde entier pour exprimer leur enthousiasme à utiliser la série dans leurs programmes d'études en se concentrant sur l'art comme outil de changement. Des inconnus m'ont vraiment ouvert sur les réactions viscérales qu'ils ont ressenties. En ce moment, nous voyons beaucoup de contenu sur les médias sociaux sur les injustices qui nécessitent de l'attention, et cette série fait exactement cela, mais dans un langage visuel unique et d'une simplicité déchirante.

En novembre 2019, j'ai présenté Volé à ma première exposition d'art solo à New York. Étaient présents les membres de la famille d'Akai Gurley, un homme noir non armé qui a été tué dans une cage d'escalier à Brooklyn en 2014. J'ai colorié sa pièce pendant 28 minutes. J'ai été profondément ému par la conversation que j'ai eue avec sa famille. Ils ont exprimé leur gratitude pour la série et à quel point c'était agréable de voir d'autres personnes penser à Akai. C'est ce que la série est pour moi, pour montrer aux familles que leurs proches ne sont pas oubliés et pour faire prendre conscience des points communs qui lient toutes ces vies.

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Tony McDade. 38 ans, 38 minutes de couleur

Quel rôle pensez-vous que la création artistique joue dans l'expression de notre humanité?

L'art a la capacité de nous entraîner à travers les sentiments et les émotions. Il nous invite à être vulnérables et peut transcender la politique et les lignes de parti, nous donnant une portée plus universelle. L'art parle au cœur et maintient notre humanité à l'avant. Compte tenu du combat qui nous attend, c'est important. Nous ne pouvons pas perdre de vue qu’il s’agit de vies humaines. Bien sûr, les politiques et les systèmes doivent changer. C’est extrêmement important. Mais ce n'est pas seulement une révolution à mener par les décideurs et les législateurs. Ce combat concerne la vie humaine et l'art nous aide à nous en souvenir.

En plus de Volé, vous avez d'autres séries d'œuvres dont Brooklyn Windows, qui concerne COVID-19. Sur quoi d'autre travaillez-vous actuellement et qu'avez-vous prévu pour l'avenir?

En ce moment, je me concentre principalement sur Volé. Je cherche des moyens d'avoir Volé expérimenté en personne, car il détient beaucoup plus de pouvoir lorsque vous êtes confronté à un mur de visages regardant le spectateur. Mon émission de l'année dernière l'a prouvé et malheureusement, il y a déjà eu tellement de vies supplémentaires ajoutées à la série.

Quand je ne crée pas de pièces pour Volé, Je crée un travail qui célèbre la culture noire. Les Noirs sont inondés d'images de la douleur, de la souffrance et de la perte des Noirs, et je veux contrer cela avec des rappels que notre peau est quelque chose à célébrer. Que notre amour est puissant. Que nos durags ne sont vraiment que des capes de super-héros.

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Atatiana Jefferson. 28 ans, 28 minutes de couleur

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La Liberté guidant le peuple

Eugène Delacroix, «La liberté guidant le peuple», 1830 (détail)

En 1830, l'artiste français Eugène Delacroix décrit un nouveau projet ambitieux dans une lettre à son frère. "J'ai entrepris un sujet moderne, une barricade, et même si je n'ai peut-être pas combattu pour mon pays, au moins j'aurai peint pour elle", écrit-il. "Il a rétabli ma bonne humeur." Ce travail en cours deviendrait La Liberté guidant le peuple, une peinture à grande échelle représentant un sujet privilégié par les artistes avant-gardistes: révolution.

S'étendant sur le pays, la culture et le temps, l'art inspiré par la révolution – un soulèvement destiné à renverser un gouvernement ou un système social – n'a pas de limites. Ici, nous explorons une collection d’œuvres suscitées par ce sujet politiquement chargé, avec le chef-d’œuvre monumental de Delacroix en tête.

Découvrez comment les révolutions du monde entier ont déclenché l'art pendant des siècles.

La Liberté guidant le peuple par Eugène Delacroix

La Liberté guidant le peuple

Eugène Delacroix, «La liberté guidant le peuple», 1830 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Le 14 juillet 1789, un groupe de révolutionnaires envahit la Bastille, une forteresse médiévale devenue prison d'État à Paris, pour protester contre la monarchie française. Connu sous le nom de prise de la Bastille, cet événement violent a déclenché la Révolution française, une période de troubles politiques et sociaux. Alors que la Révolution française s'est déroulée sur une période de dix ans, les tensions se sont répandues au XIXe siècle, comme La Liberté guidant le peuple.

La Liberté guidant le peuple représente l’interprétation allégorique de Delacroix de la Révolution de juillet, un conflit qui a eu lieu les 27, 28 et 29 juillet 1830. Situé dans les rues de Paris (la cathédrale Notre-Dame peut être vue au loin enfumée), le tableau représente une femme conduisant des révolutionnaires à la victoire. Tenant triomphalement le drapeau tricolore (le drapeau rouge, blanc et bleu des révolutionnaires et, plus tard, de la France) et arborant une casquette phrygienne (un chapeau historiquement porté par les esclaves affranchis), cette figure symbolique serait une ancienne version de Marianne , personnification de la République française.

Delacroix vivait à Paris à l'époque, lui permettant de vivre le chaos de première main. «Trois jours au milieu des coups de feu et des balles, car il y avait des combats tout autour», écrivait-il en 1830. «Une simple poussette comme moi courait le même risque d'arrêter une balle que les héros impromptus qui avançaient sur l'ennemi avec des morceaux de fer fixés à manches à balai.

Le soulèvement par Honoré Daumier

Le soulèvement

Honoré Daumier, «Le soulèvement», 1848 ou version ultérieure (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

La révolution de juillet ne serait pas la dernière fois que les rues françaises seraient pleines de «combats tout autour». En 1848, le pays a connu une série de révolutions qui ont vu le roi Louis-Philippe corrompu – qui a accédé au pouvoir à la suite de la révolution de juillet – renversé.

Honoré Daumier, un artiste français connu pour ses caricatures, documente la Révolution de 1848 dans Le soulèvement, une peinture à l'huile habilitante décrite par le collectionneur Duncan Phillips comme un «symbole de toute indignation humaine refoulée». Alors que Delacroix – un peintre romantique connu pour ses peintures pleines d'action – a capturé le drame épique de la Révolution française, Daumier l'a approché d'un lieu d'introspection. "Le regard est tourné vers l'intérieur", a déclaré l'historien de l'art français Henri Focillon. "L'émeutier est possédé par un rêve auquel il assemble la foule."

Washington traversant le Delaware par Emanuel Leutze

Washington traversant le Delaware

Emanuel Leutze, «Washington traversant le Delaware», 1851 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Avant que la Révolution de 1789 ne déclenche une série de bouleversements en France, une autre rébellion majeure avait pris forme à travers le monde. De 1775 à 1783, les 13 colonies originales des États-Unis se sont battues pour l'indépendance de la domination britannique dans le la révolution américaine, un événement relaté par Emanuel Leutze dans Washington traversant le Delaware.

Achevé en 1851, ce grand tableau dépeint un moment charnière de l'histoire américaine: l'attaque surprise réussie de George Washington contre les Hessois, les troupes allemandes combattant pour les Britanniques, à Trenton, New Jersey, le 25 décembre 1776. Dans l'œuvre de Leutze, Washington est montré conduisant héroïquement une armée de 2400 hommes à travers la rivière glacée, capturant le drame accru de ce moment historique. «Sans la détermination, la résilience et le leadership dont Washington a fait preuve lors de la traversée de la rivière Delaware, la victoire à Trenton n'aurait pas été possible», explique Mount Vernon, le domaine devenu monument historique national de Washington.

Le 3 mai 1808 (Exécution des défenseurs de Madrid) par Francisco Goya

3 mai 1808

Francisco Goya, «Le 3 mai», 1808 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Contrairement à Delacroix, Daumier et Leutze, l'artiste espagnol Francisco Goya n'a pas glorifié une révolution. En réalité, Le 3 mai 1808 (Exécution des défenseurs de Madrid), l'une des peintures les plus radicales de Goya, révèle la sombre réalité de la résistance. Le 3 mai 1808 rend hommage aux civils espagnols qui ont perdu la vie en se battant pour libérer leurs dirigeants et leur pays pendant la Guerre péninsulaire. Commandée par le gouvernement espagnol et achevée en 1808, la même année que le soulèvement, cette peinture graphique capture le moment où les soldats français ont ouvert le feu sur des captifs sans défense.

Considéré à la fois comme un vieux maître et comme un ancêtre de l'art moderne, l'ensemble de l'œuvre de Goya est largement considéré comme «révolutionnaire». Cependant, selon le célèbre historien de l'art britannique et directeur du musée Kenneth Clark, Le 3 mai 1808 va plus loin dans ce descripteur, car il «peut être qualifié de révolutionnaire dans tous les sens du terme, dans le style, le sujet et l'intention».

Nouvelle planète par Konstantin Yuon

Nouvelle planète

Konstantin Yuon, «Nouvelle planète», 1921 (Photo: Wikimedia Commons (domaine public))

Rivaliser avec le drame de Le 3 mai 1808 est Nouvelle planète, une conception théâtrale du peintre symboliste russe Konstantin Yuon. Destinée à orner un rideau de scène, cette peinture propose une interprétation hors du commun de la Révolution d'octobre, une insurrection cataclysmique dirigée par le Parti bolchevik. Se produisant au plus fort de la Révolution russe, un mouvement déclenché par une série de pertes russes pendant la Première Guerre mondiale, la révolution d'octobre a abouti à un gouvernement provisoire renversé et à l'établissement de Moscou en tant que nouvelle capitale du pays – changements qui, pour Yuon, ont tourné La Russie dans une «nouvelle planète».

L'arsenal par Diego Rivera

Peinture murale d'Arsenal

Diego Rivera, «L'Arsenal», 1928 (Photo: Wikimedia Commons (Fair Use))

Moins d'une décennie après que Yuon ait achevé sa vision cosmique de la révolution, le muraliste mexicain Diego Rivera a peint L'arsenal, une fresque trouvée à la Cour des fêtes de Mexico. Cette pièce à grande échelle intègre deux influences clés sur le travail de l'artiste: Frida Kahlo, collègue peintre (et future épouse de Rivera), et révolution mexicaine.

À partir de 1911, la révolution mexicaine a été une crise politique déclenchée par le mépris croissant de la classe ouvrière pour la politique élitiste du président. Alors que la Révolution a officiellement pris fin en 1917 avec la constitution du Mexique, les combats ont duré dans les années 1920, culminant en plus d'un million de vies perdues. Terminé à la fin du mouvement, L'arsenal présente le front et le centre de Kahlo alors qu'elle distribue des armes aux ouvriers devenus soldats. Au-dessus des figures se trouve une bannière sur laquelle sont inscrits des paroles de «Así será la Revolución Proletaria» («Ainsi sera la révolution prolétarienne») a corrido, ou ballade mexicaine, par Rivera.

«Son las voces del obrero rudo lo que puede darles mi laúd» («Ce sont les voix du travailleur brut que mon luth peut leur donner»), indique la bannière.

Cercle d'animaux / têtes de zodiaque par Ai Weiwei

Cercle d'animaux / têtes de zodiaque

Ai Weiwei, «Circle of Animals / Zodiac Heads», 2010 (Photo: Photos de Pabkov / Shutterstock)

Aujourd'hui, les artistes contemporains continuent de s'inspirer de la révolution. Dans Cercle d'animaux / têtes de zodiaque, L'artiste chinois Ai Weiwei tente de remédier aux résultats désastreux de la Grande révolution culturelle prolétarienne, une période de mort et de destruction.

La révolution culturelle a éclaté en 1966, lorsque Mao Zedong a cherché à renforcer son contrôle sur le parti communiste. En plus d'une économie effondrée et d'un nombre de morts probable dans les millions, cette révolution a abouti à la destruction de la culture matérielle de la Chine, déclenchant une nouvelle appréciation pour ses artefacts survivants.

Pour Ai Weiwei, cela comprenait la célèbre fontaine du zodiaque au palais Yuanming Yuan à Pékin, un «site populaire pour des artistes comme Ai pour peindre et dessiner». Orné d'une douzaine de têtes d'animaux, ce luminaire à eau du XVIIIe siècle a servi d'inspiration pour Cercle d'animaux / têtes de zodiaque, une installation sculpturale qui, en plus de réagir contre le cœur de la Révolution culturelle, est elle-même révolutionnaire.

«Mon travail est toujours prêt à l'emploi», a-t-il déclaré. «Cela peut être culturel, politique ou social, et aussi cela peut être de l'art – inciter les gens à revoir ce que nous avons fait, sa position d'origine, pour créer de nouvelles possibilités. Je veux toujours que les gens soient confus, choqués ou réalisent quelque chose plus tard. Mais au début, cela doit plaire aux gens. »

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Adorable hamster vit une existence humaine dans de charmantes aquarelles

Illustrations de hamster par GOTTE

Créé par GOTTE

Parfois, les meilleures muses artistiques viennent dans de petits paquets câlins. Pour l'artiste GOTTE, un hamster attachant nommé Sukeroku est la star de leurs illustrations. Sukeroku est peut-être peu, mais l'adorable protagoniste a gagné un grand succès pour ses histoires relatables.

GOTTE dessine le hamster en peluche dans une myriade d'activités différentes. Beaucoup sont par ailleurs ordinaires et le font manger des collations, essayer des vêtements et faire de l'exercice. D'autres illustrations sont délicieusement particulières. Sur une image, Sukeroku marche à côté de mannequins de magasin aux longues jambes. Un autre lui montre qu'il perd le contrôle d'un véhicule Segway. Parfois, GOTTE dessine le personnage mignon dans des scènes plus ludiques, comme poser à côté d'un ours en peluche ou s'habiller avec un costume de la garde royale britannique. Mais le plus souvent, le héros flou peut être vu en train de glisser une bouchée rapide sur l'une de ses joues rondes.

Bien que les hamsters dans la vraie vie soient déjà attachants pour les yeux, GOTTE accentue la gentillesse de Sukeroku avec une palette aquarelle douce et des lignes délicates. Les yeux noirs brillants et l'expression du contenu du personnage sont immédiatement adorables, et vous ne pouvez pas vous empêcher d'encourager le hamster alors qu'il dégringole à travers les petites épreuves et les tribulations de la vie. Étant donné que GOTTE conserve les illustrations fantaisistes minimalistes avec des arrière-plans clairsemés ou blancs, l'histoire de Sukeroku se lit comme un livre d'images fluide. Aucun mot n'est nécessaire pour tomber amoureux du charmant petit personnage.

Faites défiler vers le bas pour voir des illustrations plus fantaisistes de Sukeroku par GOTTE, et suivez l'artiste sur Instagram et Twitter pour se tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste GOTTE présente un adorable protagoniste de hamster dans une série d'illustrations relatables.

Illustrations de hamster par GOTTE

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Illustrations de hamster par GOTTE

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L'adorable protagoniste s'appelle Sukeroku, et il est représenté participant à différentes aventures «humaines».

Illustrations de hamster par GOTTE

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Travailler, grignoter des collations et essayer des vêtements ne sont que quelques-unes des activités que Sukeroku aime.

Illustrations de hamster par GOTTE

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Peintures de la nature par An Jung-hwan

L'artiste coréen An Jung-hwan crée des peintures hyperréalistes qui ressemblent à des portails dans des paysages vivants. Sa technique minutieusement méticuleuse rend l'écorce des arbres texturée, la lumière du soleil tachetée et l'herbe verte luxuriante aussi parfaite qu'une photographie. Chaque scène de nature est si séduisante dans sa clarté qu'elle vous invite à regarder de plus près.

Né en 1978, Jung-hwan a reçu son éducation formelle en peinture à l'Université Keimyung à Daegu, en Corée du Sud. Là, l'artiste a concentré sa pratique créative sur les paysages pétroliers à grande échelle. "(La nature) offre de nombreux avantages à l'humanité, tels que l'air frais et pur, (a) la brise fraîche … le soleil chaud et l'eau claire … et la tranquillité immergée dans le silence", explique Jung-hwan sur sa page Facebook. Son œuvre ne contient aucune trace de vie humaine, choisissant plutôt de mettre en valeur la splendeur de l'environnement, intact et prospère.

L'artiste s'inspire de la diversité des paysages de la Corée du Sud, notamment des forêts boisées, des prairies vallonnées et des montagnes escarpées. Pour atteindre le niveau élevé d'hyperréalisme pour lequel il est connu, Jung-hwan passe de nombreuses semaines et d'innombrables heures à travailler sur une seule peinture. Un examen plus attentif de l'une de ses toiles révèle son application scrupuleuse de la peinture pour rendre ses sujets si naturellement. En conséquence, chacun de ses paysages chante avec un esprit réaliste.

Les superbes peintures de paysages de Jung-hwan ont été exposées en Corée et en Asie. Faites défiler vers le bas pour voir plus de son travail et suivez le peintre sur Instagram et Facebook pour vous tenir au courant de ses dernières créations.

L'artiste coréen An Jung-hwan crée de magnifiques peintures hyperréalistes.

Peintures de la nature par An Jung-hwan

L'inspiration de Jung-hwan vient de son environnement naturel.

Peintures de la nature par An Jung-hwan

Il dépeint diverses scènes de paysage avec des détails impeccables.

Peintures de la nature par An Jung-hwan

Chacun semble avoir pu être photographié.

Peintures de la nature par An Jung-hwan Peintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwanPeintures de la nature par An Jung-hwan

Regardez cette vidéo pour un aperçu du processus de peinture de Jung-hwan.

Un Jung-hwan: Facebook | Instagram | Picuki

Toutes les images via An Jung-hwan.

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Ancienne chaussure scythique préservée pendant 2300 ans découverte dans les montagnes de l'Altaï

Chaussure scythique ancienne

L'attrait des objets anciens a intrigué les historiens et les historiens de l'art, mais les archéologues rencontrent rarement des vestiges séculaires qui ont survécu à des milliers d'années dans un état presque neuf. Récemment, une botte pour femme, aux motifs finement éblouis, a été découverte dans les montagnes de l'Altaï en Sibérie aux côtés d'autres trouvailles importantes, notamment des bijoux, de la nourriture et des armes. Cette superbe chaussure aurait 2300 ans et dispose d'une semelle élaborée en cuir rouge doux et d'un design géométrique cousu avec des cristaux de pyrite et des perles noires.

Les anciens Scythes étaient un peuple nomade qui traversait le continent eurasien. On pense que l'emplacement de la chaussure dans les montagnes de l'Altaï est l'un des monticules funéraires du Scythian, qui représente de nombreux autres objets et vêtements trouvés près de la botte. Comme d'autres civilisations anciennes, il était de coutume pour ces nomades d'enterrer leurs morts avec des éléments essentiels pour les aider à voyager dans l'au-delà. Les Scythes construisaient généralement des structures en bois en forme de cabane au fond du sol pour abriter leurs morts, où chaque corps était placé à l'intérieur d'un cercueil en rondins rempli de leurs biens. Cette préparation scrupuleuse ainsi que le pergélisol des montagnes de l'Altaï ont préservé la botte pendant des siècles.

Les perles exquises sur la semelle de la chaussure en cuir ont suscité beaucoup de curiosité et de spéculation en ligne. Selon les historiens, les Scythes socialisaient souvent devant un feu lorsqu'ils étaient assis sur leurs genoux, de sorte que les détails sur le bas des chaussures seraient visibles pour les autres, et donc un aspect important de la tenue vestimentaire d'une personne. Certains théoriciens proposent que la botte ait été faite exclusivement pour l'enterrement, ce qui expliquerait l'état immaculé de la semelle.

Cette chaussure spectaculaire fait maintenant partie de la collection d'objets anciens du Musée d'État de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, en Russie.

Une ancienne chaussure scythique datant de 2300 ans a été découverte dans les montagnes de l'Altaï.

Carte de l'ancienne Scythie

Étendue approximative de la Scythie au 1er siècle avant notre ère. (Photo: Dbachmann via Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0))

Ce chausson en cuir rouge exquis montre des perles immaculées sur la semelle qui est restée préservée pendant des siècles.

Archives du musée: Twitter
Musée de l'Ermitage: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Culture ouverte)

Images via Twitter Museum Archive.

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Un menuisier fabrique des meubles «cassés» incroyables qui semblent appartenir à un dessin animé

Projet de menuiserie de dessin animé

L'artisan Henk Verhoeff donne vie aux dessins animés à travers ses incroyables projets de menuiserie. Les pièces arborent des silhouettes exagérées avec des fissures géantes façonnées au centre d'entre elles, et les résultats semblent appartenir à un film de Disney ou de Looney Tunes. Mieux encore, ces pièces sont toutes complètement fonctionnelles. Cela rend leur construction «endommagée irréparable» encore plus incroyable, car elle montre que le plaisir et la fonction peuvent aller de pair.

Verhoeff fabrique des pièces en bois depuis 53 ans, d'abord en tant que professionnel et maintenant en tant que retraité. Il est clair que le médium est sa passion et un moyen d’exprimer sa créativité. Et maintenant, avec plus de temps à disposition, il est capable de produire tout ce que son imagination lui propose, peu importe à quel point il peut être loufoque. Cela l'a amené à faire des choses comme ajouter de l'éclairage, ce qui donne à ses commodes l'apparence d'avoir été frappées par la foudre.

Le menuisier néo-zélandais commence ses pièces sans aucun plan de construction détaillé, mais il est méticuleux pendant le processus de construction. Il recommence parfois si les détails ou les angles ne sont pas corrects, et il ajoute un vernis protecteur comme touche finale. Tout compte fait, chaque pièce peut prendre de 80 à 100 heures

Verhoeff vend occasionnellement ses incroyables meubles sur eBay. Suivez-le sur Facebook pour voir ce qui est disponible ensuite.

L'artisan Henk Verhoeff donne vie aux dessins animés en créant d'incroyables projets de menuiserie avec un délicieux sens de l'humour.

Projet de menuiserie de dessin animéProjet de menuiserie de dessin animé

En plus d’être amusants à regarder, ils sont également fonctionnels.

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Des photos de rêve couleur bonbon capturent la magnifique magie de Marrakech

Photos de Marrakech par Helene Havard

La photographe de voyage basée en Polynésie française Helene Havard est connue pour ses images de rêve aux couleurs pastel de lieux qui semblent tout droit sortis d'un film de Wes Anderson. Des rues de La Havane à la ville couleur bonbon de San Francisco, elle capture l'atmosphère unique de chaque endroit qu'elle visite, et son dernier voyage photo ne fait pas exception. Elle a récemment voyagé à Marrakech, où elle a capturé la magie mystérieuse de la ville marocaine exotique.

«Malgré le fait que je vivais en France depuis de nombreuses années, je n'ai jamais eu la chance de voyager en Afrique», explique Havard. «J'ai attendu de vivre de l'autre côté de mon pays natal pour visiter cet endroit incroyable lors d'un voyage en Europe.» Des marchés de rue animés aux palais et jardins bordés de palmiers, Havard a exploré les diverses rues de Marrakech «au hasard» pour capturer ses photos. «Le Maroc est exotique, alléchant et incroyablement beau», se souvient-elle. «Un régal pour les sens et surtout pour les yeux. J'ai adoré cet endroit pour la sensation mystérieuse qui l'irradie. »

Également connue sous le nom de ville rouge, Marrakech est connue pour sa palette de couleurs vibrantes, et Havard utilise sa licence artistique pour intensifier les teintes de rêve. En convertissant numériquement les couleurs naturelles de la ville en teintes pastel, elle fait ressortir l'atmosphère cinématographique de Marrakech, où l'aventure vous attend à chaque coin de rue.

Faites défiler vers le bas pour découvrir Havard's Marrakech série et trouver plus de son portefeuille sur son site Web.

La photographe de voyage Helene Havard a capturé la magie de Marrakech dans une série de photos de rêve aux couleurs pastel.

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Ses images atmosphériques semblent tout droit sorties d’un film de Wes Anderson.

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Hélène Havard: Site Web | Facebook | Instagram | Youtube

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Les bébés hiboux dorment face cachée parce que leurs têtes sont trop lourdes

Si vous ne pouviez pas imaginer de chouettes bébés plus mignonnes, il s’avère qu’elles le peuvent. Réfléchissez une seconde – avez-vous déjà pensé à la façon dont les créatures font une sieste? Nous savons que les hiboux adultes dorment debout, mais les hiboux ne peuvent pas encore le faire car leur tête est trop lourde. Donc, jusqu'à ce qu'ils deviennent assez gros pour faire une sieste assis, les petits oiseaux ont une solution alternative; ils se couchent sur le ventre et tournent la tête sur le côté avant de dériver vers le pays des rêves.

Miraculeusement, les jeunes chouettes font tout cela en se reposant sur une branche d'arbre. Et ils ne tombent pas, en partie grâce à la force de leur orteil appelé l'hallux. L'hallux attache la créature à la branche et il ne bougera pas tant que la chouette ne pliera pas sa jambe.

Le journaliste Mark Rees a récemment fait sa propre découverte de la façon dont les chouettes dorment. Dans un tweet maintenant viral, il a partagé une photo d'une chouette qui fait la sieste comme on pourrait imaginer un humain – sur le ventre et totalement conk out. Pour voir plus de cette vue adorable, faites défiler vers le bas.

Les chouettes (chouettes) dorment à plat ventre, et c'est adorable.

Pris cette mignonne en train de faire une sieste dans r / Superbowl

Chouettes endormiesChevêchette barrée endormieSleeping-_OwletChouette hurlante - j'aime juste dormir sur mon ventreChouettes endormies

Les hiboux ne dorment pas très longtemps et, lorsqu'ils se réveillent, ils ressemblent à beaucoup d'entre nous.

Chouette lapone

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L'artiste crée une broderie «Couronne» à double cercle avec de belles illustrations botaniques

Cerceaux de couronne de broderie par Jessica Long

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L'artiste textile Jessica Long confectionne des motifs botaniques impeccables sur de magnifiques cerceaux doubles. Chacune de ses créations en forme de couronne contient son propre arrangement unique de fleurs, de feuilles, de branches et parfois d'oiseaux.

Longue a repris l'art de la broderie à la main lorsqu'elle était en congé de maternité. L'artiste avait récemment déménagé à Washington, et la plupart de ses fournitures d'art étaient toujours en stock, alors elle a commencé à acheter des kits de broderie sur Etsy. Longtemps tombée amoureuse de la tridimensionnalité et de la texture du médium, elle a continué à développer ses compétences en créant ses propres motifs originaux. Ce projet passionné s'est finalement transformé en une petite entreprise, où l'artiste de broderie vend des kits tout compris basés sur ses créations.

Les motifs botaniques somptueux jouent un grand rôle dans la pratique de la broderie de Long. Son amour de la vie naturelle découle en fait de son diplôme en biologie. Ce qui fait vraiment ressortir son art, c'est le deuxième cerceau qu'elle ajoute au centre de son tissu. Avant de commencer le processus de broderie, Long lie le tissu choisi à deux cercles de tailles différentes, en plaçant le plus petit au centre. Puis, après avoir brodé son motif floral, elle coupe le tissu inutilisé du centre et colle les pièces restantes à l'arrière du cadre central. En conséquence, ses illustrations botaniques vibrantes sont transformées en couronnes fantaisistes brodées.

Vous pouvez acheter les kits de broderie, les motifs et les fournitures de l'artiste via Long's Etsy, et vous tenir au courant de ses dernières créations en la suivant sur Instagram.

L'artiste Jessica Long crée une broderie exquise à double cercle.

Cerceaux de couronne de broderie par Jessica Long

Elle place un cerceau plus petit au centre d'un cerceau plus grand et brode en cercle.

Cerceaux de couronne de broderie par Jessica Long

Ensuite, elle coupe le tissu inutilisé et le colle à l'arrière du cadre central.

Cerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica LongCerceaux de couronne de broderie par Jessica Long

Regardez ces vidéos pour en savoir plus sur le processus de double cercle de Long.

Jessica Long: Site Web | Etsy | Facebook | Instagram | Youtube

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Des portraits inspirés de contes de fées réinventent les princesses Disney en tant que jeunes filles noires majestueuses

Les princesses Disney repensées

«Princess Amethyst», inspiré de Raiponce

Grâce à un effort de collaboration entre la maquilleuse et coiffeuse LaChanda Gatson et CreativeSoul Photography, les princesses Disney ont été magnifiquement repensées en tant que jeunes filles noires. Appelé avec justesse Série Princess, les superbes portraits présentent des filles composées de la tête aux pieds pour capturer l'essence de personnages comme Blanche-Neige et Ariel. Mais Gaston, qui a également fourni une direction créative, a donné aux sujets leur propre style et référence à la culture; leurs tenues sont complètes avec de magnifiques accessoires et des robes de style couture qui sont plus éblouissantes que les personnages auxquels ils font référence.

le Série Princess a été créée dans le but d'inspirer «plus de filles dans le monde à commencer à se considérer comme des princesses royales». Gaston a créé le concept il y a de nombreuses années – quand elle était enfant, en fait. "L'idée a été développée très tôt dans l'enfance à partir du manque constant de représentation des enfants noirs dans presque toutes les formes de médias où les enfants jouent un rôle important", dit-elle à My Modern Met. "Même si j'adorais regarder et lire des contes de fées et de la fantaisie, je réimaginais souvent ces personnages plus liés à moi et à ma culture."

«Ces princesses ont été repensées à partir d'une collection de princesses fictives et de contes de fées mondiaux», explique Gaston, «que j'ai appris à aimer tout au long de mes années. Je les ai réinventés en tant que royauté urbaine noire. J'ai choisi une équipe de créateurs noirs talentueux et j'ai créé le changement que je voulais voir. »

En fin de compte, Gaston espère que la série saisissante contribuera à inspirer le changement. «J'espère que cette série n'est que le début d'opportunités infinies pour l'inclusion et plus de créativité noire dans la fantaisie. Continuons à avoir une conversation et comprenons que nos enfants comptent aussi. »

CreativeSoul Photography vend les portraits sous forme de tirages. Ils sont désormais disponibles sur leur site Web.

La maquilleuse et coiffeuse LaChanda Gatson et CreativeSoul Photography ont collaboré à une magnifique série de portraits dans lesquels les princesses Disney sont repensées en tant que jeunes filles noires.

Princesses Disney noires

«Princess Rose Quartz», inspiré de la princesse Aurora de «Sleeping Beauty»

Princesses Disney noires

«Princess Onyx», inspirée de Pocahontas

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«Princess Emerald», inspiré de Tiana de «La princesse et la grenouille»

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«Princess Garnet», inspiré de Blanche-Neige

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«Princess Jade», inspirée de Cendrillon

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«Princess Moonstone», inspiré par Elsa de «Frozen»

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«Princess Diamond», inspiré par Anna de «Frozen»

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«Princess Obsidian», inspiré par Shuri de «Black Panther»

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«Princess Citrine», inspirée de Belle de «Beauty and the Beast»

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"Princess Tigers Eye", inspiré de Nala de "The Lion King"

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«Princess Turquoise», inspiré de Jasmine de «Aladdin»

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«Princess Amber», inspirée de Moana

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«Princess Aquamarine», inspiré par Ariel de «La petite sirène»

CreativeSoul Photography: Site Web | Facebook | Instagram
LaChanda Gaston: Instagram | Facebook

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Une carte illustrée à la main incroyablement détaillée vous donne un aperçu complexe des collections du MET

Carte illustrée de John Kerschaum du MET

Photo: Metropolitan Museum of Art

C'est pratiquement une tradition du Metropolitan Museum of Art pour que les visiteurs se perdent dans les profondeurs du bâtiment massif des Beaux-Arts tout en essayant de s'imprégner du dixième des collections exposées. John Kerschbaum a entrepris une tâche tout aussi intimidante en 2004 pour illustrer une carte condensée, mais non moins détaillée, des expositions du MET à l'intention des visiteurs. Le diplômé de la Parsons School of Design était un choix parfait étant donné sa familiarité avec la ville et son amour de parcourir les galeries du MET. Afin de lancer cette demande presque inhumaine, Kerschbaum a reçu cinquante pièces importantes qui étaient exposées en permanence par chacun des chefs de département afin de l'aider à guider sa poursuite.

«L'un des plus grands défis était de suivre le musée lui-même. Chaque fois que j'ai visité, c'était différent de ma précédente visite », explique l'illustratrice. S'inspirant d'une affiche de 1976 de Manhattan par l'artiste Tony Graham, la carte fantaisiste et colorée qui a été achevée en 2007 a depuis humouré les visiteurs. Commençant par l'aile égyptienne dans le coin inférieur droit, et s'étendant pour inclure des sites comme des armures médiévales, des portraits de la Renaissance et des sculptures grecques, le Où est Waldo? la compacité du guide comporte une chasse au trésor cachée le long de ses frontières.

Section de la carte de John Kerschbaum du MET

Photo: Metropolitan Museum of Art

Bien que certaines parties de la carte soient devenues obsolètes car le musée a ajouté et supprimé des expositions et des pièces au cours des années, le guide reste un choix populaire pour les personnes qui visitent l'institution. Kerschbaum suggère de rechercher «la galerie la plus vide» pour vous donner la chance d’absorber vraiment les pièces que vous voyez. "Peu importe combien de fois je pourrais finir dans la même galerie peu fréquentée, je ne manque jamais de trouver quelque chose de nouveau ou quelque chose que j'ai raté la dernière fois que j'ai visité."

Bien que le MET soit actuellement fermé en raison de la réglementation sur la sécurité des coronavirus, vous pouvez utiliser cette carte pour commencer à préparer votre prochaine visite lors de sa réouverture et obtenir un aperçu des autres visiteurs qui essaient également de voir que Degas, Monet ou Van Gogh, tu meurs d'envie de rendre visite en personne.

Laissez l'illustration colorée de John Kerschbaum du Metropolitan Museum of Art vous guider à travers ses expositions.

Carte illustrée de John Kerschaum du MET

Photo: Metropolitan Museum of Art

John Kerschbaum: site Web | Twitter |
Le Metropolitan Museum of Art: Site Web | Facebook | Instagram
h / t: (Culture ouverte)

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L'opéra de Barcelone s'ouvre avec un concert pour un public de 2 292 plantes

Concert pour les plantes au Gran Teatre del Liceu de Barcelone

L'opéra de Barcelone a célébré sa réouverture au public depuis que la pandémie de coronavirus a bloqué le monde, mais leur soirée d'ouverture a eu un public inhabituel. Pour son premier concert, le théâtre a renoncé à la foule habituelle et a plutôt rempli la maison de plantes. Oui c'est correct. Les 2 292 sièges du Gran Teatre Liceu étaient occupés par des plantes vertes feuillues.

L'idée a été conçue par l'artiste conceptuel Eugenio Ampudia et a été diffusée en direct sur le site Web du théâtre. Ces ficus porte-bonheur, ces palmiers et ces fromages suisses – qui ont été importés par des pépinières locales – ont eu le plaisir d'entendre Crisantemi interprété par le quatuor à cordes UceLi Quartet.

Ampudia espère que le travail inspirera les gens à réfléchir plus profondément à leur relation avec la nature et au concept de durabilité. «Nous sommes à la fin d'une époque et cela signifie que nous devons changer certains paradigmes», partage-t-il. "Nous ne vivons pas dans le même monde qu'il y a 90 jours, et cela signifie que nous devons réfléchir à tout ce que nous faisons."

Comme les plantes peuvent réagir aux différentes vibrations provoquées par la musique, elles n'étaient certainement pas un public passif – même si elles n'étaient pas en mesure de donner des applaudissements. Maintenant que le concert est terminé, chaque usine sera donnée à un travailleur de la santé de première ligne différent qui a aidé à guider le pays dans sa lutte contre le coronavirus.

Le concert émouvant est une continuation de la mission du Liceu de créer un dialogue entre la musique et les arts visuels. Des photos et une vidéo de la performance prise par Ampudia feront désormais partie de La Caixa collection d'art contemporain.

Le Gran Teatre di Liceu a rouvert ses portes avec un concert spécial donné à 2 292 plantes.

Concert pour les plantes au Gran Teatre del Liceu de BarceloneVue aérienne du public végétal à l'Opéra de BarceloneMusiciens jouant un concert de plantes au Gran Teatre Liceu BarcelonaConcert pour les plantes au Gran Teatre del Liceu de Barcelone

Regardez un quatuor à cordes jouer dans une maison remplie de plantes à l'opéra de Barcelone.

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=rgvadprJFRc (/ incorporé)

Gran Teatre del Liceu: Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images via Gran Teatre del Liceu.

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Star Wars Fan Crafts Flaming TIE Fighter Fire Pit avec un mini barbecue

Star Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon Gould

Habituellement, lorsqu'un TIE fighter est en feu, ce n'est probablement pas une bonne nouvelle pour la flotte impériale. Cependant, pour cette réplique en acier du véhicule spatial fabriqué par l'artisan Simon Gould (de Simon Bonce Designs), ses flammes ne signifient que de bonnes choses. Cet accessoire de jardin parfait pour tout Guerres des étoiles fanatique est en fait un foyer et un barbecue miniature.

Gould a été inspiré pour fabriquer son foyer TIE fighter lorsqu'il a découvert des conceptions similaires sur les réseaux sociaux. Après avoir fait son premier, il a commencé à fabriquer toute une flotte de foyers d'incendie, prêts pour l'action cet été. «Je conçois et fabrique certaines des choses les plus folles imaginables dans mon atelier.» dit l'artisan. "Je fais ça depuis un moment et je pense maintenant qu'il est temps de montrer au monde ce que je peux faire."

Le design de Gould est parfait pour les fans de science-fiction qui aiment passer les nuits d'été à l'extérieur. Si vous voulez le vôtre, vous pouvez contacter l'artiste sur Facebook pour faire une commande personnalisée.

L'artisan Simon Gould (de Simon Bonce Designs) a créé un foyer inspiré d'un Guerres des étoiles TIE Fighter.

Star Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon Gould

En fait, il en a fait toute une flotte!

Star Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon GouldStar Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon GouldStar Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon GouldStar Wars Tie Fighter Fire Pit par Simon Gould

La conception comporte même une grille de barbecue miniature sur le dessus.

Dessins Simon Gould / Simonbonce: Facebook | Instagram

My Modern Met a accordé la permission de présenter des photos de Simon Gould / Simonbonce Designs.

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Comment les émeutes de Stonewall ont changé l'histoire pour toujours

Stonewall Inn

Photo: Photos de Massimo Salesi / Shutterstock

Chaque mois de juin, la communauté LGBTQIA + sort en force pour faire entendre sa voix. Mois de la fierté est un moment de célébration et un temps d'activisme. Et alors que tant de victoires importantes ont été remportées par la communauté gay au cours des dernières décennies, il n'y a pas si longtemps, les choses étaient très différentes. Pourtant, une nuit a déclenché un incendie qui allait changer le cours de l'histoire. Merci au 1969 Émeutes de Stonewall, une communauté s'est réunie et une nouvelle vague d'activisme s'est installée qui allait propulser le changement.

Souvent appelé Rébellion de Stonewall ou la Soulèvement de Stonewall, les événements qui ont eu lieu le 28 juin 1969 allaient changer la façon dont la communauté gay était traitée aux États-Unis. Marre du harcèlement et des abus des forces de l'ordre, un groupe s'est réuni à New York pour faire entendre sa voix. Fatigués de demander pacifiquement le changement, ils se sont regroupés et ont pris des mesures pour arranger les choses.

Ce qui s'est passé ce soir-là à Greenwich Village au Stonewall Inn, un petit bar gay de Christopher Street, a eu des répercussions qui se font encore sentir aujourd'hui. Chaque homosexuel qui aime vivre sa vérité sans avoir à se cacher peut remercier les hommes et les femmes qui se sont mis en danger pour montrer qu’ils n’allaient pas se retirer et être maltraités.

Voyons ce qui a mené à la rébellion de Stonewall et comment elle a changé l'histoire américaine afin de comprendre à la fois le chemin parcouru et le chemin qu'il nous reste à parcourir.

Signe de coeur formé avec les mains avec des drapeaux de la fierté gay en arrière-plan

Photo: Photos de lazyllama / Shutterstock

La communauté gay dans les années 1960 à New York

Dans les années 1960, l'homosexualité était toujours répertoriée comme un trouble mental par l'American Psychiatric Association et de nombreuses personnes perdaient leur emploi si elles étaient soupçonnées d'être homosexuelles. Après la Seconde Guerre mondiale, le gouvernement américain considérait l'homosexualité comme un acte de perversion et que ces personnes, qui n'étaient pas «normales», pouvaient poser un risque pour la sécurité.

Les forces de l'ordre ont tenu des listes d'homosexuels et leurs activités ont été suivies. Il était courant de balayer les quartiers de la ville pour les débarrasser des homosexuels. À New York, Greenwich Village et Harlem étaient les plaques tournantes de grandes communautés gaies et lesbiennes actives. Les descentes de police étaient courantes dans la ville, en particulier avant l’Exposition universelle de 1964, lorsque le maire s’inquiétait de l’image de la ville. Des permis d'alcool pour les bars gays ont été retirés et des agents d'infiltration ont cherché à piéger des hommes gays afin qu'ils puissent être accusés de sollicitation.

Les choses se sont quelque peu calmées après 1965, lorsqu'un premier groupe de défense des droits des homosexuels – le Société Mattachine– a fait campagne auprès du nouveau maire de la ville pour mettre fin au piégeage. Pourtant, les membres de la communauté étaient souvent harcelés. Cela a fait des bars gays l'un des rares refuges sûrs où les gens pouvaient sortir, se détendre et rencontrer d'autres personnes partageant les mêmes idées.

Mais, même au bar gay, tout n'était pas comme il semblait. Aucun de ces bars n'appartenait à des homosexuels. Ils appartenaient presque tous à des membres de la mafia, qui pouvaient retirer des permis d'alcool et payer la police afin que leur clientèle puisse se mêler en paix. Dans le cas où il y avait des descentes, les propriétaires étaient généralement prévenus et ils se produisaient souvent au début de la nuit quand il y avait peu de clients. De cette façon, ils pourraient continuer à gagner pour le reste de la nuit. L'inconvénient était que les boissons étaient souvent diluées et trop chères et le personnel était souvent maltraité.

Lorsque des raids ont eu lieu, des personnes ont été alignées contre un mur et ont demandé à présenter une pièce d'identité. Quiconque avait une pièce d'identité qui ne correspondait pas à son sexe actuel a été immédiatement arrêté. Cela incluait des femmes qui ne portaient pas au moins trois vêtements «convenablement féminins», des drag queens et des hommes et femmes trans.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=tCFwOJcMjM0 (/ intégré)

"Pourquoi vous ne faites pas quelque chose?"

Le samedi 28 juin 1969, les affaires se sont déroulées comme d'habitude au Stonewall Inn. Les employés ne se souviennent pas d'avoir été avertis d'une descente de police, alors quand quatre officiers en civil, deux bureaux de patrouille, un détective et un inspecteur adjoint sont entrés à 1 h 20 du matin et ont déclaré qu'ils tenaient le bar, c'était un surprise pour tout le monde.

Plus tôt dans la soirée, quatre agents d'infiltration – deux hommes et deux femmes – étaient entrés dans le bar pour recueillir des preuves visuelles et une fois le signe donné, tout le monde est entré. Les lumières étaient allumées et les 205 clients du bar étaient pris dans la confusion. La police ayant barré les portes, il n'y avait aucune issue.

Les officiers ont essayé de suivre la procédure habituelle de ces raids – demandez à tout le monde de se mettre en file dans les chambres en fonction de leur sexe et de leur pièce d'identité. Mais cette fois, les choses ne se sont pas passées comme prévu. La clientèle de Stonewall ne montrait aucun signe de coopération – des hommes vêtus de traînée refusaient d’accompagner les policiers et beaucoup refusaient de présenter une pièce d’identité.

Maria Ritter, une femme trans dont la famille la connaissait encore comme un homme, était au bar et se souvient de son inquiétude. «Ma plus grande crainte était de me faire arrêter. Ma deuxième plus grande crainte était que ma photo soit publiée dans un journal ou sur un reportage télévisé dans la robe de ma mère! "

Finalement, la police a séparé toutes les personnes vêtues de vêtements non conformes à leur sexe dans une autre pièce et a décidé d'amener tout le monde au poste. D'autres clients étaient libres de partir, mais au lieu de se disperser tranquillement, ils se rassemblèrent à l'extérieur du bar. Beaucoup ont appelé des amis pour les informer de ce qui se passait et la foule s'est agrandie.

Émeutes à Stonewall et Storme DeLarverie

À gauche: Stonewall Inn en 1969 (Photo: Diana Davies, copyright détenue par la Bibliothèque publique de New York (CC BY-SA)) | À droite: Stormé DeLarverie (Photo: Wikipedia)

La police était souvent énergique avec la foule, mais de nombreux clients ont commencé à se produire devant la police en posant et en faisant des mouvements exagérés. Cela a été acclamé par la foule, qui n'a fait que gonfler la foule. Chants de «Gay Power!» a traversé la foule et une pointe d'hostilité a pris le dessus.

La foule a jeté des bouteilles de bière sur le chariot de patrouille et a encouragé une drag queen alors qu'elle frappait un officier au-dessus de la tête avec son sac à main après avoir été poussé. Le point de basculement est survenu lorsqu'une femme menottée, souvent identifiée comme l'artiste lesbienne Stormé DeLarverie, a été frappée à la tête avec une matraque lorsqu'elle s'est plainte que ses attaches étaient trop serrées. Après s'être échappée à plusieurs reprises et se bagarrer avec les officiers, elle a crié à la foule: "Pourquoi ne faites-vous rien?"

C'est à ce moment que la violence a éclaté, la foule s'avançant vers la police. Surpassés en nombre par 500 à 600 personnes, ils ont été contraints de se barricader dans le bar par sécurité. Des briques ont été lancées et des fenêtres ont été brisées, le bar ayant finalement été incendié.

Le soulèvement s'est poursuivi pendant les cinq jours suivants comme une réponse spontanée à l'indignation qui se développait dans la communauté depuis des années en raison de la discrimination et des mauvais traitements.

Michael Fader, qui était à Stonewall ce soir-là, explique ce qui a conduit aux émeutes:

«Nous avions tous un sentiment collectif comme si nous en avions assez de ce genre de merde. Ce n'était pas quelque chose de tangible que quelqu'un ait dit à quelqu'un d'autre, c'était juste un peu comme si tout au fil des ans avait touché la tête cette nuit-là au même endroit, et ce n'était pas une manifestation organisée… Tout le monde dans la foule sentait que nous n'allions jamais revenir en arrière. C'était comme la dernière goutte. Il était temps de récupérer quelque chose qui nous avait toujours été enlevé… Toutes sortes de gens, toutes les différentes raisons, mais surtout c'était l'indignation totale, la colère, le chagrin, tout combiné, et tout ce qui suivait son cours. Ce sont les policiers qui ont fait la majeure partie de la destruction. Nous essayions vraiment de rentrer et de nous libérer. Et nous sentions que nous avions enfin la liberté, ou la liberté de montrer au moins que nous réclamions la liberté. Nous n'allions pas marcher doucement dans la nuit et les laisser nous bousculer – c'est comme se tenir debout pour la première fois et d'une manière très forte, et c'est ce qui a surpris la police par surprise. Il y avait quelque chose dans l'air, la liberté attendue depuis longtemps, et nous allons nous battre pour cela. Cela a pris différentes formes, mais en fin de compte, nous n'allions pas partir. Et nous ne l'avons pas fait. "

Drapeau de la fierté célébrant le Stonewall Inn

Photo: Photos de Christopher Penler / Shutterstock

Pourquoi le Stonewall Inn?

De nombreux bars gays ont dû faire face à des raids inattendus pendant cette période, alors qu'est-ce qui a rendu le Stonewall Inn si spécial? Pour vraiment comprendre, il faut regarder le contexte de l'époque. Pendant cette période, la communauté LGBTQIA + était très divisée. De nombreux bars gays n'autorisaient pas les lesbiennes, les reines, les hommes trop efféminés ou les clients trans par leurs portes. Certains bars étaient également tout simplement trop chers pour ceux qui n'avaient pas de revenus solides. Stonewall était différent.

Plus qu'un simple bar, c'était la pierre de touche pour les membres marginalisés de la communauté. "Les" drags "et les" reines ", deux groupes qui trouveraient une réception froide ou une porte barrée dans la plupart des autres bars et clubs gays, ont formé les" habitués "au Stonewall", se souvient Dick Leitsch, journaliste et cadre supérieur. directeur de la Mattachine Society. "Dans une large mesure, le club était pour eux … Mis à part le Goldbug et le One Two Three, les" drags "et les" reines "n'avaient d'autre place que le Stonewall."

Leitsch souligne que Stonewall s'adressait également à une grande partie, mais souvent ignorée, de la population gay de New York – les jeunes hommes sans-abri. Avec autant de personnes expulsées de leurs maisons après la révélation de leur homosexualité, des jeunes hommes se sont précipités en masse dans la ville. De 16 à 25 ans, ils sont arrivés sans argent, sans emploi ni toit au-dessus de leur tête. Pour seulement 3 $, n'importe qui peut entrer à Stonewall pour la nuit et prendre deux boissons. Ces jeunes mendieraient pendant la journée pour gagner leur argent d'admission et passeraient ensuite la soirée dans la sécurité et la chaleur de Stonewall.

Dans ce contexte, il est facile de voir pourquoi le Stonewall Inn était bien plus qu'un bar pour cette communauté. Et il est également facile de voir pourquoi ces membres de la population négligés avaient suffisamment de frustration accumulée pour prendre position.

Premier défilé de la fierté à New York

Défilé du jour de la libération de Christopher Street, 1970. (Photo: Kay Tobin via NYPL)

L'impact de la rébellion de Stonewall

La rébellion de Stonewall a été un tournant pour la communauté gay, non seulement à New York et aux États-Unis, mais à l'échelle internationale. Par la suite, un nouveau sens de l'activisme s'est installé, plus radical. Des groupes de défense des droits des homosexuels comme la Mattachine Society et le Filles de Bilitis existait depuis les années 50 mais avait une approche plus douce. Non seulement ils ont délibérément utilisé des noms vagues pour masquer leur véritable objectif, mais ils s'adressaient spécifiquement aux homosexuels ou aux lesbiennes sans jamais se mélanger.

Stonewall a suscité la solidarité au sein de la communauté et, pour la première fois, des associations mixtes gays, lesbiennes et personnes trans ont été formées. le Front de libération gay (GLF) et Alliance des activistes gays (GAA) étaient deux groupes créés à la suite de l'insurrection de Stonewall qui ont placé leur front et centre queerness dans leurs noms.

En plus d'organiser des manifestations publiques, les membres de ces groupes organiseraient des confrontations avec des politiciens dans des forums publics. Cela a nécessité que les politiciens soient mis au courant des problèmes auxquels la communauté gay est confrontée et donnent leurs réponses publiquement, souvent à la caméra. Ceci, associé à des perturbations des réunions publiques, a repoussé les limites de l'acceptation de la part de l'établissement et a contribué à établir une tendance de politiques non discriminatoires à partir des années 1970.

La rébellion de Stonewall a également donné naissance à Mois de la fierté. Le 28 juin 1970 a été nommé Journée de libération de la rue Christopher pour marquer le premier anniversaire de la rébellion de Stonewall. Il y avait une grande assemblée par le Stonewall Inn, ainsi que des marches simultanées à Chicago et Los Angeles. Ce seront les premières marches de la Gay Pride aux États-Unis.

Les marcheurs de New York couvriraient 15 pâtés de maisons, agitant des bannières et portant des pancartes pour montrer leur fierté. The Village Voice a rapporté la scène, l'appelant «la résistance extérieure qui est née du raid de la police sur le Stonewall Inn il y a un an».

New York Pride 2019

New York Pride Parade 2019. (Photo: Photos de Ryan Rahman / Shutterstock)

L'année suivante, des marches ont eu lieu dans d'autres villes américaines comme Boston, Dallas et Milwaukee. Il y a également eu des marches internationales à Berlin, Paris, Londres et Stockholm. Alors que l'activisme gay a continué de croître dans les années qui ont suivi Stonewall, il est devenu clair que cet événement était un moment galvanisant dans la lutte pour les droits des homosexuels.

Cela n'a été renforcé que par l'inscription du Stonewall Inn au registre national des lieux historiques en 1999 et la désignation par le président Obama du site comme monument national en 2016.

La rébellion de Stonewall marque un tournant dans l'histoire américaine et le mouvement des droits des homosexuels. Déclenché par l'indignation, il a fait pencher la balance et a appelé une communauté à l'action en les regroupant et en luttant contre la discrimination.

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La restauration de la peinture a mal tourné la Vierge Marie en un «morceau déformé»

La restauration de tableaux centenaires est essentielle à la préservation du patrimoine culturel. Mais parfois, ceux qui sont chargés de réparer une œuvre d'art n'enlèvent pas seulement des couches de saleté et de crasse. Parfois, ils finissent par ruiner un tableau en le défigurant au-delà de la reconnaissance. Ce type de botching a fait les gros titres au fil des ans, l'exemple le plus notable étant celui d'une paroissienne espagnole du nom de Cecilia Giménez qui s'est essayée à la fixation d'une peinture fanée de Jésus-Christ accrochée dans son église. Ce qui en a résulté n'a pas été une réparation fidèle, mais un tableau si non identifiable qu'il a valu les surnoms de «Bête Jésus» et «Singe Christ».

Une autre restauration maladroite, également en Espagne, a récemment été mise au jour. Une copie du tableau Immaculée Conception de Los Venerables par l'artiste baroque Bartolomé Esteban Murillo a été endommagé au-delà de la reconnaissance quand un collectionneur d'art privé a payé un restaurateur de meubles pour le nettoyer. Semblable à «Bête Jésus», le tableau a commencé comme un rendu réaliste de la Vierge Marie, mais a finalement été transformé, en deux tentatives distinctes, en un «morceau déformé» d'une personne. Maintenant, c'est le sujet du ridicule et un autre exemple douloureux de la raison pour laquelle les rest